Мне подарили

09:31 11.12.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Особняк барона Штиглица на Английской набережной в акварелях Луиджи Премацци

Александр Любимович (Людвигович) Штиглиц был одним из самых успешных российских коммерсантов XIX века. Оценить роскошь его особняка можно по сохранившимся акварелям, написанным итальянским художником Луиджи Премацци.


Барон Штиглиц, помимо титула, от своего отца унаследовал огромное состояние торгового дома «Барон Штиглиц и К», в том числе фабрики и мануфактуры, 18 миллионов рублей и долю придворного банкира — поскольку кредиты казны и многие торговые операции государственного значения были гарантированы только одним залогом — именем Штиглицев.

В соответствии со своим высоким статусом наследник решил, что ему нужен подходящий особняк. Было решено выстроить его на Английской набережной на месте двух прежних домов. Архитектор А. И. Кракау получил неограниченную свободу в фантазии и средствах.

Особняк барона А. Л. Штиглица на Английской набережной в Санкт-Петербурге

Штиглиц поселился в своём доме на Английской набережной (ныне дом 68) сразу после окончания отделки помещений, в 1862 году. Своих детей у банкира не было и он удочерил девочку, предположительно внебрачную дочь великого князя Михаила Павловича, — Надежду Михайловну Июневу.

Спустя пять лет после окончания строительных работ, барон Штиглиц пригласил итальянского художника Луиджи Премацци, чтобы тот запечатлел все величие его дворца.

Живописец прекрасно отобразил каждую комнату в акварельных картинах. Всего получилось 17 акварелей, заключенных в кожаный альбом. На сегодняшний день рисунки Премацци хранятся в Эрмитаже.

После смерти отца в 1884 году Надежда унаследовала особняк на Английской набережной, а спустя три года продала его великому князю Павлу Александровичу. Особняк несколько лет простоял пустым, т. к. его стоимость в три миллиона рублей была далеко не каждому по карману.

Спустя три года его купила царская семья в качестве свадебного подарка князя Павла Александровича и принцессы Греческой Александры Георгиевны. С того момента это здание стали именовать Ново-Павловский дворец. Новый владелец принялся переделывать интерьеры на свой вкус, что, по мнению некоторых специалистов, разрушило их целостность.

В 1918 году Павел Александрович был расстрелян. Дворец был национализирован. В нём размещались поначалу детский дом, а потом конструкторское судостроительное бюро со штатом 1500 человек. Год от года здание ветшало.

Первая реставрация Ново-Павловского дворца планировалась еще в 1988 году. Тогда была проведена масштабная работа с архивами, но работа по восстановлению прекратилась. В 1990-х владельцем здания являлась компания «Лукойл», но и тогда за его реставрацию никто не взялся. И только несколько лет назад началось восстановление старинного архитектурного наследия города, и на конец 2017 года запланировано завершение работ.

Каким будет результат – неизвестно, а пока благодаря акварелям художника Луиджи Премацци мы можем заглянуть в особняк управляющего Государственным банком Российской империи барона Штиглица на Английской набережной в Санкт-Петербурге.


Обеденный зал, 1869 год


Библиотека, 1870 год


Голубая гостиная, 1870 год


Белая гостиная, 1870 год


Золотая гостиная, 1870 год


Гостиная, 1870 год


Главный кабинет, 1869 год

Метки: искусство, АЯТ, акварели, Луиджи Премацци
13:24 04.12.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Как устроены современные художественные музеи?

Музеи — это все еще места, где собирают искусство?

Не совсем. Это раньше главных задач у музея было только две: собирать искусство и сохранять его для будущих поколений. Сегодня же большую роль стала играть презентация искусства публике. Если сто лет назад люди просто приходили в музей смотреть на диковинки и необычные вещицы, то сегодня они приходят, чтобы узнать истории, скрытые за произведениями искусства. Музеи превращаются в мультимедийные центры и просветительские клубы.

.

Зачем они меняются?

Потому что меняется время и запросы публики. Если музеи будут оставаться прежними, то они потеряют аудиторию. Раньше экспозиции музея могли оставаться неизменными несколько лет, а теперь выставки сменяются чуть ли не каждую неделю. Обычно самое интересное и происходит на временных выставках, которые придумывают кураторы. Например, они могут выстроить нарратив вокруг определенной темы, сочетая разные виды искусств: живопись, фото, видео, перформансы и инсталляции из чего угодно (начиная от мусора, заканчивая настоящими акулами). Причем регулярно появляются новые направления — ведь суть современного искусства в постоянном поиске новых форм.

Кураторы выставки «Современный Катар: искусство и фотография»в Петербурге выбрали более 100 картин, скульптур и инсталляций и 350 фотографий из коллекций Музеев Катара — современных и исторических. Они исследовали взгляды художников на 20 лет истории Ближнего Востока, а еще — кросс-культурные связи России и восточных стран с остальным миром.
.

Что за новые направления такие?

Все их едва ли можно перечислить. Например, бывает оп-арт (здесь художники работают с оптическими иллюзиями) и сайнс-арт, где объектами современного искусства становятся научные исследования. А еще в последние годы активно развивается медиаискусство — такое искусство создается с помощью компьютерной графики, нейросетей, робототехники и даже программных ботов. На интерактивных выставках для демонстрации произведений используются очки виртуальной реальности, проекторы, датчики и другие технологии. Например, в прошлом году канадский режиссер Робер Лепаж привозил в Москву инсталляцию «Ночь в библиотеке» — десять 360-градусных видео позволяли зрителям совершить виртуальную прогулку по самым красивым библиотекам мира. А еще недавно аукцион Christieʼs впервые выставил картину, созданную искусственным интеллектом.

В выставочном пространстве «Аль Ривак» в Дохе была интерактивная экспозиция акварелей польского купца и путешественника Бартоломея Шахмана и «оживших» миниатюр по мотивам его зарисовок. Этот путевой альбом показывает историю отношений между Европой и Османской империей в XVI—XVII веках. Кураторы выставки хотели донести идею о том, что путешествия могут стать ключом к взаимопониманию между религиями, нациями и культурами.
.

Вы упоминаете кураторов. А они тоже недавно появились?

Нет, эта профессия существует давно. Считается, что первым куратором был Харальд Зееман — в конце 1960-х он превратилбернский музей в огромную мастерскую и перенес внимание зрителей с произведений искусства на процесс их создания. Сегодня роль куратора возросла, а некоторые кураторы (например, Виктор Мизиано или Ханс-Ульрих Обрист) не менее известны, чем популярные современные художники. Кураторы теперь не просто придумывают интересную тему выставки и подбирают работы, но и проводят серьезные исследования, становятся антропологами и социологами. Еще вместо кураторов в музеях появляются конвинеры. Это люди, которые собирают разнообразный состав участников выставки. В итоге в команду могут попасть художники, дизайнеры, философы, кураторы, публичные интеллектуалы — все вместе они подготовят экспозицию в музее, организуют пространство для обсуждения и взаимодействия со зрителем, проведут презентации и публичные дискуссии. А еще в музее есть медиаторы.

.

Кто такие медиаторы?

Медиаторы — это посредники между выставочным пространством и посетителями, которые задают наводящие вопросы и помогают сформировать личное впечатление о произведениях. Медиаторы приходят на смену традиционным экскурсоводам, которые читают стандартные заученные объяснения и факты. Но экскурсии тоже никуда не делись, они тоже стали нестандартными — бывают в виде квестов, интеллектуальных викторин или мастер-классов.

В некоторых музеях об искусстве можно расспросить не только гидов или медиаторов, но и самих художников. В арт-резиденцииМузеев Катара — в здании бывшей пожарной станции в Дохе — расположены 20 студий, где работают художники со всего мира по несколько месяцев в году. Они сами рассказывают посетителям выставок о своих произведениях.
.

Окей, но по сути современные музеи — это все те же стены, увешанные картинами?

Не всегда. Конечно, современные музеи имеют четкую структуру — это залы и коридоры, но от выставки к выставке в них что-то понемногу меняется. Организаторы выставки по-новому обустраивают музейное пространство, чтобы оно согласовывалось с идеей и историей вокруг выставки. Например, узкий извилистый коридор, выстроенный посредине зала, может создавать ощущение того, что вы находитесь в советской коммуналке. Некоторые произведения требуют открытого пространства, поэтому их выставляют за пределами музейных стен. Это называется паблик-артом — искусство представляют прямо на улицах, площадях и вокзалах. И вообще в современные музеи приходят не всегда за искусством.

Музеи Катара тоже развивают направление паблик-арта, и, гуляя по Дохе, можно познакомиться с работами Дэмиена Херста, Ричарда Серры и Луиз Буржуа.
.

Если в музей приходят не за искусством, то тогда зачем?

Чтобы приятно провести время. Раньше визит в музей означал, что вы целый день будете бродить по залам, без воды, еды и места, где можно присесть. Современные музеи стали ближе к людям — поход туда можно сравнить с посещением кино или театра. У многих музеев есть свои библиотеки и книжные магазины, кафе и кинозалы. Также в последнее время музеи стали заниматься просветительской деятельностью — там проводят конференции, лекции и открытые столы. А еще иногда здания музеев просто интересно разглядывать — они сами по себе арт-объект.

.

Это как?

К музейной архитектуре всегда было особенное отношение (она наследует архитектуре дворцов и храмов), а многие художественные музеи построены известными архитекторами. Например, 20 лет назад фурор произвело здание Музея Гуггенхайма в Бильбао — эффектную постройку в стиле деконструктивизма придумал известный архитектор Фрэнк Гери. Сегодня по его проекту строят арт-центр Luma Arles — не менее впечатляющее асимметричное металлическое здание. А еще архитекторы проектируют арт-пространства, которые могут буквально менять форму и в разное время становиться выставочными или концертными площадками, театральными залами и местом проведения вечеринок.

Музей исламского искусства в Катаре построил Йео Мин Пей, создатель стеклянной пирамиды Лувра. В следующем году в Катаре откроется Национальный музей. Здание для него спроектировал Жан Нувель, построивший Лувр в Абу-Даби. Французский архитектор вдохновлялся образом «розы пустыни», — его проект состоит из пересекающихся изогнутых дисков.
.

А в интернете на все это можно посмотреть?

У большинства музеев есть сайты, также появляется все больше мобильных приложений, интерактивных гидов, YouTube-каналов и виртуальных туров по музеям. Самый крупный проект, объединяющий сотни экспозиций, — это Google Arts & Culture.

Метки: искусство, музеи, АЯТ
16:01 07.11.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Юрий Львов

Я свяжу судьбу из листьев желтых,
Солнца луч вплету в основу.
Одолжу я спелых ягод у рябины,
И пущу каймой их по подолу.

Из цветов душистой розы
Ветерок венок сплетает.
И калины красной кисти
Бусами на шею надевает.

Туманом ночным печали развею,
Утром умоюсь алой зарей.
Спицами невзгоды одолею,
День вплетая с радужной мечтой.

✒Екатерина Водомесова
#Художник Юрий Лысов
Юрий Лысов родился в 1961 году в г. Ленинск-Кузнецкий Кемеровской области.С 1978 года проживает в г. Ульяновске.Первые практические упражнения и основы теории искусства получил от отца.В настоящее время является членом Общественной организации Ульяновское объединение художников "Радуга".
Член Профессионального союза художников России.В своем творчестве старается максимально реалистично передать всю красоту нашей природы.Работая в различных жанрах,постоянно стремится постичь многовековые традиции и широчайшие возможности масляной живописи.
Фотография

Метки: осень, стихи, искусство, картина, АЯТ
11:38 24.10.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Античные ягодицы

Как-то в процессе разговора про музеи зашел разговор что у женских античных статуй попа всегда плоская, а у мужских накачанная и выпуклая.


.



И у более ранних мужских статуй ягодицы круглые.




И в Возрождении.




А женские попы плосковатые на современный вкус.




Вообще, качать женские задницы — это современная тема. Началось всё, мне кажется, с моды на фитнес в 80-е, а сейчас вообще уже рассматривается как что-то обязательное для современной модной чики)))




И вот сейчас уже кажется, что выпуклая попа, это норма, а оказывается тысячелетиями, да что там, даже в течении 20 века, никто об этом не задумывался.



Даже наоборот, была такая негативная характеристика внешности, как откляченный зад.

И вне зависимости от степени выпуклости ягодиц у женщин существуют 4 формы таза. Почитайте, если еще не читали. Пост о формах женского таза в соо."Женский день"

Метки: искусство, скульптура, АЯТ, современность, античность
16:03 23.10.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Владимир Ленин в произведениях Сальвадора Дали А также других западных мастеров 20-21 веков

Понятно, что у Ленина огромная иконография. Нам больше всего знакома классическая, воспевающая вождя средствами соцреализма. После развала СССР появилось большое количество произведений современных российских художников, тоже посвященных Ленину, только они весьма ёрнические ("Ленин Кока-Кола", "Ленин Микки-Маус"). Их надо отдельно смотреть, там интонации любопытные.

А вот этот пласт ленинианы самый интересный, на мой взгляд. Это работы западных, в первую очередь, американских художников. Для них Ленин обычно — это харизматичный чувак, типа Че Гевары. Ничего более. Тем интересней глядеть, что у них получилось, потому что над его образом они не изгаляются (в отличие от современных российских авторов), а просто его трактуют, своим западным, соврисковым языком.
.
САЛЬВАДОР ДАЛИ

Будучи женатым на русской эмигрантке, он разумеется, имел свое представление о Ленине, более глубокое, чем у американцев

Salvador Dali and Marx, Engels, Lenin, Stalin and Malenkov 1954. photo by Philippe Halsman


Частичное помрачение. Шесть явлений Ленина на рояле, 1931 (Partial Hallucination Six Apparitions of Lenin on a Piano)

Dali. Partial Hallucination Six Apparitions of Lenin on a Piano Частичное помрачение. Шесть явлений Ленина на рояле (1931).jpg

Фрагмент крупно (сорри, с водяными знаками)

Dali. Частичное помрачение. Шесть явлений Ленина на рояле (1931). 2.jpg

Ленин и змея, ок. 1942
Salvador Dalí Lénine au serpent, Circa 1942.Jpeg

Ленин-тигр. 1963
Salvador Dali-Lenin Tiger 1963..jpg

О. Луис Гуглиельми
(американский художник-сюрреалист)

Феникс (Портрет в пустыне, Ленин),1935
Osvaldo Louis Guglielmi - Phoenix (Portrait in the Desert; Lenin),1935..jpg

Про Диего Риверу не надо писать в комментарии, про него отдельно было тут у меня, ну и все знают, как он Ленина рисовал, это скучно.

Larry Rivers
Методами дада-коллажа предтеча поп-арта делает вот так. У него эта композиция в разных цветах и вариантах встречается, техника шелкографии

Ленин с галстуком, 1973
Larry Rivers. Lenin with tie 1973.JPG

(кто-нибудь знает, какого черта сайт artnet заблокирован билайном? чем им результаты аукционов не угодили?)

ну, потом случился
ЭНДИ УОРХОЛ

и как бороной прошелся по массовому сознанию художников насчет того, как надо изображать знаменитых людей. В большинстве случаев они будут, как вы увидите, продолжать его традицию — которую Уорхол, как мы видели выше, тоже не сам изобрел. Хоть и отшлифовал.

Ленина Уорхол изображал своим любимым методом печати — шелкографии, используя одну и ту же фотографию относительно молодого Ленина. Встречается варианты во всех цветах радуги, выбирайте, что вам больше нравится. Я лишь несколько взяла.

1987
ANDY WARHOL. Lenin. 1987.jpg
Red Lenin
ANDY WARHOL. Red Lenin.jpg

Warhal Lenin. 1987.Jpeg

БЭНКСИ

Lenin on Skates (Who Put the Revolution on Ice?), 2002
Banksy. Lenin on Skates (Who Put the Revolution on Ice7), 2002.JpegBanksy. Lenin on Rollerskates, 2003.Jpeg


Фейри Шепард
(вы наверняка видели его Обаму HOPE в голубоватых цветах)

Он прям Ленина очень любит и постоянно изображает, как и других "тиранов" типа Мао, Сталина и т.п.

1997
Shepard Fairey 1997.jpg

Vladimir Lenin Has A Posse — Obey Andre the Giant
Shepard Fairey Vladimir Lenin Has A Posse - Obey Andre the Giant.jpg

Shepard Fairey Stalin+Lenin Banner.jpg

Со временем техника усложняется, начинает сильно мельчить

2005
Shepard Fairey. Lenine. 2005.Jpeg

Вот эти две из серии типа "почтовых марок" и купюр

LENIN MONEY, 2003
Shepard Fairey LENIN MONEY, 2003.jpg

Lenin stamp 2000
Shepard Fairey 2000.jpg

На этом фоне однообразного поп-арта прямо сияет этот творческий дуэт со своим подходом.

Метки: искусство, АЯТ, образ Ленина в изобразительном искусстве
22:25 12.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Книга "Ключевые моменты в искусстве"

В августе в издательстве AdMarginem выходит книга «Ключевые моменты в искусстве». Ее автор Ли Чешир — старший редактор издательского отдела лондонской галереи Тейт. В каждой главе он коротко рассказывает о каком-либо поворотном моменте в истории искусства — от Позднего средневековья до наших дней. Это и истории из частной жизни художников, повлиявшие на их дальнейшее творчество, и общественно-политические события, изменившие подход к искусству и способ его восприятия.

.

Караваджо убивает человека

28 мая 1606. Рим

Художник: Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610), Италия

Микеланджело Меризи да Караваджо. «Давид с головой Голиафа». Около 1610

В начале 1600-х годов Караваджо, едва достигший тридцати лет, был самым знаменитым живописцем Рима, создавшим поразительно реалистические и драматичные полотна по заказу самых могущественных и влиятельных клиентов. Он довел до совершенства технику кьяроскуро — использование выразительных контрастов света и тени: фигуры на его картинах выхватываются из темного фона яркими вспышками света.

Личность Караваджо не менее темна и драматична, чем его искусство. Один из современников писал: «Поработав две недели, затем он месяц-другой расхаживал по городу с самодовольным видом в сопровождении слуги и при оружии; так он ходил от одной компании, играющей в мяч, к другой, всегда готовый вступить в ссору или потасовку, и поладить с ним было нелегко».

Караваджо регулярно попадал в неприятности, будучи застигнут в уличной драке или с оружием, которое носил, не имея на то позволения. Узнав, что его домохозяйка подала на него в суд за то, что он проделал дыру в потолке своей комнаты, он вместе с друзьями пришел к ее окнам и начал швырять в них камни. Некоторые утверждали, что его вспыльчивость вызвана отравлением парами красок, которыми он писал. До поры до времени Караваджо удавалось выпутываться из любых историй, пользуясь поддержкой знатных покровителей, пока 28 мая 1606 года, ввязавшись в драку на ножах, он не убил молодого человека по имени Рануччо Томассони. Детали этой истории неизвестны; по предположению историка искусства Эндрю Грэма-Диксона, Томассони вызвал Караваджо на дуэль в ответ на оскорбление. Художник нанес своему противнику смертельную рану и под угрозой смертной казни бежал из Рима.

Однако нелегальное положение не остановило его карьеру. Сначала он отправился в Неаполь, где создал несколько крупных произведений, а затем уплыл на Мальту. Военно-религиозный орден мальтийских рыцарей принял его с почетом, но после очередной драки ему вновь пришлось задуматься о побеге.

В 1610 году, после неудачного покушения на самого Караваджо, его покровители начали вести с папой Павлом V переговоры о помиловании, и он уже готовился к возвращению в Рим. Этому плану помешала внезапная смерть художника при неясных обстоятельствах в возрасте тридцати восьми лет.

Несмотря на огромную славу, которую Караваджо снискал при жизни, его скандальная репутация привела к тому, что Аннибале Карраччи, его соперник на живописном поприще, оказал гораздо большее влияние на следующее поколение художников. Если Караваджо был скрытным и нелюдимым, то Карраччи имел множество учеников. Впрочем, по мере того как вести о достижениях мастера кьяроскуро распространились по Европе, его авторитет возрос, и во многих странах возникли школы караваджистов. По словам историка искусства Бернарда Беренсона, «ни один итальянский художник, за исключением Микеланджело, не оказал такого воздействия на последующую живопись, как Караваджо»

Метки: АЯТ, отрывок, книга об искусстве
19:20 10.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция.

Родился в Гренобле. Окончил университет в Оттаве (Канада) и вернулся во Францию, получил степень в пластических искусствах в Марселе. Стал студентом факультета изящных искусств в Париже, затем учителем рисования ос 1974 по 1976 г.
Уже с 1972 года его работы регулярно показывали в галереях и принимали участие в многочисленных выставках. С 1990 года проходят персональные выставки в галереях по всему миру
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ...
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ... - 2
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ... - 3
Необыкновенные скульптуры Этьена Пирота , 1952,Франция . Родился в Гренобле. Окончил университет в ... - 4
.
Метки: искусство, скульптура, АЯТ
12:10 05.08.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

.ЛУЧШЕ ОДИН РАЗ УВИДЕТЬ: 10 ПРОИЗВЕДЕНИЙ ИСКУССТВА

Дэвид Хокни. «Гранд-каньон» (Национальная галерея, Канберра, Австралия)

nintchdbpict000001465097.jpg
Дэвид Хокни и его «Гранд-каньон»

Дэвид Хокни — один из самых влиятельных современных британских художников и признанный классик поп-арта. Многие его работы гигантских размеров составлены из нескольких холстов — их может быть от 6 до 60. По словам художника, он создает такие «сборные» работы, чтобы зритель мог «войти в пейзаж, ощутить себя внутри него». Работа 1988 года «Гранд-каньон» состоит из 60 холстов. Масштаб картины, ее пламенеющая палитра и четкие контуры обеспечивают тот самый эффект присутствия, к которому стремился художник.

Марк Шагал. Плафон Парижской национальной оперы (Париж, Франция)

3388155.jpg

Наполеон III заказал постройку здания оперы в 1861 году, в рамках большой реконструкции города под руководством барона Османа. На исполнение заказа у архитектора Шарля Гарнье ушло 15 лет. Опера быстро стала важной точкой на городской карте. В 1963 году министр культуры Франции Андре Мальро заказал 77-летнему Марку Шагалу роспись плафона здания. Работа, выполненная в парижской студии художника, заняла 8 месяцев и потребовала почти 200 килограмм краски.

Это одна из самых масштабных работ Шагала: площадь плафона — более 240 квадратных метров. Плафон был разделен художником на пять цветовых секторов: белый, синий, желтый, красный и зеленый. В росписи прослеживались основные мотивы творчества Шагала — музыканты, танцоры, влюбленные, ангелы и животные. Каждый из пяти секторов содержал сюжет одной или двух классических опер или балета, а также изображения парижских архитектурных достопримечательностей.

Густав Климт. «Портрет Адели Блох-Бауэр I» (Новая галерея, Нью-Йорк, США)

Эта картина, известная также как «Золотая Адель» или «Австрийская Мона Лиза», считается одним из самых значительных полотен Климта и австрийского югендстиля в целом. Это первый из двух написанных Климтом портретов Адели Блох-Бауэр, подруги и, возможно, возлюбленной Густава, дочери крупного австрийского банкира еврейского происхождения.

«Золотая Адель» получила широкую известность не только благодаря высокой художественной ценности, но и из-за непростой истории: она вместе с прочим имуществом Фердинанда Блох-Бауэра была экспроприирована нацистами, а в 1941 году ее выкупила одна австрийская галерея. В 1988-м, после принятия в Австрии закона о реституции предметов искусства, один из журналистов изучил музейные архивы и связался с наследниками семьи Блох-Бауэр. После длительного судебного процесса эта и несколько других картин Климта были переданы Марии Альтман, наследнице семьи, живущей в Лос-Анджелесе (США). В 2006 году Рональд Лаудер, сын предпринимательницы Эсте Лаудер, приобрел картину за 135 миллионов долларов. С тех пор «Золотая Адель» обрела дом в основанной Лаудером Новой галерее в Нью-Йорке. В 2015 году вышел фильм режиссера Саймона Кертиса «Женщина в золоте», рассказывающий историю картины.

Амедео Модильяни. «Сидящая обнаженная» (галерея Курто, Лондон, Великобритания)

Одна из жемчужин коллекции лондонской галереи Курто, «Сидящая обнаженная» (1916) — яркий пример узнаваемого стиля Модильяни: удлиненная фигура, элегантные линии, эстетика, вдохновленная скульптурами Африки и Океании. Эта картина положила начало серии «Обнаженных», относящейся к уже зрелому периоду творчества художника. В противовес ранним обнаженным фигуры позднего периода более свободны и сексуальны. Хотя лицо женщины стилизовано, исследователи склонны видеть в нем портретные черты Беатрис Гастингс, английской поэтессы и журналистки, которая была музой художника в период с 1914 по 1916 год.

Фрида Кало. «Две Фриды» (Музей современного искусства, Мехико, Мексика)

notimexpix696367.jpg

Отношения Фриды Кало с ее мужем, художником Диего Риверой, всегда были сложными. Их развод в 1939 году побудил Фриду написать одну из самых ее сильных работ — «Две Фриды». Символика картины понятна без пояснений: две женщины теснятся в одном теле, в чем-то дополняя, а чем-то мешая друг другу.

Кало как всегда изобразила события внутренней жизни, а ведь с 1939 года она словно раздвоилась: одна Фрида согласилась на развод с Риверой, а вторая мучительно продолжала любить мужа. Также картина отражает смешанное происхождение художницы: ее мать была мексиканкой, а отец — немцем, эмигрировавшим в Мексику. Ривера всегда обожал мексиканскую идентичность Фриды, поэтому на картине сердце «европейской» Фриды кровоточит от обиды. Художница тяжело переживала разрыв с мужем, однако уже в 1941 году они снова поженились.

Анри Матисс. «Красная комната: гармония в красном» (Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия)

4811188791_e528d37dae_b.jpg

Эту работу Матисс написал по заказу Сергея Щукина — она была задумана как «декоративное панно» для столовой коллекционера, но в итоге стала одной из самых узнаваемых картин художника. Интересно, что изначально Матисс задумывал ее совсем в другом цвете — в голубом; за образец была взята декоративная ткань с голубыми узорами. Однако накануне осеннего Парижского салона 1908 года художник неожиданно кардинально переписал работу: «Гармония в голубом» показалась ему недостаточно декоративной.

С переменой цвета фокус удался: чистый красный поглощает пространство комнаты и женскую фигуру, плоскость холста превращается в декоративную поверхность. Художник также добавил перспективу, введя мотив окна, в котором виднеются яркие зеленые деревья.

Иероним Босх. «Сад земных наслаждений» (Музей Прадо, Мадрид, Испания)

GettyImages-544238276.jpg

Триптих Босха — одно из самых эксцентричных произведений искусства в истории. Оригинальное название работы неизвестно — «Садом земных наслаждений» ее назвали исследователи. С тех пор как Босх в 1515 году представил работу публике, она вот уже 500 лет продолжает удивлять и завораживать зрителей.

В XX веке возникло множество теорий и вариантов толкования картины, но к единому мнению исследователи так и не пришли. Одни видят в картине детство человечества, другие — торжество сладострастия, третьи — вольное осмысление библейских сюжетов. Существует даже версия, что Босх принадлежал к секте еретиков и зашифровал в картине тайные послания. Интерпретации бесконечны, и именно невозможность понять «Сад земных наслаждений» до конца больше всего манит зрителей.

Эдвард Мунк. «Танец жизни» (Национальный музей искусства, Осло, Норвегия)

Норвежский художник Эдвард Мунк на протяжении почти всей жизни боролся с депрессией и тревогой. Эти чувства нашли отражение во многих его работах и достигли апогея в знаменитом «Крике». Однако «Танец жизни» (1899–1900) по настроению отличается от большинства картин художника, в ней нет напряжения и тревоги.

Исследователи творчества Мунка предполагают, что сюжет картины был подсказан Мунку пьесой датского символиста Хельге Роде «В вихре вальса». Сам же художник утверждал, что в основу «Танца жизни» легли воспоминания о его первой любви, Милли Таулов.

Рене Магритт. «Замок в Пиренеях» (Израильский музей, Иерусалим, Израиль)

Одна из самых узнаваемых работ сюрреалиста Рене Магритта, «Замок в Пиренеях» был написан в 1959 году по заказу его друга, юриста и писателя Гарри Торчинера. Сказочный замок возвышается наверху гигантского валуна и словно парит в облаках, а внизу набегают на берег морские волны. Это одна из самых загадочных работ художника, и она послужила источником вдохновения для норвежского писателя Юстейна Гордера, который построил сюжет одноименного романа вокруг образа, созданного Магриттом.

Вермеер. «Девушка с жемчужной сережкой» (Маурицхейс, Гаага, Нидерланды)

GettyImages-173455795.jpg

Портрет молодой девушки с жемчужной сережкой — бесспорный шедевр Вермеера и икона золотого века голландской живописи. Картина не датирована, но, согласно данным экспертов Маурицхейс, она написана около 1665 года. Про нее вообще известно очень мало — доподлинно неизвестно даже, что за девушка изображена на картине.

Тайны, окружающие портрет, а также загадочный взгляд девушки вызывают ассоциации с Джокондой — поэтому картину часто называют северной или голландской Моной Лизой. Еще один довод в пользу такого сравнения — огромная популярность обеих работ: как и «Мона Лиза», «Девушка с жемчужной сережкой» стала неотъемлемой частью массовой культуры, ее образ часто мелькает в фильмах и сериалах.

Метки: история, живопись, искусство, АЯТ
20:23 11.07.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Третьяковская галерея начала бороться с "нелегальными" экскурсиями. Из музея выгоняют обычные группы людей

.

Сергей Пятаков / Sputnik / Scanpix / LETA

Историки из МГУ и их студенты пришли в Третьяковскую галерею. Их попросили удалиться, потому что они проводят «нелегальную» экскурсию

15 июня работающие в МГУ историки Олег Айрапетов, Максим Шевченко и Федор Гайда пришли вместе с несколькими студентами и аспирантами в Третьяковскую галерею на Крымском Валу на выставку художника Василия Верещагина. Как рассказывают они сами, они осматривали экспозицию и обменивались впечатлениями от увиденного, когда к ним подошел охранник и заявил, что «экскурсии без аккредитации» в музее запрещены. В ответ преподаватели заявили, что не проводят экскурсию, и перешли на шепот.

Как историки заявили в открытом обращении к Министерству культуры, они пытались уточнить у сотрудника музея, что считается экскурсией, но тот не ответил. Позже, когда они со студентами уже уходили, их встретили «старший лейтенант МЧС» и сотрудница музея, которые заявили, что действия посетителей галереи незаконны. Историкам объяснили, что в случае прохода на выставку группой «от 1 до 20 человек» необходимо запрашивать разрешение у музея. Получить ответ на вопрос, что такое «группа из одного человека», ученым не удалось.

19 июня директор департамента музеев Министерства культуры Юрий Евтюхин направил генеральному директору Третьяковской галереи Зельфире Трегуловой письмо с просьбой разобраться в ситуации и проинформировать о решении авторов открытого письма.

Это не первый случай, когда из Третьяковки просят удалиться группы разговаривающих между собой людей

20 июня главный редактор журнала Fashionograph Тим Ильясов, читающий в Высшей школе экономики лекции по истории и теории моды, пришел в Третьяковскую галерею на Лаврушинском переулке вместе с пятерыми друзьями. «Конечно же, я рассказывал истории, комментировал платья и шляпки на портретах», — рассказывает он.корреспонденту. По словам Ильясова, вскоре сотрудники музея стали возмущенно говорить ему, что экскурсии могут проводить только штатные экскурсоводы музея. «Я попытался у них уточнить, о какой экскурсии идет речь, ведь я просто общаюсь с приятелями, — вспоминает журналист. — Но сотрудники музея не смогли дать внятный ответ — „ничего не знаем, нельзя“».

Ильясов рассказал, что после этого замечания он стал говорить тише, однако вскоре к нему подошел охранник, потребовал предъявить бейдж экскурсовода и заявил, что без такого бейджа вести экскурсию запрещено. Ильясов спросил, значит ли это, что они должны ходить по галерее молча. «Мне ответили, что, видимо, да, и отправили за разъяснениями в администрацию музея, — продолжает он. — Я очень хорошо отношусь к Зельфире Трегуловой, мне нравится, как она вернула жизнь в галерею, какие славные выставки там проходят в последнее время. Но политика борьбы с „нелегальными экскурсиями“ глуповата».

2 июля пользователь фейсбука, подписывающийся как Tnargime Rǝnni (свое настоящее имя он назвать «Медузе» отказался), рассказалоб аналогичной истории, случившейся в Третьяковской галерее на Крымском Валу. Он пришел на выставку Верещагина с друзьями, «далекими от искусства», и рассказывал им о художнике; смотрительница сообщила им, что несогласованные экскурсии в музее запрещены; затем охранник потребовал от него предъявить бейдж и, убедившись в отсутствии такового, попросил молодого человека покинуть музей.

В Третьяковке меру объясняют тем, что сторонние гиды дают посетителям неверную информацию

Заместитель директора Третьяковской галереи Марина Эльзессер сказала «Медузе», что правило о необходимости уведомлять галерею в случае, если туда приходит экскурсовод, вступило в силу 15 мая 2018 года. Согласно новому регламенту, человек, который рассказывает собеседникам что-то о картинах, но не является штатным гидом музея, обязан получить бейдж, на котором указано, что он «гид-гость». Музею в этом случае надо заплатить: экскурсия для группы до 20 человек стоит5310 рублей — в Лаврушинском переулке, а на Крымском Валу можно проводить такие экскурсии бесплатно. «Я считаю, это необходимая мера, потому что нередко в руководство галереи поступают жалобы от самих же посетителей на то, что некий гид в одном из залов рассказал неверную информацию. А потом выясняется, что это был вовсе не наш гид, а кто-то из гостей галереи», — объясняет Эльзессер.

По ее словам, записи с видеокамер доказывают, что преподаватели истфака «стояли сплоченной группой и рассказывали своим студентам про картины». «У нас замечательные отношения с историческим факультетом МГУ, но его руководство прекрасно знает, как оформляются в Третьяковской галерее такие занятия, — продолжает замдиректора галереи. — О занятии, которое проводили [15 июня] в стенах галереи преподаватели истфака, никто из нас не знал. Мы считаем, что педагоги проводили именно занятие, а не просто обменивались мнениями, как они утверждают. Поэтому они должны были заранее зарегистрировать визит на нашем сайте и внести плату».

Ирина Кравцова

Метки: АЯТ, Третьяковка, новшество
10:54 29.06.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Новые рисунки художника Бенкси на стенах в Париже

.
28.06.2018 08:12

В Париже на стенах появились новые рисунки Бэнкси. Три новых рисунка британский уличный художник нарисовал на прошлой неделе, а в начале этой обнаружились еще четыре граффити.

Об этом сообщает «Don’t take fake».

Работу с изображением темнокожей девочки, которая закрашивает свастику розовым узором, художник посвятил проблеме мигрантов во Франции – ее обнаружили 20 июня – во Всемирный день беженцев. Рисунком человека с пилой, протягивающего трехногой собаке косточку, Бэнкси сделал отсылку к французскому правительству, проводящему неэффективные реформы. А заключительной работой на прошлой неделе стала отсылка к картине художника Жак-Луи Давида «Наполеон на перевале Сен-Бернар».

В начале этой недели обнаружили четыре новых рисунка с крысами. Одну из работ Бэнкси нарисовал на французском центре искусства и культуры Жоржа Помпиду, посвятив ее 50-летию майских протестов 1968 года во Франции, назвав событие «рождением трафаретного искусства».

Событиям 1968 года артист посвятил еще один рисунок, на котором крыса с красным бантом сидит на фоне надписи «Май 1968» с отвалившейся цифрой восемь. На третьем граффити художник изобразил семью крыс, смотрящих в направлении Эйфелевой башни. А в заключение добавил рисунок с крысой, летящей на бутылочной пробке от шампанского.

Использование крыс в качестве «главных героев» изображений служит возможной отсылкой к знаковому французскому художнику Blek le Rat. Сам Бэнкси на данный момент подтвердил авторство трех работ из семи, опубликовав изображения в своем Инстаграме.

Бэнкси – британский андерграундный художник, режиссер и политический активист. Первые рисунки Бэнкси появились в конце 1990-х годов, а личность художника до сих пор неизвестна.

.

Метки: АЯТ, уличный арт, художник Бенксли
04:21 20.06.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Будни молодых мамочек

Пользовательница «Пикабу» Marypaint, иллюстратор и автор метких шаржей, частенько делилась с сетевой публикой своими работами, а потом вдруг пропала… На днях она снова появилась на просторах сети, наглядно продемонстрировав причину своего отсутствия. Ее серия рисунков, честных и ироничных, прекрасно иллюстрирует будни молодой матери, полные недосыпания, хаоса и неловких ситуаций.
Будни молодых мамочек













Метки: рисунки, искусство, иллюстрации, АЯТ
07:09 05.06.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Резьба по раковинам

Так нежен хрупкий мир... В мерцанье перламутрового света Застывший взгляд. Черты лица и детства радостное эхо, Немой наряд. Гравюрой праздничной, резьбой меняя грани Поэта нить Пленяет чистые бесстрашные медали — Любви гранит

Метки: искусство, Резьба, раковины, АЯТ
17:30 14.05.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Об искусстве

Земля в конце концов выветривается, и пыль улетает с ветром, все ее люди умирают, исчезают бесследно, кроме тех, кто занимается искусством. Экономика тысячелетней давности кажется нам наивной, а произведения искусства живут вечно. / Эрнест Хемингуэй. Одна из редких, если не единственных цитат Хемингуэя об искусстве. И добавить нечего. Произведения искусства живут вечно, как и их создатели. Также как всепоглощающая страсть человека к прекрасному. Тяга к искусству не может быть навязана извне, ее наследственность мало изучена, но из века в век она снова и снова передается из поколения в поколение.

Искусство — «это душа народа», как писал скульптор Н. В. Томский, это один из самых главных источников общения людей. Искусство пробуждает в человеке радость и наслаждение, сочувствие и сопереживание.

Тяга к прекрасному живет в каждом из нас, будь то к книгам, кино, архитектуре, музыке, театру, живописи. В каждом из нас живет художник, творец и создатель. И совершенно неважно — умеем ли мы рисовать, петь, танцевать или играть на музыкальных инструментах. Искусство — одна из самых важных форм проявления добра. Оно не разрушает, в нем нет зла. И как говорил классик Ф. М. Достоевский — «настоящее искусство всегда современно, насущно, и полезно». Наверное потому искусство будет жить вечно.

Возможно — это и есть самая древняя религия мира, способная объединить человечество. И, наверное, только ей суждено спасти эту планету от зла, бесконечных распрей, конфликтов и войн, от тотального стремления человека к саморазрушению…
Метки: искусство, высказывания, АЯТ
19:51 19.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

У мема "distracted boyfriend" нашелся предшественник. Это картина XVIII века

Картину «Гаррик колеблется между Трагедией и Комедией» написал английский художник Джошуа Рейнольдс в 1761 году. Картина воспроизводит аллегорический сюжет про героя, который находится на распутье. Обычно художники неоклассицизма изображали античного героя Геракла, который колеблется между Добродетелью и Пороком.

" title="View on Twitter">

Fun fact: the painting is by Joshua Reynolds and it depicts the actor David Garrick stuck between the alure of Comedy and the prestige of Tragedy, so here’s a depiction of how the meme would have worked in its original context.

«Интересный факт: картина Джошуа Рейнольдса изображает актера Дэвида Гаррика, который застрял между заманчивой Комедией и престижной Трагедией, так что вот пример, каким бы был мем в первоначальном контексте»

Пользователь твиттера под ником @ELXGANZA обнаружил более раннюю версию мема «distracted boyfriend» про мужчину, который держит за руку девушку, но заглядывается на другую.

Сравните сами:

Подписчики ELXGANZA согласились, что картина очень похожа на снимок, ставший мемом.

View image on TwitterView image on Twitter

Метки: сравнение, шутка, искусство, АЯТ, МЕМ
21:21 15.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картина маслом — эксклюзивный штрих в интерьере

Придать атмосфере элитарности, привнести в интерьер любого стилевого направления особый шик, сделать пространство поистине неповторимым под силу лишь настоящим шедеврам живописи. Картины, написанные маслом, никогда не выходят из моды, а лишь становятся признаком безупречного вкуса своих владельцев. Полотна уместны абсолютно во всех типах помещений, начиная от столовых и гостиных, заканчивая офисами и детскими комнатами. Такой элемент интерьера способен стать центральным элементом в оформлении или же объединить воедино в гармоничную концепцию уже имеющиеся предметы декора. И чтобы художественный шедевр смотрелся великолепно, необходимо знать о некоторых нюансах выбора тематики и стиля живописи.

Картина маслом – эксклюзивный штрих в интерьере



В прихожих и холлах уместны пейзажи и оригинальные цветочные композиции, выполненные в спокойных тонах. Такие холсты смогут создать поистине уютную спокойную домашнюю атмосферу. Присутствие картин, написанных талантливыми художниками, не только с первых моментов вашего прихода домой сможет наполнить гармонией и комфортом, но и скажет вашим гостям о том, что здесь чтут вечные ценности. В столовых органично смотрятся картины маслом, такие как тут, — на которых изображены натюрморты с обилием даров природы.

Сочные тона, разнообразие красок, яркая палитра – все это привнесет ощущение свежести и умиротворения. Полотна в спальнях создают легкую романтическую обстановку, если на них изображены крупным планом любимые цветы, птицы, являющиеся символом верности, роскошные пейзажи. В кабинете идеально будет смотреться картина с изображением гор и замков, видами на море, выполненная в перспективе. Написанное маслом полотно придаст респектабельности и индивидуальности такому помещению, поможет расслабиться после трудного дня или же придаст уверенности для принятия сложных решений. Если говорить о детских комнатах, то сложно переоценить присутствие художественного шедевра в поле зрения подрастающего ребенка.

Картина маслом – эксклюзивный штрих в интерьере



Картины, написанные маслом, буквально оживают в детском воображении и прививают вкус к прекрасному с ранних лет. Животные, сказочные замки, корабли под парусами на водной глади – все это превратит интерьер детской в волшебный мир.

Подобрать картину для своего дома или же выбрать холст в качестве роскошного подарка сегодня несложно. Достаточно посетить интернет магазин artofrussia.ru, где всегда открыта продажа полотен талантливых художников. Здесь не только помогут с выбором, но и напишут маслом по индивидуальному заказу, будь это репродукция известной картины или портрет. Оформленное в красивый багет, полотно будет доставлено в указанное место. Вас поразит не только искусная работа, но и доступность цены созданных шедевров.

Метки: искусство, дизайн, выбор, картины, АЯТ
20:12 05.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Что такое современный театр? И как начать в нем разбираться?

Театр бывает классический и современный

Слово "классический" вообще неприменимо к театру. Классика — это искусство прошлого, которое не утратило популярности. А театральная постановка по сравнению с романом, фильмом или картиной живет совсем недолго — всего несколько лет. Она просто не успевает стать классикой. Исключения бывают, но редко: это спектакли, не сходящие со сцены десятилетиями, в которых уже сыграли несколько поколений актеров. Например, "Арлекин — слуга двух господ" итальянского режиссера Джорджо Стрелера. Постановка появилась в 1947 году и до сих пор гастролирует по миру. Если вы видите на сцене людей в исторических костюмах, изображающих Отелло с Дездемоной, — правильнее называть это традиционным театром, а не классическим.

2

Чем традиционный театр отличается от современного?

Четкой границы не существует. Допустим, вы играете пьесу Шекспира в современных костюмах и без декораций. Никто не назовет вашу постановку традиционной, — во всяком случае, в России. Но вы по крайней мере используете пьесу, актеров и сцену. А другой режиссер ставит спектакль на заброшенном заводе. Или без артистов. Или без текста. Или все сразу. С его точки зрения, вы — традиционалист. Сегодня понятия "театр" и "спектакль" намного шире, чем 100 или даже 50 лет назад. Иногда современный театр похож на театр в общепринятом смысле слова (как, например, спектакли Константина Богомолова или Кирилла Серебренникова). Иногда — вообще не похож (как постановки Всеволода Лисовского или немецкой театральной группы Rimini Protokoll).

3

Разве может быть спектакль без актеров?

Представьте себе. Немецкий режиссер и композитор Хайнер Гёббельс поставил спектакль "Вещь Штифтера" без единого артиста: публика в течение часа наблюдает за водой, паром и машинами. У тех же Rimini Protokoll есть проект "Remote X", где зрители ходят по городу в наушниках и слушают указания гида, чья речь синтезирована компьютером. А швейцарская театральная компания Magic Garden сделала спектакль "Questioning/Кто ты?", где вам предложат заполнить несколько анкет — только и всего (самое странное, что это безумно увлекательно). Подобные проекты можно назвать сеансами самопознания: зритель наблюдает не за персонажем, а за собой. Так устроен и новый проект "Зеркало Карлоса Сантоса", вместе с которым мы сделали эти карточки, — часть спектакля проходит без участия актеров.

4

То есть зрители теперь не просто сидят и смотрят?

Да, интерактивность — главный тренд современного театра. Некоторые спектакли похожи на компьютерные игры с открытым миром: вы свободно ходите из зала в зал и сами выбираете, за кем из героев следить. В других постановках взаимодействия еще больше: актер может задать вам вопрос или попросить что-то сделать.

В "Зеркале Карлоса Сантоса" зрителей ведут через 12 комнат, причем в разных помещениях — разные правила: где-то вы только смотрите, где-то слушаете, а где-то наблюдаете за собой и своими мыслями.

5

Какие еще есть направления?

Еще есть документальный театр, физический театр, театр художника и множество других. Документальный театр очень разнообразен. Иногда в нем применяют технику вербатим — актер или драматург записывают речь какого-нибудь человека, и потом она произносится со сцены как монолог. Человек может и сам рассказать о себе зрителям — как это было, например, в спектакле Rimini Protokoll "Cargo Moscow" с участием российских дальнобойщиков. В физическом театре главное — тело актера, его движения, позы и жесты, в таком спектакле слов может не быть совсем. Театр художника сосредоточен на работе с предметами и фактурами. Эти направления часто пересекаются: например, постановку греческого режиссера Димитриса Папаиоанну "Великий укротитель" можно отнести и к физическому театру, и к театру художника.

Метки: театр, виды, АЯТ, объяснение, жанры
19:14 02.04.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Картина Яна Вермеера "Девушка с жемчужной сережкой".

В конце февраля музей Маурицхейс в Гааге запустил проект «Девушка в центре внимания» (Girl in the Spotlight), посвященный «Девушке с жемчужной сережкой», самой известной картине Яна Вермеера, которая хранится в собрании музея. Больше двух недель группа ученых, реставраторов и историков искусств впервые с 1994 года — когда картину в последний раз реставрировали — исследовала картину Вермеера при помощи микроскопов, инфракрасных спектрометров и рентгеновских аппаратов. На протяжении всего исследования реставратор Эбби Вандивер вела блог. «Медуза» рассказывает, что нового ученым удалось узнать о картине с 350-летней историей.

Художник делал краски на основе подогретого масла

Чтобы получить масляные краски, в XVII веке художники или их помощники смешивали красящие пигменты с маслом, которое часто добывали из льна. Полученные краски они хранили в закрытых горшках или в высушенных мочевых пузырях животных. Ученые из музея Маурицхейс исследовали микроскопический фрагмент краски с картины методом газовой хроматографии/масс-спектрометрии (ГХ/МС) — это технология, способная распознавать химические вещества даже в самых сложных смесях. Оказалось, что Вермеер использовал специальный тип масла, которое, возможно, даже делал сам. Для изготовления красок масло сначала прокаливалось при температуре около 300 градусов по Цельсию — это позволяло контролировать густоту краски, делать ее более гладкой, глянцевитой и, вероятно, даже быстросохнущей.

Краски для картины делались из ртути, свинца и мексиканских червецов

Для того чтобы узнать, какие красители в каких фрагментах картины использовал Вермеер, ученые пользовались сканирующим электронным микроскопом (пучок электронов фокусируется на маленьком фрагменте картины в поперечном сечении и определяет его атомный состав), ультрафиолетовыми лампами, жидкостными хроматографами (компоненты сложной смеси, такой, как краска, разделяются, чтобы определить состав смеси) и другими приборами. Им удалось выяснить, что красный пигмент на губах и щеках героини картины — это смесь на основе киновари, оранжево-красного пигмента из сульфида ртути, который в XVII веке в больших масштабах производили в Амстердаме и Антверпене.

Еще один красный краситель, который художник использовал для работы над лицом «Девушки», — кармин, получаемый из карминовой кислоты, которую вырабатывают самки кошенили, или кошенильного червеца. Кошениль водится в Мексике, в XVI-XVII веках его активно экспортировали в Испанию, а оттуда поставляли в другие европейские страны. Вероятно, кармин на щеках вермееровской героини — тоже родом из Мексики. Сегодня кармин, который стал гораздо более распространен, чем во времена Вермеера, используют как пищевой краситель — например, для окрашивания сосисок или сыра.

Непрозрачная белая краска, которой художник писал рубашку девушки, белки ее глаз, блики на платке и блик на жемчужине, — это свинцовые белила. Ученые проанализировали образец белой краски с картины и определили, что свинец для нее был добыт из тех же месторождений, что и для других североевропейских картин.

В «Девушке с жемчужной сережкой» Вермеер активно использовал ультрамарин — синей краской на его основе художник не только написал платок на голове героини, но и прорисовал им складки одежды. Пигмент, получаемый из лазурита, добывали в Средней Азии и отправляли в Европу по Шелковому пути. Затраты на доставку и производство делали ультрамарин одним из самых дорогих красителей — дороже золота. Это лишний раз подтверждает, что материальное положение Вермеера, отца 15 детей, писавшего не больше двух картин в год, было весьма неплохим — возможно, благодаря богатым заказчикам или покровителям.

Холст картины очень похож на другие холсты, которые использовал Вермеер

В Голландии XVII века было много ткацких мануфактур. Холстом для картин обычно служила ткань, сплетенная из льняных волокон. Она продавалась кусками или целыми рулонами. Недавние исследования показали, что несколько картин Вермеера были написаны на кусках холста из одного и того же рулона. Холстов, аналогичных тому, на котором написана «Девушка с жемчужной сережкой», до сих пор обнаружить не удалось, но новейший анализ рентгеновских снимков картины показал, что основой для нее послужило такое же полотно, как обычно покупал Вермеер, — простого тонкого плетения. Количество льняных нитей на сантиметр холста — 14,66 горизонтальных и 14,5 вертикальных — тоже примерно такое, как в других картинах Вермеера.

Метки: живопись, искусство, исследование, АЯТ, Ян Вермеер
10:19 27.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

"Тревога глубоко подавленного гея" За что автор самой жуткой картины Америки чуть не лишился уха

В Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке идет выставка «Грант Вуд: "Американская готика" и другие легенды». В экспозицию вошли картины художника, создавшего одну из самых знаменитых работ XX века. По словам кураторов, наследие Гранта Вуда не ограничивается «Американской готикой» — пугающим произведением, которое, по замыслу автора, должно было отразить патриотический дух фермеров времен Великой депрессии, но воспринималось лишь как насмешка над сельскими жителями. Фермеры Айовы возненавидели Вуда за то, какими он изобразил их на своем полотне, одна женщина даже грозила откусить ему ухо.

«В своей живописи Вуд хотел создать мир гармонии и процветания, который стал бы ответом на нужду Америки во времена экономических и социальных беспорядков, вызванных Депрессией. Но под пасторальной наружностью его искусство отражает тревогу художника и глубоко подавленного гея на Среднем Западе 1930-х годов», — говорят кураторы выставки о картинах Вуда. Загадочные портреты и пейзажи сельской Америки — в картинах внизу текста.

От меня : я бы ему за это "искусство" не только ухо отрезала )))

Простите меня ,ценители прекрасного !

Метки: сша, искусство, картины, АЯТ, Вуд
11:20 26.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)
-->

Киноискусство

Жанры киноискусства

Строго говоря, в кино нет единого общепринятого набора жанров (как, например, в живописи), покоторому можно было бы точно классифицировать все кинофильмы. Кроме того, большинствохудожественных кинофильмов можно смело отнести к более чем одному жанру. Поэтому говорить онижеприведённой системе жанров художественного кино можно лишь с большой долей условности. Эта система скорее была сформирована самими зрителями на основе личных впечатлений, чемкиноведами в рамках научных исследований. Но, тем не менее, эта система широко распространена и, в определённой мере, общепринята.

  • Боевикэтот жанр иллюстрирует известный тезис «добро должно быть с кулаками». Фильмы этогожанра зачастую не обладают сложным сюжетом. Главный герой обычно сталкивается со злом в самомочевидном его проявлении: преступление, коррупция, терроризм, убийство. Не находя иного выхода, главный герой решает прибегнуть к насилию. В результате уничтожению подвергаются десятки, аиногда и сотни злодеев. «Хэппи энд» (англ. happy endсчастливый конец) — непременный атрибутбоевика, зло должно быть наказано.
  • Вестернв классических фильмах этого жанра действие происходит на Диком Западе Америки в XIXвеке. Конфликт обычно разворачивается между бандой преступников, представителями властей иохотниками за наградой (англ. bounty hunter). Как и в обычном боевике, конфликт разрешаетсянасилием со стрельбой. Вестерны пропитаны атмосферой свободы и независимости, характерной длязапада Соединённых Штатов.
  • Гангстерский фильмдействие фильмов этого поджанра зачастую происходит в США в 1930-егодыво время расцвета гангстерских группировок. «Разборки» между гангстерами и являютсяосновой сюжета таких фильмов.
  • Детективный фильмжанр, произведения которого неизменно содержат иллюстрации преступныхдеяний, следующего за ними расследования и определения виновных. У зрителя, как правило, возникает желание провести собственное расследование и выдвинуть собственную версиюпреступления.
  • Карате-фильмфильмы этого поджанра сюжетно мало отличаются от обыкновенных фильмов жанраэкшен. Но в противостоянии персонажей карате-фильмов упор делается не на применениеогнестрельного оружия, а на рукопашные схватки с применением приёмов восточных единоборств.
  • Драмаспецифику жанра составляют сюжетность, конфликтность действия, обилие диалогов имонологов. Драмы изображают в основном частную жизнь человека и его острый конфликт собществом. При этом акцент часто делается на общечеловеческих противоречиях, воплощённых вповедении и поступках конкретных героев фильма.
    • Трагедиянаверняка театральную трагедию не следует рассматривать
Метки: АЯТ, жанры, киноискусство
11:37 15.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Бумажное кружево индийского художника

Бумажное кружево индийского художника

Метки: искусство, бумага, АЯТ, ножницы, художество
19:48 12.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Пейзажи нитками

Художники по вышивке некоторое время назад стали весьма творчески подходить к этому виду рукоделия, в чём мы не раз убеждались. В то время как одни являются приверженцами традиционной вышивки, создавая простые узоры, другие используют нить вместо кисти, вышивая выразительные текстуры и живописно сочетая цвета.



Одним из таких художников является рукодельница Вера Шимуня из Санкт-Петербурга, которая с помощью ниток и пяльцев создаёт великолепные пейзажи. В некоторых из последних работ художница даже объединяет текстильное искусство с фотографией, создавая потрясающие сюрреалистические пейзажи, состоящие наполовину из фотографии, наполовину из вышивки.


















Метки: творчество, искусство, рукоделие, вышивка, АЯТ
19:02 11.03.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Невероятно красивые платья, которые будто сошли со страниц каких-то сказок

Представляем вам талантливого модельера из Франции Сильви Факон. Она создаёт невероятно красивые платья, которые станут украшением любого модного показа. Сильви много внимания уделяет тканям и продумывает каждую деталь своего творения. Одну из моделей, вдохновляясь стилем стимпанк, она разработала в тандеме с дизайнером костюмов Морганом Э.Гросдендангом. Её платья отличаются изысканностью, оригинальностью и невероятной женственностью, и порой кажется, что они сошли со страниц каких-то сказок

Платья с сюжетами старого города

Платье с настоящими книжными страничками и переплётами

Платье-скрипка со страничками из нотной тетради

Платья с цветочными мотивами

Сказочное грибное платье

Платье по мотивам иллюстрации Дидье Граффе

Метки: шитьё, фантазия, моделирование, АЯТ, искусство дизайна
08:56 24.02.2018
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Десятилетие пофигизма: Подольский суд Киева приговорил одесского Караваджо к смерти

Картина Микеланджело Меризи да Караваджо «Поцелуй Иуды», похищенная летом 2008 года из Одесского музея западного и восточного искусства и вернувшаяся в Украину в 2010-м, по-прежнему лежит в столичном институте и разрушается. Предполагаемых воров, которые давно уже находятся на свободе, даже не пытаются судить.

«Полотно просто умирает, — рассказал «Думской» бывший директор Одесского музея западного и восточного искусства Владимир Островский, который регулярно ездит в Киев, пытаясь добиться возвращения картины в Одессу. — Оно лежит в столичном научно-исследовательском центре реставрации без движения. Реставраторы даже не приступали к делу, потому что суд признал полотно вещественным доказательством, к которому до вынесения приговора притрагиваться нельзя. Но подозреваемых вообще не судят, дело не продвигается уже 8 лет! Представьте себе, что у вас злоумышленники украли машину. Затем машину и угонщиков нашли, но машину признали вещдоком. Прошло время, а конца суда над угонщиками не видно. А затем и угонщиков отпустили, и они не являются на суд. Тем временем ваша машина стоит на штрафплощадке, ржавеет и разрушается. Вот так и в этом процессе – похитителей картины отпустили, меры пресечения у них нет. Они все исчезли. И на последнем заседании суда – два года назад оно было, — судьи спокойно выслушали ответ помощницы о том, что ответчики не явились. И все – суд отложили. На какой срок неизвестно, видимо, ждут, когда появятся похитители».

Картина сразу после обнаружения. Фото sphaerez.de
Картина сразу после обнаружения. Фото sphaerez.de

Островский утверждает, что дальнейшее пребывание картины в упомянутом статусе приведет к ее гибели. По сути, Подольский суд, медля с приговором похитителям (может, стоит их уже оправдать?), приговаривает к смерти сам «Поцелуй Иуды».

«Восемь лет полотно лежит без растяжки, — возмущается Островский. — Мы отдали в центр кромки полотна, которые остались на раме после того, как картину срезали воры. Кромки должны были срастить с полотном, дальше его необходимо растянуть. Если полотно держать без этой процедуры, оно садится, как любая ткань. Появляются микротрещины, краска осыпается. Чем дальше – тем больше безвозвратных потерь. Киевский центр получил под картину дополнительные средства, и все без толку. Два года назад итальянцы предложили нам отправить картину в Милан. Они брались бесплатно ее отреставрировать. Мы очень просили киевлян отдать полотно для отправки на реставрацию в Италию. Но в НИИ нам ответили, что, мол, лучше них никто не проведет реставрацию, а во-вторых, это же вещдок! Это потрясающий цинизм, так как полотно уже восемь лет лежит и погибает. И всем все равно!».

Искусствовед считает, что полотно Караваджо стало заложником меркантильных интересов руководства национального реставрационного центра и странной судебной коллизии, в результате которой имущество одесского музея не только не возвращено владельцу, но и уничтожается от времени и условий хранения.

Напомним, дело о похищении «Поцелуя Иуды» рассматривается в Подольском райсуде столицы. Дважды его пытались завернуть на дорасследование, но апелляция всякий раз возвращала производство обратно. С 2016 года заседания не проводятся. Сначала их переносили из-за неявки пятерки бандитов, а потом просто перестали назначать. Судебная система, похоже, вынесла смертный приговор шедевру эпохи барокко.

В полиции и суде ситуацию с картиной не комментируют.

Dumskaj.net
Метки: суд, искусство, Караваджо, кража, реставрация, АЯТ, бездействие
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Ирина Кравец
Войти