Мне подарили

19:51 19.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

У мема "distracted boyfriend" нашелся предшественник. Это картина XVIII века

Картину «Гаррик колеблется между Трагедией и Комедией» написал английский художник Джошуа Рейнольдс в 1761 году. Картина воспроизводит аллегорический сюжет про героя, который находится на распутье. Обычно художники неоклассицизма изображали античного героя Геракла, который колеблется между Добродетелью и Пороком.

" title="View on Twitter">

Fun fact: the painting is by Joshua Reynolds and it depicts the actor David Garrick stuck between the alure of Comedy and the prestige of Tragedy, so here’s a depiction of how the meme would have worked in its original context.

«Интересный факт: картина Джошуа Рейнольдса изображает актера Дэвида Гаррика, который застрял между заманчивой Комедией и престижной Трагедией, так что вот пример, каким бы был мем в первоначальном контексте»

Пользователь твиттера под ником @ELXGANZA обнаружил более раннюю версию мема «distracted boyfriend» про мужчину, который держит за руку девушку, но заглядывается на другую.

Сравните сами:

Подписчики ELXGANZA согласились, что картина очень похожа на снимок, ставший мемом.

View image on TwitterView image on Twitter

Метки: сравнение, шутка, искусство, АЯТ, МЕМ
21:21 15.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картина маслом — эксклюзивный штрих в интерьере

Придать атмосфере элитарности, привнести в интерьер любого стилевого направления особый шик, сделать пространство поистине неповторимым под силу лишь настоящим шедеврам живописи. Картины, написанные маслом, никогда не выходят из моды, а лишь становятся признаком безупречного вкуса своих владельцев. Полотна уместны абсолютно во всех типах помещений, начиная от столовых и гостиных, заканчивая офисами и детскими комнатами. Такой элемент интерьера способен стать центральным элементом в оформлении или же объединить воедино в гармоничную концепцию уже имеющиеся предметы декора. И чтобы художественный шедевр смотрелся великолепно, необходимо знать о некоторых нюансах выбора тематики и стиля живописи.

Картина маслом – эксклюзивный штрих в интерьере



В прихожих и холлах уместны пейзажи и оригинальные цветочные композиции, выполненные в спокойных тонах. Такие холсты смогут создать поистине уютную спокойную домашнюю атмосферу. Присутствие картин, написанных талантливыми художниками, не только с первых моментов вашего прихода домой сможет наполнить гармонией и комфортом, но и скажет вашим гостям о том, что здесь чтут вечные ценности. В столовых органично смотрятся картины маслом, такие как тут, — на которых изображены натюрморты с обилием даров природы.

Сочные тона, разнообразие красок, яркая палитра – все это привнесет ощущение свежести и умиротворения. Полотна в спальнях создают легкую романтическую обстановку, если на них изображены крупным планом любимые цветы, птицы, являющиеся символом верности, роскошные пейзажи. В кабинете идеально будет смотреться картина с изображением гор и замков, видами на море, выполненная в перспективе. Написанное маслом полотно придаст респектабельности и индивидуальности такому помещению, поможет расслабиться после трудного дня или же придаст уверенности для принятия сложных решений. Если говорить о детских комнатах, то сложно переоценить присутствие художественного шедевра в поле зрения подрастающего ребенка.

Картина маслом – эксклюзивный штрих в интерьере



Картины, написанные маслом, буквально оживают в детском воображении и прививают вкус к прекрасному с ранних лет. Животные, сказочные замки, корабли под парусами на водной глади – все это превратит интерьер детской в волшебный мир.

Подобрать картину для своего дома или же выбрать холст в качестве роскошного подарка сегодня несложно. Достаточно посетить интернет магазин artofrussia.ru, где всегда открыта продажа полотен талантливых художников. Здесь не только помогут с выбором, но и напишут маслом по индивидуальному заказу, будь это репродукция известной картины или портрет. Оформленное в красивый багет, полотно будет доставлено в указанное место. Вас поразит не только искусная работа, но и доступность цены созданных шедевров.

Метки: искусство, дизайн, выбор, картины, АЯТ
20:12 05.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Что такое современный театр? И как начать в нем разбираться?

Театр бывает классический и современный

Слово "классический" вообще неприменимо к театру. Классика — это искусство прошлого, которое не утратило популярности. А театральная постановка по сравнению с романом, фильмом или картиной живет совсем недолго — всего несколько лет. Она просто не успевает стать классикой. Исключения бывают, но редко: это спектакли, не сходящие со сцены десятилетиями, в которых уже сыграли несколько поколений актеров. Например, "Арлекин — слуга двух господ" итальянского режиссера Джорджо Стрелера. Постановка появилась в 1947 году и до сих пор гастролирует по миру. Если вы видите на сцене людей в исторических костюмах, изображающих Отелло с Дездемоной, — правильнее называть это традиционным театром, а не классическим.

2

Чем традиционный театр отличается от современного?

Четкой границы не существует. Допустим, вы играете пьесу Шекспира в современных костюмах и без декораций. Никто не назовет вашу постановку традиционной, — во всяком случае, в России. Но вы по крайней мере используете пьесу, актеров и сцену. А другой режиссер ставит спектакль на заброшенном заводе. Или без артистов. Или без текста. Или все сразу. С его точки зрения, вы — традиционалист. Сегодня понятия "театр" и "спектакль" намного шире, чем 100 или даже 50 лет назад. Иногда современный театр похож на театр в общепринятом смысле слова (как, например, спектакли Константина Богомолова или Кирилла Серебренникова). Иногда — вообще не похож (как постановки Всеволода Лисовского или немецкой театральной группы Rimini Protokoll).

3

Разве может быть спектакль без актеров?

Представьте себе. Немецкий режиссер и композитор Хайнер Гёббельс поставил спектакль "Вещь Штифтера" без единого артиста: публика в течение часа наблюдает за водой, паром и машинами. У тех же Rimini Protokoll есть проект "Remote X", где зрители ходят по городу в наушниках и слушают указания гида, чья речь синтезирована компьютером. А швейцарская театральная компания Magic Garden сделала спектакль "Questioning/Кто ты?", где вам предложат заполнить несколько анкет — только и всего (самое странное, что это безумно увлекательно). Подобные проекты можно назвать сеансами самопознания: зритель наблюдает не за персонажем, а за собой. Так устроен и новый проект "Зеркало Карлоса Сантоса", вместе с которым мы сделали эти карточки, — часть спектакля проходит без участия актеров.

4

То есть зрители теперь не просто сидят и смотрят?

Да, интерактивность — главный тренд современного театра. Некоторые спектакли похожи на компьютерные игры с открытым миром: вы свободно ходите из зала в зал и сами выбираете, за кем из героев следить. В других постановках взаимодействия еще больше: актер может задать вам вопрос или попросить что-то сделать.

В "Зеркале Карлоса Сантоса" зрителей ведут через 12 комнат, причем в разных помещениях — разные правила: где-то вы только смотрите, где-то слушаете, а где-то наблюдаете за собой и своими мыслями.

5

Какие еще есть направления?

Еще есть документальный театр, физический театр, театр художника и множество других. Документальный театр очень разнообразен. Иногда в нем применяют технику вербатим — актер или драматург записывают речь какого-нибудь человека, и потом она произносится со сцены как монолог. Человек может и сам рассказать о себе зрителям — как это было, например, в спектакле Rimini Protokoll "Cargo Moscow" с участием российских дальнобойщиков. В физическом театре главное — тело актера, его движения, позы и жесты, в таком спектакле слов может не быть совсем. Театр художника сосредоточен на работе с предметами и фактурами. Эти направления часто пересекаются: например, постановку греческого режиссера Димитриса Папаиоанну "Великий укротитель" можно отнести и к физическому театру, и к театру художника.

Метки: театр, виды, АЯТ, объяснение, жанры
19:14 02.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картина Яна Вермеера "Девушка с жемчужной сережкой".

В конце февраля музей Маурицхейс в Гааге запустил проект «Девушка в центре внимания» (Girl in the Spotlight), посвященный «Девушке с жемчужной сережкой», самой известной картине Яна Вермеера, которая хранится в собрании музея. Больше двух недель группа ученых, реставраторов и историков искусств впервые с 1994 года — когда картину в последний раз реставрировали — исследовала картину Вермеера при помощи микроскопов, инфракрасных спектрометров и рентгеновских аппаратов. На протяжении всего исследования реставратор Эбби Вандивер вела блог. «Медуза» рассказывает, что нового ученым удалось узнать о картине с 350-летней историей.

Художник делал краски на основе подогретого масла

Чтобы получить масляные краски, в XVII веке художники или их помощники смешивали красящие пигменты с маслом, которое часто добывали из льна. Полученные краски они хранили в закрытых горшках или в высушенных мочевых пузырях животных. Ученые из музея Маурицхейс исследовали микроскопический фрагмент краски с картины методом газовой хроматографии/масс-спектрометрии (ГХ/МС) — это технология, способная распознавать химические вещества даже в самых сложных смесях. Оказалось, что Вермеер использовал специальный тип масла, которое, возможно, даже делал сам. Для изготовления красок масло сначала прокаливалось при температуре около 300 градусов по Цельсию — это позволяло контролировать густоту краски, делать ее более гладкой, глянцевитой и, вероятно, даже быстросохнущей.

Краски для картины делались из ртути, свинца и мексиканских червецов

Для того чтобы узнать, какие красители в каких фрагментах картины использовал Вермеер, ученые пользовались сканирующим электронным микроскопом (пучок электронов фокусируется на маленьком фрагменте картины в поперечном сечении и определяет его атомный состав), ультрафиолетовыми лампами, жидкостными хроматографами (компоненты сложной смеси, такой, как краска, разделяются, чтобы определить состав смеси) и другими приборами. Им удалось выяснить, что красный пигмент на губах и щеках героини картины — это смесь на основе киновари, оранжево-красного пигмента из сульфида ртути, который в XVII веке в больших масштабах производили в Амстердаме и Антверпене.

Еще один красный краситель, который художник использовал для работы над лицом «Девушки», — кармин, получаемый из карминовой кислоты, которую вырабатывают самки кошенили, или кошенильного червеца. Кошениль водится в Мексике, в XVI-XVII веках его активно экспортировали в Испанию, а оттуда поставляли в другие европейские страны. Вероятно, кармин на щеках вермееровской героини — тоже родом из Мексики. Сегодня кармин, который стал гораздо более распространен, чем во времена Вермеера, используют как пищевой краситель — например, для окрашивания сосисок или сыра.

Непрозрачная белая краска, которой художник писал рубашку девушки, белки ее глаз, блики на платке и блик на жемчужине, — это свинцовые белила. Ученые проанализировали образец белой краски с картины и определили, что свинец для нее был добыт из тех же месторождений, что и для других североевропейских картин.

В «Девушке с жемчужной сережкой» Вермеер активно использовал ультрамарин — синей краской на его основе художник не только написал платок на голове героини, но и прорисовал им складки одежды. Пигмент, получаемый из лазурита, добывали в Средней Азии и отправляли в Европу по Шелковому пути. Затраты на доставку и производство делали ультрамарин одним из самых дорогих красителей — дороже золота. Это лишний раз подтверждает, что материальное положение Вермеера, отца 15 детей, писавшего не больше двух картин в год, было весьма неплохим — возможно, благодаря богатым заказчикам или покровителям.

Холст картины очень похож на другие холсты, которые использовал Вермеер

В Голландии XVII века было много ткацких мануфактур. Холстом для картин обычно служила ткань, сплетенная из льняных волокон. Она продавалась кусками или целыми рулонами. Недавние исследования показали, что несколько картин Вермеера были написаны на кусках холста из одного и того же рулона. Холстов, аналогичных тому, на котором написана «Девушка с жемчужной сережкой», до сих пор обнаружить не удалось, но новейший анализ рентгеновских снимков картины показал, что основой для нее послужило такое же полотно, как обычно покупал Вермеер, — простого тонкого плетения. Количество льняных нитей на сантиметр холста — 14,66 горизонтальных и 14,5 вертикальных — тоже примерно такое, как в других картинах Вермеера.

Метки: живопись, искусство, исследование, АЯТ, Ян Вермеер
10:19 27.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

"Тревога глубоко подавленного гея" За что автор самой жуткой картины Америки чуть не лишился уха

В Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке идет выставка «Грант Вуд: "Американская готика" и другие легенды». В экспозицию вошли картины художника, создавшего одну из самых знаменитых работ XX века. По словам кураторов, наследие Гранта Вуда не ограничивается «Американской готикой» — пугающим произведением, которое, по замыслу автора, должно было отразить патриотический дух фермеров времен Великой депрессии, но воспринималось лишь как насмешка над сельскими жителями. Фермеры Айовы возненавидели Вуда за то, какими он изобразил их на своем полотне, одна женщина даже грозила откусить ему ухо.

«В своей живописи Вуд хотел создать мир гармонии и процветания, который стал бы ответом на нужду Америки во времена экономических и социальных беспорядков, вызванных Депрессией. Но под пасторальной наружностью его искусство отражает тревогу художника и глубоко подавленного гея на Среднем Западе 1930-х годов», — говорят кураторы выставки о картинах Вуда. Загадочные портреты и пейзажи сельской Америки — в картинах внизу текста.

От меня : я бы ему за это "искусство" не только ухо отрезала )))

Простите меня ,ценители прекрасного !

Метки: сша, искусство, картины, АЯТ, Вуд
11:20 26.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)
-->

Киноискусство

Жанры киноискусства

Строго говоря, в кино нет единого общепринятого набора жанров (как, например, в живописи), покоторому можно было бы точно классифицировать все кинофильмы. Кроме того, большинствохудожественных кинофильмов можно смело отнести к более чем одному жанру. Поэтому говорить онижеприведённой системе жанров художественного кино можно лишь с большой долей условности. Эта система скорее была сформирована самими зрителями на основе личных впечатлений, чемкиноведами в рамках научных исследований. Но, тем не менее, эта система широко распространена и, в определённой мере, общепринята.

  • Боевикэтот жанр иллюстрирует известный тезис «добро должно быть с кулаками». Фильмы этогожанра зачастую не обладают сложным сюжетом. Главный герой обычно сталкивается со злом в самомочевидном его проявлении: преступление, коррупция, терроризм, убийство. Не находя иного выхода, главный герой решает прибегнуть к насилию. В результате уничтожению подвергаются десятки, аиногда и сотни злодеев. «Хэппи энд» (англ. happy endсчастливый конец) — непременный атрибутбоевика, зло должно быть наказано.
  • Вестернв классических фильмах этого жанра действие происходит на Диком Западе Америки в XIXвеке. Конфликт обычно разворачивается между бандой преступников, представителями властей иохотниками за наградой (англ. bounty hunter). Как и в обычном боевике, конфликт разрешаетсянасилием со стрельбой. Вестерны пропитаны атмосферой свободы и независимости, характерной длязапада Соединённых Штатов.
  • Гангстерский фильмдействие фильмов этого поджанра зачастую происходит в США в 1930-егодыво время расцвета гангстерских группировок. «Разборки» между гангстерами и являютсяосновой сюжета таких фильмов.
  • Детективный фильмжанр, произведения которого неизменно содержат иллюстрации преступныхдеяний, следующего за ними расследования и определения виновных. У зрителя, как правило, возникает желание провести собственное расследование и выдвинуть собственную версиюпреступления.
  • Карате-фильмфильмы этого поджанра сюжетно мало отличаются от обыкновенных фильмов жанраэкшен. Но в противостоянии персонажей карате-фильмов упор делается не на применениеогнестрельного оружия, а на рукопашные схватки с применением приёмов восточных единоборств.
  • Драмаспецифику жанра составляют сюжетность, конфликтность действия, обилие диалогов имонологов. Драмы изображают в основном частную жизнь человека и его острый конфликт собществом. При этом акцент часто делается на общечеловеческих противоречиях, воплощённых вповедении и поступках конкретных героев фильма.
    • Трагедиянаверняка театральную трагедию не следует рассматривать
Метки: АЯТ, жанры, киноискусство
11:37 15.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Бумажное кружево индийского художника

Бумажное кружево индийского художника

Метки: искусство, бумага, АЯТ, ножницы, художество
19:48 12.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Пейзажи нитками

Художники по вышивке некоторое время назад стали весьма творчески подходить к этому виду рукоделия, в чём мы не раз убеждались. В то время как одни являются приверженцами традиционной вышивки, создавая простые узоры, другие используют нить вместо кисти, вышивая выразительные текстуры и живописно сочетая цвета.



Одним из таких художников является рукодельница Вера Шимуня из Санкт-Петербурга, которая с помощью ниток и пяльцев создаёт великолепные пейзажи. В некоторых из последних работ художница даже объединяет текстильное искусство с фотографией, создавая потрясающие сюрреалистические пейзажи, состоящие наполовину из фотографии, наполовину из вышивки.


















Метки: творчество, искусство, рукоделие, вышивка, АЯТ
19:02 11.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Невероятно красивые платья, которые будто сошли со страниц каких-то сказок

Представляем вам талантливого модельера из Франции Сильви Факон. Она создаёт невероятно красивые платья, которые станут украшением любого модного показа. Сильви много внимания уделяет тканям и продумывает каждую деталь своего творения. Одну из моделей, вдохновляясь стилем стимпанк, она разработала в тандеме с дизайнером костюмов Морганом Э.Гросдендангом. Её платья отличаются изысканностью, оригинальностью и невероятной женственностью, и порой кажется, что они сошли со страниц каких-то сказок

Платья с сюжетами старого города

Платье с настоящими книжными страничками и переплётами

Платье-скрипка со страничками из нотной тетради

Платья с цветочными мотивами

Сказочное грибное платье

Платье по мотивам иллюстрации Дидье Граффе

Метки: шитьё, фантазия, моделирование, АЯТ, искусство дизайна
08:56 24.02.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Десятилетие пофигизма: Подольский суд Киева приговорил одесского Караваджо к смерти

Картина Микеланджело Меризи да Караваджо «Поцелуй Иуды», похищенная летом 2008 года из Одесского музея западного и восточного искусства и вернувшаяся в Украину в 2010-м, по-прежнему лежит в столичном институте и разрушается. Предполагаемых воров, которые давно уже находятся на свободе, даже не пытаются судить.

«Полотно просто умирает, — рассказал «Думской» бывший директор Одесского музея западного и восточного искусства Владимир Островский, который регулярно ездит в Киев, пытаясь добиться возвращения картины в Одессу. — Оно лежит в столичном научно-исследовательском центре реставрации без движения. Реставраторы даже не приступали к делу, потому что суд признал полотно вещественным доказательством, к которому до вынесения приговора притрагиваться нельзя. Но подозреваемых вообще не судят, дело не продвигается уже 8 лет! Представьте себе, что у вас злоумышленники украли машину. Затем машину и угонщиков нашли, но машину признали вещдоком. Прошло время, а конца суда над угонщиками не видно. А затем и угонщиков отпустили, и они не являются на суд. Тем временем ваша машина стоит на штрафплощадке, ржавеет и разрушается. Вот так и в этом процессе – похитителей картины отпустили, меры пресечения у них нет. Они все исчезли. И на последнем заседании суда – два года назад оно было, — судьи спокойно выслушали ответ помощницы о том, что ответчики не явились. И все – суд отложили. На какой срок неизвестно, видимо, ждут, когда появятся похитители».

Картина сразу после обнаружения. Фото sphaerez.de
Картина сразу после обнаружения. Фото sphaerez.de

Островский утверждает, что дальнейшее пребывание картины в упомянутом статусе приведет к ее гибели. По сути, Подольский суд, медля с приговором похитителям (может, стоит их уже оправдать?), приговаривает к смерти сам «Поцелуй Иуды».

«Восемь лет полотно лежит без растяжки, — возмущается Островский. — Мы отдали в центр кромки полотна, которые остались на раме после того, как картину срезали воры. Кромки должны были срастить с полотном, дальше его необходимо растянуть. Если полотно держать без этой процедуры, оно садится, как любая ткань. Появляются микротрещины, краска осыпается. Чем дальше – тем больше безвозвратных потерь. Киевский центр получил под картину дополнительные средства, и все без толку. Два года назад итальянцы предложили нам отправить картину в Милан. Они брались бесплатно ее отреставрировать. Мы очень просили киевлян отдать полотно для отправки на реставрацию в Италию. Но в НИИ нам ответили, что, мол, лучше них никто не проведет реставрацию, а во-вторых, это же вещдок! Это потрясающий цинизм, так как полотно уже восемь лет лежит и погибает. И всем все равно!».

Искусствовед считает, что полотно Караваджо стало заложником меркантильных интересов руководства национального реставрационного центра и странной судебной коллизии, в результате которой имущество одесского музея не только не возвращено владельцу, но и уничтожается от времени и условий хранения.

Напомним, дело о похищении «Поцелуя Иуды» рассматривается в Подольском райсуде столицы. Дважды его пытались завернуть на дорасследование, но апелляция всякий раз возвращала производство обратно. С 2016 года заседания не проводятся. Сначала их переносили из-за неявки пятерки бандитов, а потом просто перестали назначать. Судебная система, похоже, вынесла смертный приговор шедевру эпохи барокко.

В полиции и суде ситуацию с картиной не комментируют.

Dumskaj.net
Метки: суд, искусство, Караваджо, кража, реставрация, АЯТ, бездействие
11:33 01.02.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Во имя моды: главные fashion-выставки 2018 года

Главные fashion-выставки 2018-го посвящены религии, авангардной моде и арт-украшениям.

Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination

10 мая — 8 октября, Нью-Йорк, Метрополитен-музей​

Папские облачения, 50 колец, тиар и других католических аксессуаров наряду с предметами из тематических коллекций Кристобаля Баленсиаги, Эльзы Скиапарелли, Коко Шанель, Жан-Поля Готье, Кристофера Кейна, Дольче и Габбаны, сценическими костюмами Мадонны и Леди Гаги покажут этой весной в Метрополитен-музее. Главная fashion-выставка года — "Небесные тела: мода и католическое воображение" — посвящена взаимоотношениям моды и религии. Экспозицию официально поддержал Ватикан: чтобы получить редкие экспонаты из его коллекции, куратор Эндрю Болтон посетил резиденцию Римско-католической церкви восемь раз. Всего на выставке покажут около 150 экспонатов, отображающих влияние церковного облачения и иконографии на творчество fashion-дизайнеров.

Frida Kahlo’s Wardrobe, Музей Виктории и Альберта

16 июня — 4 ноября, Лондон

После смерти Фриды Кало в 1954 году ее муж, мексиканский муралист Диего Ривера, запер все ее вещи в ванной их дома La Casa Azul в Мехико и завещал открыть хранилище только через 15 лет после его смерти. Случилось это, правда, почти на 30 лет позже — в 2004 году. Одежду и другие сокровища из гардероба Кало в британском Музее Виктории и Альберта покажут впервые. Традиционные мексиканские платья, украшенные цветами обручи для волос, корсеты и платки, расписанные и вышитые самой художницей, протез, декорированный красным шнурком и колокольчиком, — одежда является важной частью искусства Фриды Кало, которая чаще всего изображала саму себя. Помимо коллекции личных вещей художницы, на выставке покажут несколько ее картин, в том числе и "Мои платья" 1933 года.

T-shirt: Cult — Culture — Subversion, Музей моды и текстиля

9 февраля — 6 мая, Лондон

Футболка — универсальный носитель идей, подчеркивают организаторы выставки T-shirt: Cult — Culture — Subversion, которая пройдет в лондонском Музее моды и текстиля. Самый понятный и доступный предмет гардероба на планете прошел путь от элемента мужского белья до протестного символа: лучше футболки ничто не скажет о том, кто мы и кем хотим быть. Сотню экспонатов для выставки куратор Дэвид Синклер собрал из частных коллекций: это и знаменитые политические футболки Кэтрин Хэмнетт из серии Message, и панковские модели из магазина Let It Rock Вивьен Вествуд и Малкольма Макларена, мерч фем-активисток Guerrilla Girls, и футболки авторства Пэм Хогг — кумира неоромантиков 80-х.

Jewellery by Artists: From Picasso to Koons, Музей декоративного искусства

7 марта — 1 июля, Париж

Экспонаты этой выставки поместятся в пару коробок, любит подчеркивать Дайан Вене, которая последние 20 лет коллекционирует украшения. Ее любимая тема — ювелирные изделия, созданные известными художниками XX и XXI веков. Уже в марте в парижском Музее декоративного искусства покажут 113 экспонатов из собрания Вене: украшения, созданные Пикассо, Маном Рэем, Максом Эрнстом, Луизой Буржуа, Роем Лихтенштейном, Йоко Оно, Китом Харингом и другими людьми искусства. Каждое хранит чью-то личную историю: например, украшения авторства Пикассо из коллекции Дайан были созданы для любовниц художника — Доры Маар и Марии-Терезы Вальтер, а для американского скульптора Александра Колдера ювелирное дело было хобби — он иногда делал подвески в виде инициалов своих друзей.

Margiela/Galliera 1989-2009, Музей Гальера

3 марта — 15 июля, Париж

Интерес к фигуре Мартина Марджелы не стихает: выставку Margiela: The Hermès Years в Антверпене сменяет новая экспозиция — ретроспектива работ дизайнера на посту главы Дома Maison Martin Margiela в парижском Музее Гальера. Будучи центральной фигурой в мире моды на протяжении 20 лет, бельгийский дизайнер-авангардист во многом повлиял на то, как выглядит fashion сейчас: самый очевидный пример — Vetements Демны Гвасалии, который использует основные принципы работы Марджелы. Куратор Оливье Сайяр собрал для выставки более 100 экспонатов — одежду, архивные видео с показов, редкие интервью и инсталляции. В музее можно будет увидеть многие знаковые вещи Дома — например, пальто из париков из весенней коллекции 2009 года, последней, над которой работал Марджела для одноименного бренда.

Текст: Кристина Обломская

Метки: искусство, выставки, АЯТ, 2018
16:21 10.01.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Реалистичные картины от Ёнг-Сунг Ким

Южнокорейский художник Ёнг-Сунг Ким (Young-Sung Kim) обладает удивительным талантом: он умеет рисовать фотографии. Это может показаться преувеличением, но взгляните на его работы, и вы поймёте, что умеет делать этот художник с помощью кисти, акриловых красок, огромного таланта и терпения.


Вы можете часами рассматривать его невероятно детализированные картины и всё равно не сможете отличить их от цифровых фотографий высокого разрешения.


Ким настолько преуспел в своём творчестве, что ему самому иногда с трудом удаётся отличить свои гиперреалистичные картины от фотографий, которые его вдохновили.


А однажды 43-летний художник из Сеула ошибочно отправил журналистам файл с фотографией, с которой он рисовал, вместо картины, которую с неё нарисовал, потому что на невооружённый взгляд они выглядели практически идентично.


В настоящее время Ёнг-Сунг Ким живёт и работает в Нью-Йорке. По его словам, почти все, кто видел его картины, в какой-то момент интересуются, не распечатывает ли он фотографии на холсте. Впрочем, художника этот вопрос совсем не обижает, а, скорее, воспринимается, как комплимент.














Метки: искусство, АЯТ, художественная фотография
22:22 13.12.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Собор Парижской Богоматери

соборы мира_1

Сегодня Франция отмечает день основания одного из самых известных зданий мира — собора Парижской Богоматери (Notre Dame de Paris). Строительство главной церкви Парижа началось в 1163 году и продолжалось около 200 лет.

соборы мира_2

За это время не раз менялись архитекторы. Перемены отразились на внешнем облике сооружения: собор соединил в себе несколько стилей и эпох. Похожая судьба и у многих других известных храмов — часто они возводились веками под руководством нескольких зодчих и покровительством разных правителей.

соборы мира_3

Метки: искусство, архитектура, Франция, Париж, АЯТ
21:54 11.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

О. Генри Из любви к искусству

Когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы.

Такова предпосылка. Наш рассказ явится выводом из этой предпосылки и вместе с тем её опровержением. Это будет оригинально и ново с точки зрения логики, а как литературный приём — лишь немногим древнее, чем Великая китайская стена.

Джо Лэрреби рос среди вековых дубов и плоских равнин Среднего Запада, пылая страстью к изобразительному искусству. В шесть лет он запечатлел на картоне городскую водокачку и одного почтённого обывателя, в большой спешке проходящего мимо. Этот плод творческих усилий был заключён в раму и выставлен в окне аптеки, рядом с удивительным початком кукурузы, в котором зёрна составляли нечётное количество рядов. Когда же Джо Лэрреби исполнилось двадцать лет, он, свободно повязав галстук и потуже затянув пояс, отбыл из родного города в Нью-Йорк.

Дилия Кэрузер жила на Юге, в окружённом соснами селении, и звуки, которые она умела извлекать из шести октав фортепьянной клавиатуры, порождали столь большие надежды в сердцах её родственников, что с помощью последних в её копилке собралось достаточно денег для поездки «на Север» с целью «завершения музыкального образования». Как именно она его завершит, её родственники предугадать не могли, впрочем, об этом мы и поведём рассказ.

Джо и Дилия встретились в студии, где молодые люди, изучающие живопись или музыку, собирались, чтобы потолковать о светотени, Вагнере, музыке, творениях Рембрандта, картинах, обоях, Вальдтейфеле, Шопене и Улонге.

Джо и Дилия влюбились друг в друга или полюбились друг другу — как вам больше по вкусу — и, не теряя времени, вступили в брак, ибо (смотри выше), когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы.

Мистер и миссис Лэрреби сняли квартирку и стали вести хозяйство. Это была уединённая квартирка, затерявшаяся в каком-то закоулке, подобно самому нижнему ля диез фортепьянной клавиатуры. Супруги были счастливы. Они принадлежали друг другу, а Искусство принадлежало им. И вот мой совет тому, кто молод и богат продай имение твоё и раздай нищим, а ещё лучше — отдай эти денежки привратнику, чтобы поселиться в такой же квартирке со своей Дилией и своим Искусством.

Обитатели квартирок, несомненно, подпишутся под моим заявлением, что они самые счастливые люди на свете. Дом, в котором царит счастье, не может быть слишком тесен. Пусть комод, упав ничком, заменит вам бильярд, каминная доска — трюмо, письменный стол — комнату для гостей, а умывальник — пианино! И если все четыре стены вздумают надвинуться на вас, — не беда! Лишь бы вы со своей Дилией уместились между ними. Ну, а уж если нет в вашем доме доброго согласия, тогда пусть он будет велик и просторен, чтобы вы могли войти в него через Золотые ворота, повесить шляпу на мыс Гаттерас, платье — на мыс Горн и выйти через Лабрадор!

Джо обучался живописи у самого великого Маэстри. Вы, без сомнения, слышали это имя. Дерёт он за свои уроки крепко, а обучает слегка, что, вероятно, и снискало ему громкую славу мастера эффектных контрастов. Дилия училась музыке у Розенштока — вы знаете, конечно, какой широкой известностью пользуется этот возмутитель покоя фортепьянных клавиш.

Джо и Дилия были очень счастливы, пока не прожили всех своих денег. Так оно всегда, но я не хочу показаться циником. Стоявшая перед ними цель была им совершенно ясна. Джо в самом непродолжительном времени должен был написать такие полотна, ради обладания которыми пожилые джентльмены с тощими бакенбардами и толстыми бумажниками будут лупить друг друга кистенём по голове у него в мастерской. Дилия же должна была познать все тайны Музыки, затем пресытиться ею и приобрести обыкновение при виде непроданних мест в партере или в ложах лечить внезапную мигрень омарами, уединившись в своих личных апартаментах и отказываясь выйти на эстраду.

Но прекраснее всего, на мой взгляд, была сама их жизнь в маленькой квартирке: горячие, увлекательные беседы по возвращении с уроков; уютные обеды вдвоём и лёгкие, необременительные завтраки; обмен честолюбивыми мечтами — причём каждый грезил не столько своими успехами, сколько успехами другого; взаимная готовность помочь и ободрить, и — да простят мне непритязательность моих вкусов — бутерброды с сыром и маслины перед отходом ко сну.

Однако дни шли, и высоко поднятое знамя Искусства бессильно повисло на своём древке. Так оно бывает порой, хотя знаменосец и не виноват. Все из дома и ничего в дом, как говорят грубые, одержимые практицизмом люди. Не стало денег, чтобы оплачивать ценные услуги мистера Маэстри и герра Розенштока. Но, когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы. И вот Дилия заявила однажды, что намерена давать уроки музыки, так как нужно свести концы с концами.

День за днём она уходила из дома вербовать учеников и, наконец, однажды вернулась домой к вечеру в очень приподнятом настроении.

— Джо, дорогой мой, я получила урок? — торжествующе объявила она. — И, знаешь, такие милые люди! Генерал... генерал А. Б. Пинкни с дочкой. У них свой дом на Семьдесят первой улице. Роскошный дом, Джо! Поглядел бы ты на их подъезд! Византийский стиль — так, кажется, ты это называешь. А комнаты! Ах, Джо, я никогда не видала ничего подобного!

Я буду давать уроки его дочке Клементине. И представь, я просто привязалась к ней с первого взгляда. Она такая нежная, деликатная и так просто держится. И вся в белом с головы до пят. Ей восемнадцать лет. Я буду, заниматься с ней три раза в неделю. Ты только подумай, Джо, урок пять долларов! Это же чудно! Ещё два-три таких урока, и я возобновлю занятия с герром Розенштоком. Ну, пожалуйста, родной, перестань хмуриться и давай устроим хороший ужин.

— Тебе легко говорить, Дали, — возразил Джо, вооружась столовым ножом и топориком и бросаясь в атаку на банку консервированного горошка. — А мне каково? Ты, значит, будешь бегать по урокам и зарабатывать на жизнь, а я — беззаботно витать в сферах высокого искусства? Ну уж нет, клянусь останками Бенвенуто Челлини! Я, вероятно, тоже могу продавать газеты или мостить улицы и приносить в дом доллар-другой.

Дилия подошла и повисла у него на шее.

— Джо, любимый мой, ну какой ты глупый! Ты не должен бросать живопись. Ты пойми — ведь если бы я оставила музыку и занялась чем-то посторонним... а я сама учусь, когда даю уроки. Я же не расстаюсь с моей музыкой. А на пятнадцать долларов в неделю мы будем жить, как миллионеры И думать не смей бросать мистера Маэстри.

— Ладно, — сказал Джо, доставая с полки голубой фарфоровый салатник в форме раковины. — Всё же мне очень горько, что ты должна бегать по урокам. Нет, это не Искусство. Но ты, конечно, настоящее сокровище и молодчина.

— Когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы, — изрекла Дилия.

— Маэстри похвалил небо на том этюде, что я писал в парке, — сообщил Джо. — А Тинкл разрешил мне выставить две вещи у него в витрине. Может, кто и купит одну из них, если они подадутся на глаза какому-нибудь подходящему идиоту с деньгами.

— Непременно купят, — нежно проворковала Дилия. — А сейчас возблагодарим судьбу за генерала Пинкни и эту телячью грудинку.

Всю следующую неделю чета Лэрреби рано садилась завтракать Джо был необычайно увлечён эффектами утреннего освещения в Центральном парке, где он делал зарисовки, и в семь часов Дилия провожала его, насытив завтраком, нежными заботами, поцелуями и поощрениями.

Искусство — требовательная возлюбленная. Джо теперь редко возвращался домой раньше семи часов вечера.

В субботу Дилия, немного бледная и утомлённая, но исполненная милой горделивости, торжественно выложила три пятидолларовые бумажки на маленький (восемь на десять дюймов) столик в маленькой (восемь на десять футов) гостиной.

— Клементина удручает меня порой, — сказала она чуть-чуть устало. — Боюсь, что она недостаточно прилежна. Приходится повторять ей одно и то же по нескольку раз. И эти её белые одеяния стали уже нагонять тоску. Но генерал Пинкни — вот чудесный старик! Жаль, что ты не знаком с ним, Джо. Он иногда заходит к нам во время урока — он ведь одинокий, вдовец — и стоит, теребя свою белую козлиную бородку. «Ну, как шестнадцатые и тридцать вторые? — спрашивает он всегда. — Идут на лад?»

Ах, Джо, если бы ты видел, какие у них панели в гостиной! А какие мягкие шерстяные портьеры! Клементина немножко покашливает. Надеюсь, что она крепче, чем кажется с виду. Ты знаешь, я в самом деле очень привязалась к ней — она такая ласковая и кроткая и так хорошо воспитана. Брат генерала Пинкни был одно время посланником в Боливии.

Но тут Джо, словно какой-нибудь граф Монте-Кристо, извлёк из кармана сначала десять долларов, потом пять, потом ещё два и ещё один-четыре самые что ни на есть настоящие банкноты — и положил их рядом с заработком своей жены.

— Продал акварель с обелиском одному субъекту из Пеории, — преподнёс он ошеломляющее известие.

— Ты шутишь, Джо, — сказала Дилия. — Не может быть, чтобы из Пеории!

— Да вот, представь себе. Жаль, что ты не видала его, Дилия. Толстый, в шерстяном кашне и с гусиной зубочисткой. Он заметил мой этюд в витрине у Тинкла и принял его сначала за изображение ветряной мельницы. Но он славный малый и купил вместо мельницы обелиск и даже заказал мне ещё одну картину — маслом: вид на Лэкуонскую товарную станцию. Повезёт её с собой. Ох, уж эти мне уроки музыки! Ну ладно, ладно, они, конечно, не отделимы от Искусства.

— Я так рада, что ты занимаешься своим делом, — горячо сказала Дилия. — Тебя ждёт успех, дорогой. Тридцать три доллара! Мы никогда не жили так богато. У нас будут сегодня устрицы на ужин.

— И филе-миньон с шампиньонами, — добавил Джо. — А ты не знаешь, где вилка для маслин?

В следующую субботу Джо вернулся домой первым. Он положил восемнадцать долларов на столик в гостиной и поспешно смыл с рук что-то чёрное — по-видимому толстый слой масляной краски.

А через полчаса появилась и Дилия. Кисть её правой руки, вся обмотанная бинтами, была похожа на какой-то бесформенный узел.

— Что случилось, Дилия? — спросил Джо, целуя жену Дилия рассмеялась, но как-то не очень весело.

— Клементине пришла фантазия угостить меня после урока гренками по-валлийски, — сказала она. — Вообще это девушка со странностями. В пять часов вечера — гренки по-валлийски!

Генерал был дома, и посмотрел бы ты, как он ринулся за сковородкой, можно подумать, что у них нет прислуги. У Клементины, конечно, что-то неладно со здоровьем — она такая нервная. Плеснула мне на руку растопленным сыром, когда поливала им гренки. Ужас как больно было! Бедняжка расстроилась до слёз. А генерал Пинкни... ты знаешь, старик просто чуть с ума не сошёл. Сам помчался вниз в подвал и послал кого-то — кажется, истопника — в аптеку за мазью и бинтами. Сейчас уж не так больно.

— А это что у тебя тут? — спросил Джо, нежно приподымая её забинтованную руку и осторожно потягивая за кончики каких-то белых лохмотьев, торчащих из-под бинта.

— Это такая мягкая штука, на которую кладут мазь, — сказала Дилия. — Господи, Джо, неужели ты продал ещё один этюд? — Она только сейчас заметила на маленьком столике деньги.

— Продал ли я этюд! Спроси об этом нашего друга из Пеории. Он забрал сегодня свою товарную станцию и, кажется, склонён заказать мне ещё пейзаж в парке и вид на Гудзон. В котором часу стряслось с тобой это несчастье, Дили?

— Часов в пять, должно быть, — жалобно сказала Дилия. — Утюг... то есть сыр сняли с плиты примерно в это время. Ты бы посмотрел на генерала Пинкни, Джо, когда он...

— Поди-ка сюда, Дили, — сказал Джо. Он опустился на кушетку, притянул к себе жену и обнял её за плечи.

— Чем это та занималась последние две недели? — спросил он.

Дилия храбро посмотрела мужу в глаза — взглядом, исполненным любви и упрямства, — и забормотала что-то насчёт генерала Пинкни... потом опустила голову, и правда вылилась наружу в бурном потоке слёз.

— Я не могла найти уроков, — призналась Дилия. — И не могла допустить, чтобы ты бросил живопись. Тогда я поступила в эту большую прачечную — знаешь, на Двадцать четвёртой улице — гладить рубашки. А правда, я здорово придумала всё это — насчёт генерала Пинкни и Клементины, — как ты считаешь, Джо? И сегодня, когда одна девушка в прачечной обожгла мне руку утюгом, я всю дорогу домой сочиняла эту историю с гренками. Ты не сердишься, Джо? Ведь если бы я не устроилась на работу, ты бы, может быть, не продал своих этюдов этому господину из Пеории.

— Он, между прочим, не из Пеории, — с расстановкой проговорил Джо.

— Ну, это уж не важно, откуда он. Ты такой молодчина, Джо, и скажи, пожалуйста... нет, поцелуй меня сначала, скажи, пожалуйста, как это ты догадался, что я не даю уроков?

— Я и не догадывался... до последней минуты, — сказал Джо. — И теперь бы не догадался, но сегодня я послал из котельной наверх, в прачечную, лигнин и мазь для какой-то девушки, которой обожгли руку утюгом. Я уже две недели как топлю котёл в этой прачечной.

— Так, значит, ты не...

— Мой покупатель из Пеории — так же, как и твой генерал Пинкни, — всего лишь произведение искусства, которое, кстати, не имеет ничего общего ни с живописью, ни с музыкой.

Оба рассмеялись, и Джо начал:

— Когда любишь Искусство, никакие жертвы... Но Дилия не дала мужу договорить, зажав ему рот рукой.

— Нет, — сказала она. — Просто: когда любишь...

1907

Метки: рассказ, АЯТ, мскусство, О.Генри
22:03 09.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Большой театр

Большой театр, МоскваВ самом центре Москвы на красивой площади расположен главный храм российской культуры – Большой театр. Гордость всей России – Большой театр – является одним из самых значительных в мире театров оперы и балета, стоя в одном ряду с такими «глыбами» как «Ла Скала» в Италии и «Ковент Гарден» в Англии. Словом, переоценить значение Большого театра для России нельзя. Можно лишь с замиранием сердца наслаждаться его бессмертным творчеством и любоваться его великолепным зданием, которое тоже является выдающимся образцом русской архитектуры.

История Большого театра, сколь величественна, столь же и запутана. Взять хотя бы тот факт, что даты рождения у Большого театра две – март 1776-го и январь 1825-го. Вот как это получилось…

Большой театр, МоскваИменно в марте 1776 г., губернский прокурор князь Пётр Васильевич Урусов получил высочайшее соизволение императрицы Екатерины II о содержании театральных представлений, концертов, маскарадов. В связи с чем князь начал строительство театра, который — по месту расположения на площади Петровской — был назван Петровским. Увы, первый русский театр в Москве на Большой Петровской улице сгорел еще до открытия. Это привело в упадок дела князя. Он передал дела своему компаньону, англичанину Михаилу Медоксу. Именно благодаря ему на пустыре, регулярно затопляемом Неглинкой, вопреки всем пожарам и войнам, вырос театр, со временем потерявший свою географическую приставку Петровский и оставшийся в истории просто как Большой театр.

Большой театр, МоскваПетровский театр Медокса простоял 25 лет – в 1805 году здание сгорело (кстати, горело и перестраивалось потом неоднократно). В 1821-1824 г.г. по проекту Михайлова и Бове для Большого театра построено монументальное здание, которым мы любуемся сегодня. На Театральной площади возник исполненный великолепия восьмиколонный театр с колесницей бога Аполлона над портиком – символом вечного движения искусства и жизни. Прекрасное здание в классическом стиле, внутри декорированное в красно-золотые тона, по признанию современников, было лучшим театром в Европе и уступало только миланскому «Ла Скала». Его открытие состоялось в январе 1825 года.

Большой театр, МоскваБольшой театр в Москве — одно из лучших театральных зданий мира. Пятиярусный зрительный зал славится своей величиной, превосходной акустикой. Его украшает золоченая лепнина, росписи на потолке, огромная хрустальная многоярусная люстра. Высота зала — 21 метр, длина — 25 метров, ширина — 26 метров. В нем 2153 места. Перед Большим театром раскинулся сквер с фонтаном.
И все же свое летоисчисление Большой театр начинает с 1776 года. Поэтому в 2006-м широко отмечалось 230-летие Большого театра России.

Большой театр по праву называют гордостью русской культуры. На протяжении всей своей жизни он был центром притяжения лучших сил русского оперного и балетного искусства. На сцене этого театра впервые увидели свет многие выдающиеся творения русских композиторов, его труппу украшают и поныне имена самых прославленных отечественных певцов, танцоров, дирижеров, режиссеров, хореографов. Слава Большого театра давно уже вышла за пределы страны.

Метки: история, москва, искусство, театр, АЯТ
11:11 02.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

От картин на платьях до перформансов на показах Как мода становится искусством

Создание одежды — это в первую очередь работа с цветом, формой и эстетикой. Одежда, как и искусство, может выражать настроение, мироощущение и другие абстрактные мысли и идеи. Дизайнеры живут в тех же больших городах, читают те же книги, посещают музеи и выставки, толкаются на вечеринках, смотрят кино. На одежду они переносят свои впечатления и отношение к происходящему. А благодаря новым технологиям пошива, окрашивания, вытачивания и моделирования они могут выражать идеи с помощью любых фактур и форм. Сегодня недели моды — главный смотр достижений индустрии — можно воспринимать как своего рода медиа, только образы и отсылки здесь приходится угадывать и додумывать. Мы, вместе с петербургским ТРЦ «Галерея», где с 3 по 6 ноября пройдет фестиваль Art of Fashion, разобралась, как тесно оказываются переплетены искусство и мода.

Мода и изобразительное искусство

Переносить картины на одежду одними из первых пробовали модельер Эльза Скиапарелли и художник Сальвадор Дали. Они были близкими друзьями и вместе продвигали новаторские идеи сюрреализма. Одним из результатов их дружбы стала коллекция Schiaparelli 1937 года с украшениями, созданными по эскизам Дали, и платье в пол с красным поясом и рисунком омара на юбке. Другим знаковым сплавом моды и живописи стала коллекция коктейльных платьев с графичными рисунками Мондриана, созданная Ив Сен-Лораном в 1965 году. Эти образы до сих пор остаются важными символами эпохи 60-х.

Luke MacGregor / Alamy / Vida Press

Впоследствии дизайнеры все чаще и чаще вдохновлялись искусством. Так, например, на платьях Valentino угадываются части полотен Босха, сумки Louis Vuitton то пестрят горохом Яёи Кусамы, то полотнами Рубенса и Ван Гога в переложении Джеффа Кунса, на шарфах Alexander McQueen появляются черепа Дэмиена Херста, а платья Celine предстают репродукциями Ива Кляйна.

Узнать о сложностях перенесения картин на ткань можно из документального фильма «Dior и я», который рассказывает историю работы Рафа Симонса над первой кутюрной коллекцией Christian Dior: для платьев классического силуэта французского дома креативный директор использовал принт с картин Руби Стерлинга. Эту картину можно посмотреть на фестивале Art of Fashion 6 ноября. Также в рамках фестиваля покажут «Первый понедельник мая» — фильм о закулисье Met Gala под руководством Анны Винтур, «Глаз должен путешествовать» — байопик культового обозревателя моды Дианы Вриланд и несколько лент с Берлинского фестиваля модного кино.

Мода и перформанс

Перенесением живописных образов на одежду дело не ограничивается. Многие дизайнеры вдохновляются и другими формами искусства. Так, в 1999 году Александр МакКуин выпустил на показ модель в белом платье. Она встала на крутящуюся стойку, а два робота распыляли на платье краску, превращая его в арт-объект. В 2012 году звезда перформанс-арта Марина Абрамович поучаствовала в рекламной кампании Givenchy, а в 2015-м срежиссировала весенне-летний показ модного дома. В 2017 году Moncler вместе с фотографом Энни Лейбовиц объединились с китайским перформансистом Лю Болином: для рекламной кампании «Скрываясь в городе» он загримировался так, что полностью сливался с окружающей средой.

Другой интересный пример переосмысления фотоискусства и перформанса показал один из главных моторов современной моды Демна Гвасалия в коллекции Vetements осень-зима 2017. Он выпустил на показ моделей в стереотипных образах: дама преклонного возраста в норковой шубе, классический панк, мужчина, напоминающий охранника в кожаной куртке, европейский турист с сумкой на поясе, работница банка в твидовом костюме. Как выяснилось позже, Демна использовал образы, показанные на выставке «Exactitudes» фотографа Ари Верслуиса и социолога Элли Эйттенбрук, посвященной стереотипам.

Узнать больше о том, что такое фэшн-перформанс, можно будет в ТРЦ «Галерея», где стилист Владимир Бордок представит шесть модных шоу, посвященных главным трендам предстоящего сезона. Все подиумные образы будут собраны из популярных марок одежды и аксессуаров из ТРЦ «Галерея». Там же будут расположены корнеры-витрины четырех авангардных российских дизайнеров-перформансистов: Turbo Yulia, Roma Ermakov, Venera Kazarova, Varenye Organizm. А еще на фестивале выступит с речью о взаимопроникновении моды и искусства Стас Башкатов (комьюнити Sila Sveta).

Мода и политика

Модные дизайнеры, как и современные художники, остро реагируют на политические события в мире. Вместо того чтобы устраивать перформансы и инсталляции, некоторые из них выражают свою позицию в одежде. Так, выпускники английского колледжа дизайна Central Saint Martins все как один в сентябре 2016 года на своих показах в рамках Лондонской недели моды представили коллекции, посвященные «Брекзиту», рассказав о своем отношении к выходу Великобритании из Евросоюза. А после победы Дональда Трампа на президентских выборах в США и его первых заявлений многие дизайнеры выразили протест новому президенту. Раф Симонс, который работает с Calvin Klein и живет в Америке всего год, провел показ под песню Дэвида Боуи «This is not America». Молодая марка Public School выпустила моделей в свитшотах с надписью «We need leaders» и в красных бейсболках «Make America New York», которые отсылали к агитационным кепкам команды Трампа.

Mark reinstein / Alamy / Vida Press

Не жалуют дизайнеры и новоиспеченную первую леди — Меланию Трамп. Марк Джейкобс, Дерек Лам и Том Форд категорично высказывались о том, что она «настолько прекрасна сама по себе, что может обойтись и без их платьев». Пример с другой стороны океана: в Великобритании дизайнеры уважительно относятся к премьер-министру Терезе Мэй. И она отвечает им взаимностью: носит лишь работы подданных Соединенного Королевства — Anya Hindmarch, Vivienne Westwood, Russell & Bromley, L. K. Bennett. Среди российских политиков громких удачных примеров отношения с модой еще слишком мало (если не считать блестящие ботинки Jimmy Choo Дмитрия Медведева и брюки Loro Piana Владимира Путина), но, возможно, молодое поколение привнесет в эту сферу чуть больше стиля и актуальных тенденций.

Мода и лозунги

Самый простой (и лобовой) модный способ выразить свое мнение по любому волнующему вопросу — написать его на футболке или другой вещи. Дизайнеры одежды переняли этот метод у художников-концептуалистов. Когда в 2016 году Мария Грация Кьюри стала первой в истории женщиной, возглавившей Сhristian Dior — один из самых известных французских домов моды, на ее дебютном показе модели вышли в футболках с надписью «We should all be feminist». Британский дизайнер с индийскими корнями Ашиш Гупта посещает свою родину примерно раз в полгода и выпускает лонгсливы с надписью «Immigrant», тем самым призывая не стесняться своего статуса. 18-летний дизайнер Кайла Робинсон выпускает футболки с надписью «Why be racist, sexist, homophobic or transphobic when you could just be quiet?», прославленные рэпером Фрэнком Оушеном. А последний показ Прабала Гурунга закрывали модели в футболках «Girls just want to have fundamental rights» и «This is what a feminist looks like».

CAMERA PRESS / Vida Press
Russell Hart / Alamy / Vida Press

Мода и кино

Кино и мода бесконечно связаны, еще с эпохи золотого века Голливуда: шубы, бриллианты, черное платье Одри Хэпберн в фильме «Завтрак у Тиффани» и розовый бант на спине Мэрилин Монро — примеров, когда стиль с экрана описывает целую эпоху, очень много. Знаменитые дома моды настолько любят киноиндустрию, что порой непонятно, кто кем вдохновлялся. Когда в 2015 году вышел новый «Безумный Макс», Риккардо Тиши выпустил кожаные ботфорты и жилетки в Givenchy. Дэвид Линч объявил о перезапуске «Твин Пикса» — Умберто Леон и Кэрол Лим выпустили коллекцию Kenzo с зигзагами в красно-зеленых тонах. Влияние Уэса Андерсона на жизнь и мировоззрение Алессандро Микеле можно проследить по коллекциям Gucci последних двух лет. Да что уж говорить, летом 2017 года Николя Жескьер на одной из футболок Louis Vuitton предложил покупателям вспомнить сериал «Очень странные дела».

Andreea Angelescu / Vida Press

Кино не только вдохновляет дизайнеров, они все чаще используют видеоарт для показов и в рекламных кампаниях. Порой невозможно отличить промо модного бренда от артхаусной короткометражки. Так, Дэвид Линч снял Марион Котийяр в триллере про сумку Dior «Lady Blue Shanghai», Стивен Мейзел прорекламировал осеннюю коллекцию Lanvin, Ник Найт создавал ролики для Александра МакКуина, а Кеннет Энгер — для Missoni.

Увидеть своими глазами, как видеоарт взаимодействует с модой, можно в ТРЦ «Галерея» на фестивале Art of Fashion, который пройдет в Петербурге с 3 по 6 ноября. Организаторы обещают внушительные арт-декорации, интерактивные инсталляции в стиле поп-арт. Попасть на фестиваль можно бесплатно, — для этого нужно только зарегистрироваться.

Метки: одежда, искусство, мода, АЯТ, процесс создания нарядов
10:41 02.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Светильники из пластиковых бутылок от Вероники Рихтеровой

Чешская художница Вероника Рихтерова (Veronika Richterov?) выгодно использует практически не разрушаемую природу ПЭТ-бутылок. Обрезая, скручивая и нагревая пластиковые ёмкости от напитков, она формирует долговечные скульптуры, которые визуально похожи на стеклянные. Это сходство вдохновило её на серию ПЭТ-светильников, проект, состоящий из полностью функционирующих осветительных приборов в форме люстр и ламп.


Для защиты этих термочувствительных скульптур художница использует кабели и лампочки, которые нагреваются минимально. Несколько пластиковых люстр Рихтеровой включены в экспозицию художественной выставки Eden Unearthed, которая пройдёт в феврале 2018 года в Сиднее.












Метки: бутылки, светильники, мастерство, АЯТ, выдумка
13:13 18.10.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Беспредметная живопись.Художник Кандинский

Форма без содержания подобна не руке, но пустой перчатке, заполненной воздухом, утверждал Кандинский. Его «Композиция VI» — история о преодолении хаоса

001696-0.jpg
Нажмите для увеличения

Картина «Композиция VI»
Холст, масло 195×300 см
1913 год
Ныне хранится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге

К беспредметной живописи Василия Кандинского, как он сам рассказывал, привел случай. Однажды вечером в Мюнхене, вернувшись с пленэра в мастерскую, художник увидел там незнакомую «неописуемо прекрасную, пропитанную внутренним горением картину». «Сначала я поразился, но сейчас же скорым шагом приблизился к этой загадочной картине, совершенно непонятной по внешнему содержанию и состоявшей исключительно из красочных пятен. И ключ к загадке был найден: это была моя собственная картина, прислоненная к стене и стоявшая на боку...»

Беспредметная, однако, не значит безыдейная. В тревожной атмосфере накануне Первой мировой войны художник обращался к библейским сюжетам о конце мира. Замысел «Композиции VI» появился, когда он написал на стекле картину на тему Всемирного потопа — звери, люди, пальмы, ковчег и буйство водной стихии. То, что получилось, Кандинский решил доработать и превратить в большое полотно маслом. В «Композиции VI» не только изображения стали абстрактными, но и идея — более общей: обновление мира через разрушение. Кандинский пояснял: «Грандиозная, объективно совершающаяся катастрофа есть в то же время абсолютная и обладающая самостоятельным звучанием горячая хвалебная песнь, подобная гимну нового творения, которое следует за гибелью мира».

001696-1.jpg

1 Волны. Извилистые линии, в которые превратились воды, затапливающие мир, создают ощущение хаоса, разгула стихии.

001696-2.jpg

2 Розовое пятно. Это, как писал сам Кандинский, один из трех центров композиции — «нежный», «со слабыми, неопределенными линиями». На исходной картине на этом месте находился холм с женщиной и животным, пытающимися спастись. Розовый в понимании Кандинского — цвет телесности.

001696-3.jpg

3 Сине-красное пятно. Хаос на картине мнимый: продумывая композицию, художник уравновешивал основные элементы. Рядом с аморфным розовым — второй центр, по словам Кандинского, «грубый», «с резкими, отчасти недобрыми, сильными, очень точными линиями» и диссонансом холодного и теплого цветов.

001696-4.jpg

4 Бело-розовое пятно — центральный элемент картины. Живописец пояснял, что клубящиеся мазки должны создавать ощущение пространственной неопределенности. «Положением главного центра — „где-то“ — определяется внутреннее звучание всей картины», — писал художник.

001696-5.jpg

5 «Лодка». Образ лодки с похожими очертаниями неоднократно встречается на картинах Кандинского. Исследователь творчества художника Хайо Дюхтинг полагал, что это символ стремления вперед.

001696-6-1.jpg 001696-6-2.jpg

6 Параллельные линии. В них превратились струи дождя с исходной картины. Художник использовал противостояние горизонтальных и вертикальных линий, чтобы придать композиции драматичность.

001696-7.jpg

7 Розовые пятна. «Чтобы... скрыть слишком назойливо звучащий драматический элемент (надеть ему намордник), я позволил разыграться в картине целой фуге розовых пятен различных оттенков», — отмечал Кандинский.

001696-8.jpg

8 Коричневый. Как выразился художник, «глубокие коричневые формы... вносят уплотненную и абстрактно звучащую ноту, которая напоминает об элементе безнадежности». В трактате «О духовном в искусстве» он характеризовал коричневый цвет как «тупой, жесткий, мало склонный к движению», но при этом способный удачно сдерживать динамику остальных красок.

001696-9.jpg

9 Желтые и зеленые пятна, согласно комментарию к картине самого Кандинского, «оживляют это душевное состояние, придавая ему недостающую активность». Рассуждая о цветах, Кандинский описывал желтый как «типично земной» цвет и при этом самый яркий.

Художник
Василий Васильевич Кандинский

Метки: живопись, АЯТ, виды живописи, Кандинский
16:23 08.10.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Сиднейский оперный театр в Австралии

О самом известном сооружении Австралии – Сиднейском оперном театре, существуют довольно-таки противоречивые мнения. Одни считают его великолепным памятником застывшей мелодии. Других смущает удивительной формы крыша этого сооружения: кому-то она напоминает огромные раковины, кому-то – раздутые ветром паруса Галеона, кто-то ассоциирует их с ушами, прислушивающихся к пению ангелов, а ещё существует мнение, что театр Сиднея очень уж похож на выброшенного на сушу белого кита. Словом, сколько людей, столько и мнений, но ни у кого не вызывает сомнения факт, что оперный театр Сиднея является рукотворным символом Австралии

Символ застывшей музыки

Находится это удивительное здание в Сиднее, самом крупном городе Австралии, в гавани Беннелонг-Пойнт (на карте его можно отыскать по следующим координатам: 33° 51′ 24.51″ ю. ш., 151° 12′ 54.95″ в. д.).

Мировую известность оперный театр в Сиднее приобрёл прежде всего благодаря своей крыше, сделанной в форме расположенных друг за другом парусов (ракушек) разных размеров, которые делают его непохожим ни на один театр во всем мире.

Фасад оперы получился до того интересным, необычным, а потому – узнаваемым, что считается одним из наиболее выдающихся зданий современной архитектуры, которое вот уже несколько лет как занесено в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Творец этого уникального здания, Йорн Уотсон,

является единственным человеком в мире, чью работу эта организация признала ещё при его жизни (умер он через год после этого события, в 2008 году).

Оперный театр в Австралии прежде всего необычен тем, что в отличие от других сооружений подобного типа, выполненных в классическом стиле, являет собой яркий образец экспрессионизма, демонстрирующий новый взгляд на архитектуру.

Сиднейский оперный театр с трёх сторон окружен водой, а сам возведён на сваях.

Площадь театра огромная и составляет 22 тыс. м2: длина его – 185 м, ширина – 120 м, а в самом здании находится огромное количество помещений, среди которых несколько театральных залов, множество мелких студий и театральных помостов, а также рестораны, бары и магазины, где любой желающий может купить себе на память сувенир о посещении театра.

Основными помещениями являются четыре зала:

Концертный зал – самое большое помещение театра, способное вместить 2679 зрителей. Именно здесь установлен самый большой в мире орган: состоит он из 10 тыс. труб;

Оперный театр – в этом зале помещается 1507 зрителей, а на его сцене можно увидеть не только оперу, но и балет; Драматический театр – рассчитан на 544 человека; Малая драматическая сцена – рассчитана на 398 человек и считается самым уютным помещением оперы. Крыша из парусов Самой примечательной частью здания, благодаря которой театр оперы в Сиднее стал одним из наиболее интересных театров в мире, является его крыша, сделанная в форме расположенных друг за другом раковин или парусов. Кровля, высота которой составляет 67 м, а диаметр – 150 м, состоит более чем из 2 тыс. секций, а весит около 30 тонн.

Конструкция закреплена с помощью металлических тросов, общая протяжённость которых составляет 350 км. Две основные раковины находятся над двумя самыми большими залами оперы. Другие паруса расположены над меньшими помещениями, а под самым маленьким расположен один из ресторанов.

Сверху раковины механическим способом покрыты белыми полированными и кремовыми матовыми плитками, благодаря чему поверхность получилась абсолютно гладкой – эффект, которого вряд ли бы добились, укладывая её вручную.

Интересный факт:

несмотря на то что издали может показаться, будто кровля покрашена в белый цвет, в зависимости от освещения, она постоянно изменяет свой оттенок.

Такая структура кровли выглядит очень красиво и оригинально, но при строительстве из-за неравномерной высоты крыши, внутри здания возникли проблемы с акустикой, и чтобы решить недостаток пришлось отдельно сделать звукоотражающий потолок.

Для этого были изготовлены специальные желоба, способные исполнять одновременно практическую и эстетическую функции: отражать звук и привлекать внимание к аркам, расположенных над передней частью сцены (длина наибольшего желоба составляет около 42 метров).

Интересный факт:

возвести в Сиднее оперный театр была идеей британца сэра Юджина Гуссенса, который прибыл в Австралию в качестве дирижёра для записи концерта на радио.

Можно только представить себе его удивление, когда он обнаружил, что в Сиднее нет театра оперы.

В городе также отсутствовали сооружения, рассчитанные на большую аудиторию, в которых сиднейцы могли бы прийти послушать музыку.

Поэтому решение сделать всё для того, чтобы возвести театр, в котором зрители будут иметь возможность ознакомиться как с классическими, так и последними музыкальными произведениями, было им принято незамедлительно.

Он сразу занялся поисками подходящего места для строительства – им оказался скалистый мыс Беннелонг Пойнт, возле которого была расположена набережная, являющаяся ключевым узлом, поскольку местные жители с паромов пересаживались на поезда или автобусы. Подыскав подходящее место (здесь в то время находилось трамвайное депо, которое впоследствии снесли), Гуссенс провёл соответствующую кампанию и, заразив своей идеей немало влиятельных людей Сиднея, добился того, чтобы правительство разрешило строительство Оперного театра. Власти сразу же объявили международный конкурс на лучший проект. И тут дело застопорилось: у Гуссенса появились враги. После одной из международных поездок таможенники обнаружили предметы «черной мессы», оштрафовали, уволили с работы – и он вынужден был покинуть Австралию, несмотря на все уверения, что вещи ему не принадлежат.

Конкурс

На конкурс было прислано более двухсот работ со всех уголков планеты. Ещё одним важным моментом являлось то, что Гуссенс не только успел отобрать квалифицированную комиссию, но и дал характеристику конкурсного проекта. Проект должен был предусматривать два зала – один для более крупных, второй – для мелких постановок.

В здании обязательно должны были быть помещения, где можно было бы проводить репетиции, хранить реквизиты, а также отведено место для ресторанов. Задача усложнялась тем, что площадь, на которой планировалось возвести сооружение, имела довольно ограниченные размеры, поскольку с трёх сторон была окружена водой.

Поэтому большинство проектов было отклонено по одной простой причине: выглядели они слишком громоздко, а фасад здания – угнетающе. И только одна работа привлекла внимание членов жюри, заставляя их раз за разом возвращаться к проекту: на эскизе театры были поставлены вплотную друг к другу, проблема громоздкости оказалась снята благодаря акцентированию внимания на белой крыше в виде парусов, а декорации и театральные реквизиты автор предлагал хранить в специальных углублениях, решив, таким образом, проблему кулис. Автором работы оказался датчанин Йорн Уотсон (подобных оригинальных проектов у этого архитектора было много, но этот оказался одним из немногих, который был осуществлён). Несмотря на то что представленный им проект являлся эскизом, стоимость работ была оценена в 7 млн. австрал. Долларов, что являлось приемлемой ценой. Деньги на начало строительства были собраны при помощи лотереи.

Тогда как проект оказался одобрен, было очевидно, что над ним следует ещё хорошо поработать (некоторые вопросы не решены и поныне).

Основная проблема состояла в том, как сделать нестандартной формы крышу, тем более что подобного опыта в мире на данный момент не существовало. Этот вопрос Уотсон решил путём придания каждой раковине форму треугольника, собрав её для этого из меньших треугольников изогнутой формы, покрытых плиткой механическим способом при изготовлении. После этого паруса были установлены на бетонные нервюры (рёбра каркаса), расположенные по кругу – это дало возможность крыше получить законченный и гармоничный вид. Эта форма породила проблемы с акустикой зала, которую архитектору хоть и удалось впоследствии решить, но потянула она за собой немалые финансовые траты (например, поскольку новый свод оказался значительно тяжелее предыдущего, пришлось взрывать уже сделанный фундамент и начать возводить более крепкий и прочный).

Вместо предполагаемых 7 млн. австрал. дол. строительство обошлось в 102 миллиона. Строительство шло очень медленным темпом, что не могло не обратить на себя внимания местных депутатов и противников архитектора. Потрясающие 7 чудес света древнего мира 396955 А после того как партия лейбористов, поддерживающая строительство, потеряла поддержку населения и к власти пришла оппозиция, деньги, вырученные за лотерею, сначала заморозили (благо, предлог имелся), а потом и вовсе пустили на строительство дорог и больниц, заставив Уотсона в 1966 году бросить работу и покинуть Сидней навсегда.

После этого главным архитектором был назначен Холл, которому хоть и удалось окончить строительство в 1973 году, но по мнению многих специалистов, проводимые им работы значительно испортили вид здания, а интерьер оказался непримечательным (интересный факт, во время подготовки Олимпиады в Австралии в 2000 году, австралийцы предложили Уотсону вернуться и закончить работы над оперой, согласившись сделать всё, что он скажет, но тот отказался).

Вот так и получилось, что Сиднейский оперный театр, являющийся одной из самых великолепных построек нашего времени, которую упоминают наряду с Тадж-Махалом и другими чудесами света, внешне хоть и выглядит великолепно, но внутри ничем особым не отличается. Правда, это не помешало зданию взять участие в конкурсе на звание одного из семи чудес света и хоть и не войти в призёры, оказаться среди основных претендентов.


Метки: Австралия, театр, архитектура, АЯТ
12:34 05.10.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Культурное кино: топ-5 красивых фильмов об искусстве


Весь мир отмечает День культуры. В переводе с санскритского «культура» означает «почитание света». Основная задача праздника — широкий призыв к красоте и знанию.

Культура – важнейшая часть человеческой жизни. Миллионы лет люди творили и возводили уникальные памятники культуры. А благодаря искусству кинематографа, сегодня каждый из нас может увидеть эти великие произведения, не вставая с дивана.

Хотите прямо сейчас посмотреть самые красивые ленты о шедеврах мирового искусства и творчестве великих мастеров? В честь замечательного праздника мы подобрали лучшие документальные фильмы о выдающихся достижениях культуры.

Свет и тень. Загадка Караваджо (Италия, 2012)

Удивительно зрелищную картину о гениальном художнике сняли Ришар Бланшар и Марко Визальберги. История жизни итальянского мастера Караваджо полна тайн и загадок. Он подарил миру великие произведения искусства, но его постигла участь изгнанника. Художник, которого обвинили в убийстве, успел познать вкус успеха, оказаться в забвении и вновь достичь мирового признания.

Увлекательные биографии и истории созданий любимых фильмов читайте в разделе «Киномир».

При жизни Караваджо не раскрыл своих приемов, с помощью которых создавал свои революционные полотна. Современные историки, ученые и искусствоведы попытались заглянуть за завесу великой тайны света и тени работ художника. Как создавал композиции и первые наброски великий мастер? И какие тайны хранит мастерская гения?


Фото: Мудрац Александра,ТАСС

Главную роль в документальной картине исполнил Лука Лионелло. Итальянский актер знаком зрителям по фильму «Страсти Христовы» (2004), в котором он сыграл Иуду. За эту работу Лука был награжден «Серебряной лентой» Синдиката итальянских киножурналистов.

Эрмитаж: Путешествие во времени и пространстве (Россия, 2004)

Документальную ленту об одном из крупнейших музеев мира снял Владимир Птащенко. В 2005 году фильм стал номинантом на кинофестивале в Монреале FIFA. Кроме того, эту картину приобрел Монреальский музей Изящных искусств. А губернатор Санкт-Петербурга назвал работу режиссера лучшим презентационным фильмом 2005 году.

Эрмитаж – это место, где история русского искусства сливается с мировой культурой. Здесь собраны великие произведения талантливых художников. Бесконечные коридоры музея открывают посетителям новые и уникальные творения мастеров. Кто же построил эту обитель культуры? Как пополнялась коллекция Эрмитажа неповторимыми шедеврами?

Музыкальным сопровождением ленты стали записи российского камерного оркестра «Санкт-Петербург Камерата». В 1997 году оркестр стал базовым коллективом Эрмитажной Академии музыки.

Банки Салливана (Германия, 2000)

Идея создания картины о творениях знаменитого архитектора принадлежит Хайнцу Эмигхольцу. Как и во всех работах режиссера, в этой ленте нет ни музыкального сопровождения, ни закадрового текста. Фильм органично дополняют естественные звуки шумного города. Хайнц передает в кадре неповторимую красоту зданий, стараясь как можно полнее раскрыть публике самые сложные задумки архитектора.

Свой документальный фильм режиссер посвятил Луису Генри Салливану. Известного американского архитектора называют «отцом модернизма». Именно он возвел один из первых небоскребов и произнес знаменитую фразу: «форму в архитектуре рождает функция». В ленте зрители могут увидеть восемь уникальных строений, которые стали разными банковскими учреждениями. Эти здания стали последними детищами талантливого архитектора, созданными на закате его карьеры.

Как Луису Генри Салливану удалось превратить обычные банковские постройки в произведения искусства? И что пытался донести автор людям своими росписями на стенах? Посмотрите, как на ваших экранах разворачивается настоящая революция в истории архитектуры.

Бомба (США, 2007)

Создателем фильма о самом противоречивом виде современного искусства выступил Джон Рейсс. Чтобы снять картину об уличных граффити, режиссер встречался с молодыми художниками, работающими в этом жанре. Джон также использовал в своей ленте кадры скрытой видеосъемки, которые отражают, в каких условиях приходится порой работать талантливым творцам.

Граффити – один из самых скандальных видов арт-направлений. Художники без колебаний разрушают границы между улицами и выставочными залами. Их работы – достояние общественности, они доступны каждому похожему. Десятки уличных райтеров готовы рассказать всему миру о своем увлечении и о том, как им удается преображать дворы в неповторимые живописные шедевры.

Как искусство наскальной живописи первобытных предков превратилось в новое направление граффити? Что может объединить творцов всех рас и представителей всех этнических групп? Почему скандальное движение так стремительно набирает популярность сегодня? На эти и многие другие вопросы вы узнаете ответы из первых уст.

Пепел и снег (США, 2005)

Фильм канадского художника Грегори Кольбера – сам по себе является произведением киноискусства. Необычная выставка-инсталляция собрала уникальные фотографии и видеокадры. Работа Кольбера раскрывает общее стремление человека и животного к прекрасному. Лента снята в жанре документальный арт и является одним из величайших произведений человеческого гения.

Ради создания этой картины художник более 14 лет провел в экспедициях по Африке, Индии, Египту и Антарктике. Автор показал зрителям свыше 50 монументальных фотографий и три киноинсталляции. Для фильма Кольбер использовал энкаустический метод – перенос восковых красок на японскую бумагу ручной работы.

Удивительно, но ни в одном кадре режиссер не использует фотоколлаж или наложение одного снимка на другой. Киты, слоны, ламантины и другие животные органично смотрятся вместе с аборигенами, представителями племен из разных концов света. Картина «Пепел и снег» — уникальная возможность увидеть самые удаленные уголки нашей планеты, послушать голоса животных и стать свидетелем того, как мир людей сливается в единое целое с природой.

Метки: кино, фильмы, искусство, АЯТ
16:47 22.09.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Необычные формы современного искусства

Современные художники порой используют очень необычные способы



Спасибо, объявление скрыто.
© www.goodmood-gm.com
© www.goodmood-gm.com

Искусство существует почти так же долго, как и люди. Но древние художники, занимающиеся наскальной живописью, вряд ли могли себе представить, какие странные формы может принимать искусство современное.

1. Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

© blog.thomasjquinn.com
© blog.thomasjquinn.com
© blog.thomasjquinn.com
© www.rebloggy.com
© www.rebloggy.com
© www.rebloggy.com
© www.rebloggy.com
© www.josephegan.co.uk
© www.josephegan.co.uk
© www.josephegan.co.uk
© www.josephegan.co.uk

2. Фотореализм

© Richard Estes
© Richard Estes

Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».

© Richard Estes
© Richard Estes

Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.

© Richard Estes
© Richard Estes

К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.

© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Chuck Close
© Chuck Close
© Chuck Close
© Chuck Close
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson

Метки: современное искусство, АЯТ
23:05 21.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Под "Моной Лизой" нашли скрытый портрет

Французский ученый Паскаль Конте утверждает, что картина Леонардо да Винчи "Мона Лиза" имеет несколько слоев, и под общеизвестным портретом он нашел изображение настоящей Лизы Герардини.

Под «Моной Лизой» нашли скрытый портрет



Как сообщает BBC News, сотрудники Лувра, где хранится картина, пока отказываются комментировать заявление исследователя. Паскаль Конте более десяти лет занимается изучением "Моны Лизы" при помощи изобретенного им "метода усиления слоев". "Технология позволяет нам видеть то, что находится под слоями краски, и "чистить" картину, как луковицу. Мы также можем восстановить хронологию создания картины", — сказал Конте.

Портрет, находящийся под внешним слоем "Моны Лизы", изображает другую женщину, смотрящую немного вбок и без знаменитой улыбки Джоконды. Профессор истории искусства Оксфордского университета Мартин Кемп оспорил утверждение Конте о том, что скрытый портрет — это и есть подлинное изображение Лизы Герардини.

Другой британский историк искусства, Эндрю Грэхэм-Диксон поддержал французского исследователя. "Несомненно, это одно из величайших открытий века. Конечно, многие будут возражать и сопротивляться, ведь название картины придется поменять. Мы говорим: "до свидания, Мона Лиза", это портрет кого-то другого", — заявил историк.

По словам Конте, под скрытым портретом он видит как минимум еще два слоя изображения: контур женского портрета с более крупной головой и руками и картину, на которой различима женщина в перламутровом головном уборе.

Полное название "Моны Лизы", или "Джоконды" — "Портрет госпожи Лизы Джокондо". Картина написана Леонардо да Винчи в 1503-1505 годах. Принято считать, что на полотне изображена супруга торговца шелком из Флоренции Лиза Герардини. Этот портрет — одно из самых известных произведений итальянского живописца и ученого.

Метки: искусство, Мона Лиза, Гипотеза, АЯТ
14:56 18.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Одна русская муза для Матисса

Две русские женщины потрясли творческую историю Анри Матисса. Про Лидию Делекторскую знают все, потому что она оставалась с Матиссом до самой смерти. Про нее писали много, да и она сама выпустила про Матисса книжку. А вот про Елену Голицину все уже почти забыли, хотя Матисс работал с ней почти десять лет и и "голицинские" картины вошли в число лучших матиссовских полотен.
Матисс любил писать Елену в разных костюмах. В 30х годах художник увлекался яркими одеждами, даже специально ходил на распродажи за покупками, а у него в мастерской отдельная комната была отведена под костюмерную.
Брюнетке Елене как нельзя лучше подходила полоска.
Поэтому Матисс часто наряжал ее в полосатые восточные халаты.
Потому что полоска как бы отражала графичность ее лица.
Полоска это и лаконичный способ передать объем.
Еще Матисс писал Елену и в других экзотических нарядах,
https://img-fotki.yandex.ru/get/124786/380622830.f/0_15476e_5ebf0576_orig.jpg и в платьях от знаменитых кутюрье. +
https://img-fotki.yandex.ru/get/102548/380622830.e/0_154762_5ce88ec7_orig.jpg Но только в своих эскизах художник отразил молодость своей модели (Елена стала позировать Матиссу в 18 лет).
https://img-fotki.yandex.ru/get/128901/380622830.e/0_154760_20d79dab_orig.jpg Фотографий Елены в сети немного.
https://img-fotki.yandex.ru/get/169451/380622830.f/0_15476f_d650996d_L.png Недавно на аукционе Сотби'с портрет Елены был продан примерно за 10 млн евро.
https://img-fotki.yandex.ru/get/194778/380622830.e/0_154759_d8598f5e_orig.jpg + Елена служила моделью и для патриотической картины "Королевский табак". Полотно написано в 1943 г. во время войны, в приглушенной контрастной гамме с диссонансными нотами, передающей напряженность этого тяжелого времени. Основные цвета — это французский триколор. И для нас, русских, лестно, что именно Елена изображена в белом.
https://img-fotki.yandex.ru/get/28256/380622830.e/0_154761_1e4a6867_orig.jpg Елена Голицина запечатлена и на одной из самых знаменитых шедевров Матисса, "Читающая женщина на черном фоне" (1939).
https://img-fotki.yandex.ru/get/142729/380622830.e/0_154763_2a4faa36_orig.jpg В ней интересен прием, которым создается эффект объемности изображения при том, что здесь используются несмешанные цвета, рактически без оттенков.
https://img-fotki.yandex.ru/get/169451/380622830.e/0_154755_4e3a0a69_orig.jpg Елену Голитцыну к Матиссу привела Делекторская. Вот она на этой картине, написанной за несколько дней до предыдущей.
https://img-fotki.yandex.ru/get/110545/380622830.e/0_15476a_456c23be_orig.jpg Художник часто просил Лидию и Елену позировать вместе – ему нравился контраст, который создавался между светло-русой Лидией и совсем непохожей на неё темноволосой Еленой Голицыной. "Девушки в желтом и в платье арлекин".
https://img-fotki.yandex.ru/get/166616/380622830.f/0_154844_801be1e6_orig.jpg "Девушки в желтом и в платье из шотландки ".
https://img-fotki.yandex.ru/get/169451/380622830.e/0_154764_6e404db2_orig.jpg Неоспоримым шедевром этого модельного дуэта является монументальная в своей лаконичности картина "Музыка" (1939). Именно во время работы над "Музыкой", Матисс признал, что его модели влияют на его творческий процесс, и здесь его привлекало не столько изображение самих моделей, сколько их особенности"..
https://img-fotki.yandex.ru/get/198569/380622830.e/0_154757_fa6cf0cd_orig.jpg Недавно на аукционе в Монако за 4 млн евро ушел еще один парный портрет русских муз Матисса, "Две девушки и собака".
Узнаете, где здесь Лида, а где Лена??

Метки: АЯТ, Матисс, муза художника
13:28 18.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Я ВЫСТЕЛЮ ТЕБЕ ДОРОГУ В ОСЕНЬ...

Анри Жан Гийом Мартэн
Я выстелю тебе дорогу в Осень,
Багряною и жёлтою листвою,
И в небо синее слегка добавлю проседь
, И птиц на юг пущу над головою.
Знакомая, не правда ли, картина?
Такие дни сейчас нас окружают,
А мы с тобой ещё не понимаем,
Что значит — в воздухе летает паутина.
И даже песни стали мелодичней,
И пробивает на слезу опять невольно
, Всё хорошо, и даже всё отлично,
Но отчего-то сердцу снова больно...
Как будто жизнь уходит постепенно,
И... даже не "как будто" — так и есть,
В плену у Осени воспоминанья тленны,
И это — лету за беспечность месть.
И листик золотой на тёмной луже,
Какой контраст! И золото и грязь!
Миг праздника — и ты уже не нужен,
И так уходишь, даже не простясь...
Я покажу тебе дорогу в Осень.
В ней — целый мир! Не бойся, покорись.
Ведь даже в проседи порой мелькает просинь,
И сквозь дожди — мы продолжаем жизнь.
(Оксана Панкова)
***
***
***
***
***
***
Метки: осень, стихи, живопись, искусство, картины, АЯТ
05:36 17.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Ах, эта дамская шляпка...

Mariano Alonso Peréz Перья, цветы, кружева, широкие поля и атласные ленты – каждая шляпка неповторима в своем очаровании! Henri Gervex
Посещение шляпного салона всегда было событием для модниц. Fritz Schnitzler "Vor dem Hutladen"
А примерка шляп напоминала театральное действо — спина выпрямлялась.... Albert Rosenthal "The Milliner's Shop"
Движения рук приобретали грациозность... Jean-Louis Forain "The Milliner’s Shop"
А взгляд становился надменно – загадочным.... John LaGatta
Victor Tischler "Der neue Hut?"
Neysa Moran Mcmein
Marie Louise Catherine Breslau "Les Modistes"
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas

Метки: искусство, ШЛЯПЫ, АЯТ
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Ирина Кравец
Войти
facebook.com
Присоединяйтесь к нам, и
узнавайте самые интересные новости мира и вдохновляйтесь каждый день!
Спасибо, но больше не показывайте мне это окно!