Мне подарили

21:54 11.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

О. Генри Из любви к искусству

Когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы.

Такова предпосылка. Наш рассказ явится выводом из этой предпосылки и вместе с тем её опровержением. Это будет оригинально и ново с точки зрения логики, а как литературный приём — лишь немногим древнее, чем Великая китайская стена.

Джо Лэрреби рос среди вековых дубов и плоских равнин Среднего Запада, пылая страстью к изобразительному искусству. В шесть лет он запечатлел на картоне городскую водокачку и одного почтённого обывателя, в большой спешке проходящего мимо. Этот плод творческих усилий был заключён в раму и выставлен в окне аптеки, рядом с удивительным початком кукурузы, в котором зёрна составляли нечётное количество рядов. Когда же Джо Лэрреби исполнилось двадцать лет, он, свободно повязав галстук и потуже затянув пояс, отбыл из родного города в Нью-Йорк.

Дилия Кэрузер жила на Юге, в окружённом соснами селении, и звуки, которые она умела извлекать из шести октав фортепьянной клавиатуры, порождали столь большие надежды в сердцах её родственников, что с помощью последних в её копилке собралось достаточно денег для поездки «на Север» с целью «завершения музыкального образования». Как именно она его завершит, её родственники предугадать не могли, впрочем, об этом мы и поведём рассказ.

Джо и Дилия встретились в студии, где молодые люди, изучающие живопись или музыку, собирались, чтобы потолковать о светотени, Вагнере, музыке, творениях Рембрандта, картинах, обоях, Вальдтейфеле, Шопене и Улонге.

Джо и Дилия влюбились друг в друга или полюбились друг другу — как вам больше по вкусу — и, не теряя времени, вступили в брак, ибо (смотри выше), когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы.

Мистер и миссис Лэрреби сняли квартирку и стали вести хозяйство. Это была уединённая квартирка, затерявшаяся в каком-то закоулке, подобно самому нижнему ля диез фортепьянной клавиатуры. Супруги были счастливы. Они принадлежали друг другу, а Искусство принадлежало им. И вот мой совет тому, кто молод и богат продай имение твоё и раздай нищим, а ещё лучше — отдай эти денежки привратнику, чтобы поселиться в такой же квартирке со своей Дилией и своим Искусством.

Обитатели квартирок, несомненно, подпишутся под моим заявлением, что они самые счастливые люди на свете. Дом, в котором царит счастье, не может быть слишком тесен. Пусть комод, упав ничком, заменит вам бильярд, каминная доска — трюмо, письменный стол — комнату для гостей, а умывальник — пианино! И если все четыре стены вздумают надвинуться на вас, — не беда! Лишь бы вы со своей Дилией уместились между ними. Ну, а уж если нет в вашем доме доброго согласия, тогда пусть он будет велик и просторен, чтобы вы могли войти в него через Золотые ворота, повесить шляпу на мыс Гаттерас, платье — на мыс Горн и выйти через Лабрадор!

Джо обучался живописи у самого великого Маэстри. Вы, без сомнения, слышали это имя. Дерёт он за свои уроки крепко, а обучает слегка, что, вероятно, и снискало ему громкую славу мастера эффектных контрастов. Дилия училась музыке у Розенштока — вы знаете, конечно, какой широкой известностью пользуется этот возмутитель покоя фортепьянных клавиш.

Джо и Дилия были очень счастливы, пока не прожили всех своих денег. Так оно всегда, но я не хочу показаться циником. Стоявшая перед ними цель была им совершенно ясна. Джо в самом непродолжительном времени должен был написать такие полотна, ради обладания которыми пожилые джентльмены с тощими бакенбардами и толстыми бумажниками будут лупить друг друга кистенём по голове у него в мастерской. Дилия же должна была познать все тайны Музыки, затем пресытиться ею и приобрести обыкновение при виде непроданних мест в партере или в ложах лечить внезапную мигрень омарами, уединившись в своих личных апартаментах и отказываясь выйти на эстраду.

Но прекраснее всего, на мой взгляд, была сама их жизнь в маленькой квартирке: горячие, увлекательные беседы по возвращении с уроков; уютные обеды вдвоём и лёгкие, необременительные завтраки; обмен честолюбивыми мечтами — причём каждый грезил не столько своими успехами, сколько успехами другого; взаимная готовность помочь и ободрить, и — да простят мне непритязательность моих вкусов — бутерброды с сыром и маслины перед отходом ко сну.

Однако дни шли, и высоко поднятое знамя Искусства бессильно повисло на своём древке. Так оно бывает порой, хотя знаменосец и не виноват. Все из дома и ничего в дом, как говорят грубые, одержимые практицизмом люди. Не стало денег, чтобы оплачивать ценные услуги мистера Маэстри и герра Розенштока. Но, когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы. И вот Дилия заявила однажды, что намерена давать уроки музыки, так как нужно свести концы с концами.

День за днём она уходила из дома вербовать учеников и, наконец, однажды вернулась домой к вечеру в очень приподнятом настроении.

— Джо, дорогой мой, я получила урок? — торжествующе объявила она. — И, знаешь, такие милые люди! Генерал... генерал А. Б. Пинкни с дочкой. У них свой дом на Семьдесят первой улице. Роскошный дом, Джо! Поглядел бы ты на их подъезд! Византийский стиль — так, кажется, ты это называешь. А комнаты! Ах, Джо, я никогда не видала ничего подобного!

Я буду давать уроки его дочке Клементине. И представь, я просто привязалась к ней с первого взгляда. Она такая нежная, деликатная и так просто держится. И вся в белом с головы до пят. Ей восемнадцать лет. Я буду, заниматься с ней три раза в неделю. Ты только подумай, Джо, урок пять долларов! Это же чудно! Ещё два-три таких урока, и я возобновлю занятия с герром Розенштоком. Ну, пожалуйста, родной, перестань хмуриться и давай устроим хороший ужин.

— Тебе легко говорить, Дали, — возразил Джо, вооружась столовым ножом и топориком и бросаясь в атаку на банку консервированного горошка. — А мне каково? Ты, значит, будешь бегать по урокам и зарабатывать на жизнь, а я — беззаботно витать в сферах высокого искусства? Ну уж нет, клянусь останками Бенвенуто Челлини! Я, вероятно, тоже могу продавать газеты или мостить улицы и приносить в дом доллар-другой.

Дилия подошла и повисла у него на шее.

— Джо, любимый мой, ну какой ты глупый! Ты не должен бросать живопись. Ты пойми — ведь если бы я оставила музыку и занялась чем-то посторонним... а я сама учусь, когда даю уроки. Я же не расстаюсь с моей музыкой. А на пятнадцать долларов в неделю мы будем жить, как миллионеры И думать не смей бросать мистера Маэстри.

— Ладно, — сказал Джо, доставая с полки голубой фарфоровый салатник в форме раковины. — Всё же мне очень горько, что ты должна бегать по урокам. Нет, это не Искусство. Но ты, конечно, настоящее сокровище и молодчина.

— Когда любишь Искусство, никакие жертвы не тяжелы, — изрекла Дилия.

— Маэстри похвалил небо на том этюде, что я писал в парке, — сообщил Джо. — А Тинкл разрешил мне выставить две вещи у него в витрине. Может, кто и купит одну из них, если они подадутся на глаза какому-нибудь подходящему идиоту с деньгами.

— Непременно купят, — нежно проворковала Дилия. — А сейчас возблагодарим судьбу за генерала Пинкни и эту телячью грудинку.

Всю следующую неделю чета Лэрреби рано садилась завтракать Джо был необычайно увлечён эффектами утреннего освещения в Центральном парке, где он делал зарисовки, и в семь часов Дилия провожала его, насытив завтраком, нежными заботами, поцелуями и поощрениями.

Искусство — требовательная возлюбленная. Джо теперь редко возвращался домой раньше семи часов вечера.

В субботу Дилия, немного бледная и утомлённая, но исполненная милой горделивости, торжественно выложила три пятидолларовые бумажки на маленький (восемь на десять дюймов) столик в маленькой (восемь на десять футов) гостиной.

— Клементина удручает меня порой, — сказала она чуть-чуть устало. — Боюсь, что она недостаточно прилежна. Приходится повторять ей одно и то же по нескольку раз. И эти её белые одеяния стали уже нагонять тоску. Но генерал Пинкни — вот чудесный старик! Жаль, что ты не знаком с ним, Джо. Он иногда заходит к нам во время урока — он ведь одинокий, вдовец — и стоит, теребя свою белую козлиную бородку. «Ну, как шестнадцатые и тридцать вторые? — спрашивает он всегда. — Идут на лад?»

Ах, Джо, если бы ты видел, какие у них панели в гостиной! А какие мягкие шерстяные портьеры! Клементина немножко покашливает. Надеюсь, что она крепче, чем кажется с виду. Ты знаешь, я в самом деле очень привязалась к ней — она такая ласковая и кроткая и так хорошо воспитана. Брат генерала Пинкни был одно время посланником в Боливии.

Но тут Джо, словно какой-нибудь граф Монте-Кристо, извлёк из кармана сначала десять долларов, потом пять, потом ещё два и ещё один-четыре самые что ни на есть настоящие банкноты — и положил их рядом с заработком своей жены.

— Продал акварель с обелиском одному субъекту из Пеории, — преподнёс он ошеломляющее известие.

— Ты шутишь, Джо, — сказала Дилия. — Не может быть, чтобы из Пеории!

— Да вот, представь себе. Жаль, что ты не видала его, Дилия. Толстый, в шерстяном кашне и с гусиной зубочисткой. Он заметил мой этюд в витрине у Тинкла и принял его сначала за изображение ветряной мельницы. Но он славный малый и купил вместо мельницы обелиск и даже заказал мне ещё одну картину — маслом: вид на Лэкуонскую товарную станцию. Повезёт её с собой. Ох, уж эти мне уроки музыки! Ну ладно, ладно, они, конечно, не отделимы от Искусства.

— Я так рада, что ты занимаешься своим делом, — горячо сказала Дилия. — Тебя ждёт успех, дорогой. Тридцать три доллара! Мы никогда не жили так богато. У нас будут сегодня устрицы на ужин.

— И филе-миньон с шампиньонами, — добавил Джо. — А ты не знаешь, где вилка для маслин?

В следующую субботу Джо вернулся домой первым. Он положил восемнадцать долларов на столик в гостиной и поспешно смыл с рук что-то чёрное — по-видимому толстый слой масляной краски.

А через полчаса появилась и Дилия. Кисть её правой руки, вся обмотанная бинтами, была похожа на какой-то бесформенный узел.

— Что случилось, Дилия? — спросил Джо, целуя жену Дилия рассмеялась, но как-то не очень весело.

— Клементине пришла фантазия угостить меня после урока гренками по-валлийски, — сказала она. — Вообще это девушка со странностями. В пять часов вечера — гренки по-валлийски!

Генерал был дома, и посмотрел бы ты, как он ринулся за сковородкой, можно подумать, что у них нет прислуги. У Клементины, конечно, что-то неладно со здоровьем — она такая нервная. Плеснула мне на руку растопленным сыром, когда поливала им гренки. Ужас как больно было! Бедняжка расстроилась до слёз. А генерал Пинкни... ты знаешь, старик просто чуть с ума не сошёл. Сам помчался вниз в подвал и послал кого-то — кажется, истопника — в аптеку за мазью и бинтами. Сейчас уж не так больно.

— А это что у тебя тут? — спросил Джо, нежно приподымая её забинтованную руку и осторожно потягивая за кончики каких-то белых лохмотьев, торчащих из-под бинта.

— Это такая мягкая штука, на которую кладут мазь, — сказала Дилия. — Господи, Джо, неужели ты продал ещё один этюд? — Она только сейчас заметила на маленьком столике деньги.

— Продал ли я этюд! Спроси об этом нашего друга из Пеории. Он забрал сегодня свою товарную станцию и, кажется, склонён заказать мне ещё пейзаж в парке и вид на Гудзон. В котором часу стряслось с тобой это несчастье, Дили?

— Часов в пять, должно быть, — жалобно сказала Дилия. — Утюг... то есть сыр сняли с плиты примерно в это время. Ты бы посмотрел на генерала Пинкни, Джо, когда он...

— Поди-ка сюда, Дили, — сказал Джо. Он опустился на кушетку, притянул к себе жену и обнял её за плечи.

— Чем это та занималась последние две недели? — спросил он.

Дилия храбро посмотрела мужу в глаза — взглядом, исполненным любви и упрямства, — и забормотала что-то насчёт генерала Пинкни... потом опустила голову, и правда вылилась наружу в бурном потоке слёз.

— Я не могла найти уроков, — призналась Дилия. — И не могла допустить, чтобы ты бросил живопись. Тогда я поступила в эту большую прачечную — знаешь, на Двадцать четвёртой улице — гладить рубашки. А правда, я здорово придумала всё это — насчёт генерала Пинкни и Клементины, — как ты считаешь, Джо? И сегодня, когда одна девушка в прачечной обожгла мне руку утюгом, я всю дорогу домой сочиняла эту историю с гренками. Ты не сердишься, Джо? Ведь если бы я не устроилась на работу, ты бы, может быть, не продал своих этюдов этому господину из Пеории.

— Он, между прочим, не из Пеории, — с расстановкой проговорил Джо.

— Ну, это уж не важно, откуда он. Ты такой молодчина, Джо, и скажи, пожалуйста... нет, поцелуй меня сначала, скажи, пожалуйста, как это ты догадался, что я не даю уроков?

— Я и не догадывался... до последней минуты, — сказал Джо. — И теперь бы не догадался, но сегодня я послал из котельной наверх, в прачечную, лигнин и мазь для какой-то девушки, которой обожгли руку утюгом. Я уже две недели как топлю котёл в этой прачечной.

— Так, значит, ты не...

— Мой покупатель из Пеории — так же, как и твой генерал Пинкни, — всего лишь произведение искусства, которое, кстати, не имеет ничего общего ни с живописью, ни с музыкой.

Оба рассмеялись, и Джо начал:

— Когда любишь Искусство, никакие жертвы... Но Дилия не дала мужу договорить, зажав ему рот рукой.

— Нет, — сказала она. — Просто: когда любишь...

1907

Метки: рассказ, АЯТ, мскусство, О.Генри
22:03 09.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Большой театр

Большой театр, МоскваВ самом центре Москвы на красивой площади расположен главный храм российской культуры – Большой театр. Гордость всей России – Большой театр – является одним из самых значительных в мире театров оперы и балета, стоя в одном ряду с такими «глыбами» как «Ла Скала» в Италии и «Ковент Гарден» в Англии. Словом, переоценить значение Большого театра для России нельзя. Можно лишь с замиранием сердца наслаждаться его бессмертным творчеством и любоваться его великолепным зданием, которое тоже является выдающимся образцом русской архитектуры.

История Большого театра, сколь величественна, столь же и запутана. Взять хотя бы тот факт, что даты рождения у Большого театра две – март 1776-го и январь 1825-го. Вот как это получилось…

Большой театр, МоскваИменно в марте 1776 г., губернский прокурор князь Пётр Васильевич Урусов получил высочайшее соизволение императрицы Екатерины II о содержании театральных представлений, концертов, маскарадов. В связи с чем князь начал строительство театра, который — по месту расположения на площади Петровской — был назван Петровским. Увы, первый русский театр в Москве на Большой Петровской улице сгорел еще до открытия. Это привело в упадок дела князя. Он передал дела своему компаньону, англичанину Михаилу Медоксу. Именно благодаря ему на пустыре, регулярно затопляемом Неглинкой, вопреки всем пожарам и войнам, вырос театр, со временем потерявший свою географическую приставку Петровский и оставшийся в истории просто как Большой театр.

Большой театр, МоскваПетровский театр Медокса простоял 25 лет – в 1805 году здание сгорело (кстати, горело и перестраивалось потом неоднократно). В 1821-1824 г.г. по проекту Михайлова и Бове для Большого театра построено монументальное здание, которым мы любуемся сегодня. На Театральной площади возник исполненный великолепия восьмиколонный театр с колесницей бога Аполлона над портиком – символом вечного движения искусства и жизни. Прекрасное здание в классическом стиле, внутри декорированное в красно-золотые тона, по признанию современников, было лучшим театром в Европе и уступало только миланскому «Ла Скала». Его открытие состоялось в январе 1825 года.

Большой театр, МоскваБольшой театр в Москве — одно из лучших театральных зданий мира. Пятиярусный зрительный зал славится своей величиной, превосходной акустикой. Его украшает золоченая лепнина, росписи на потолке, огромная хрустальная многоярусная люстра. Высота зала — 21 метр, длина — 25 метров, ширина — 26 метров. В нем 2153 места. Перед Большим театром раскинулся сквер с фонтаном.
И все же свое летоисчисление Большой театр начинает с 1776 года. Поэтому в 2006-м широко отмечалось 230-летие Большого театра России.

Большой театр по праву называют гордостью русской культуры. На протяжении всей своей жизни он был центром притяжения лучших сил русского оперного и балетного искусства. На сцене этого театра впервые увидели свет многие выдающиеся творения русских композиторов, его труппу украшают и поныне имена самых прославленных отечественных певцов, танцоров, дирижеров, режиссеров, хореографов. Слава Большого театра давно уже вышла за пределы страны.

Метки: история, москва, искусство, театр, АЯТ
11:11 02.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

От картин на платьях до перформансов на показах Как мода становится искусством

Создание одежды — это в первую очередь работа с цветом, формой и эстетикой. Одежда, как и искусство, может выражать настроение, мироощущение и другие абстрактные мысли и идеи. Дизайнеры живут в тех же больших городах, читают те же книги, посещают музеи и выставки, толкаются на вечеринках, смотрят кино. На одежду они переносят свои впечатления и отношение к происходящему. А благодаря новым технологиям пошива, окрашивания, вытачивания и моделирования они могут выражать идеи с помощью любых фактур и форм. Сегодня недели моды — главный смотр достижений индустрии — можно воспринимать как своего рода медиа, только образы и отсылки здесь приходится угадывать и додумывать. Мы, вместе с петербургским ТРЦ «Галерея», где с 3 по 6 ноября пройдет фестиваль Art of Fashion, разобралась, как тесно оказываются переплетены искусство и мода.

Мода и изобразительное искусство

Переносить картины на одежду одними из первых пробовали модельер Эльза Скиапарелли и художник Сальвадор Дали. Они были близкими друзьями и вместе продвигали новаторские идеи сюрреализма. Одним из результатов их дружбы стала коллекция Schiaparelli 1937 года с украшениями, созданными по эскизам Дали, и платье в пол с красным поясом и рисунком омара на юбке. Другим знаковым сплавом моды и живописи стала коллекция коктейльных платьев с графичными рисунками Мондриана, созданная Ив Сен-Лораном в 1965 году. Эти образы до сих пор остаются важными символами эпохи 60-х.

Luke MacGregor / Alamy / Vida Press

Впоследствии дизайнеры все чаще и чаще вдохновлялись искусством. Так, например, на платьях Valentino угадываются части полотен Босха, сумки Louis Vuitton то пестрят горохом Яёи Кусамы, то полотнами Рубенса и Ван Гога в переложении Джеффа Кунса, на шарфах Alexander McQueen появляются черепа Дэмиена Херста, а платья Celine предстают репродукциями Ива Кляйна.

Узнать о сложностях перенесения картин на ткань можно из документального фильма «Dior и я», который рассказывает историю работы Рафа Симонса над первой кутюрной коллекцией Christian Dior: для платьев классического силуэта французского дома креативный директор использовал принт с картин Руби Стерлинга. Эту картину можно посмотреть на фестивале Art of Fashion 6 ноября. Также в рамках фестиваля покажут «Первый понедельник мая» — фильм о закулисье Met Gala под руководством Анны Винтур, «Глаз должен путешествовать» — байопик культового обозревателя моды Дианы Вриланд и несколько лент с Берлинского фестиваля модного кино.

Мода и перформанс

Перенесением живописных образов на одежду дело не ограничивается. Многие дизайнеры вдохновляются и другими формами искусства. Так, в 1999 году Александр МакКуин выпустил на показ модель в белом платье. Она встала на крутящуюся стойку, а два робота распыляли на платье краску, превращая его в арт-объект. В 2012 году звезда перформанс-арта Марина Абрамович поучаствовала в рекламной кампании Givenchy, а в 2015-м срежиссировала весенне-летний показ модного дома. В 2017 году Moncler вместе с фотографом Энни Лейбовиц объединились с китайским перформансистом Лю Болином: для рекламной кампании «Скрываясь в городе» он загримировался так, что полностью сливался с окружающей средой.

Другой интересный пример переосмысления фотоискусства и перформанса показал один из главных моторов современной моды Демна Гвасалия в коллекции Vetements осень-зима 2017. Он выпустил на показ моделей в стереотипных образах: дама преклонного возраста в норковой шубе, классический панк, мужчина, напоминающий охранника в кожаной куртке, европейский турист с сумкой на поясе, работница банка в твидовом костюме. Как выяснилось позже, Демна использовал образы, показанные на выставке «Exactitudes» фотографа Ари Верслуиса и социолога Элли Эйттенбрук, посвященной стереотипам.

Узнать больше о том, что такое фэшн-перформанс, можно будет в ТРЦ «Галерея», где стилист Владимир Бордок представит шесть модных шоу, посвященных главным трендам предстоящего сезона. Все подиумные образы будут собраны из популярных марок одежды и аксессуаров из ТРЦ «Галерея». Там же будут расположены корнеры-витрины четырех авангардных российских дизайнеров-перформансистов: Turbo Yulia, Roma Ermakov, Venera Kazarova, Varenye Organizm. А еще на фестивале выступит с речью о взаимопроникновении моды и искусства Стас Башкатов (комьюнити Sila Sveta).

Мода и политика

Модные дизайнеры, как и современные художники, остро реагируют на политические события в мире. Вместо того чтобы устраивать перформансы и инсталляции, некоторые из них выражают свою позицию в одежде. Так, выпускники английского колледжа дизайна Central Saint Martins все как один в сентябре 2016 года на своих показах в рамках Лондонской недели моды представили коллекции, посвященные «Брекзиту», рассказав о своем отношении к выходу Великобритании из Евросоюза. А после победы Дональда Трампа на президентских выборах в США и его первых заявлений многие дизайнеры выразили протест новому президенту. Раф Симонс, который работает с Calvin Klein и живет в Америке всего год, провел показ под песню Дэвида Боуи «This is not America». Молодая марка Public School выпустила моделей в свитшотах с надписью «We need leaders» и в красных бейсболках «Make America New York», которые отсылали к агитационным кепкам команды Трампа.

Mark reinstein / Alamy / Vida Press

Не жалуют дизайнеры и новоиспеченную первую леди — Меланию Трамп. Марк Джейкобс, Дерек Лам и Том Форд категорично высказывались о том, что она «настолько прекрасна сама по себе, что может обойтись и без их платьев». Пример с другой стороны океана: в Великобритании дизайнеры уважительно относятся к премьер-министру Терезе Мэй. И она отвечает им взаимностью: носит лишь работы подданных Соединенного Королевства — Anya Hindmarch, Vivienne Westwood, Russell & Bromley, L. K. Bennett. Среди российских политиков громких удачных примеров отношения с модой еще слишком мало (если не считать блестящие ботинки Jimmy Choo Дмитрия Медведева и брюки Loro Piana Владимира Путина), но, возможно, молодое поколение привнесет в эту сферу чуть больше стиля и актуальных тенденций.

Мода и лозунги

Самый простой (и лобовой) модный способ выразить свое мнение по любому волнующему вопросу — написать его на футболке или другой вещи. Дизайнеры одежды переняли этот метод у художников-концептуалистов. Когда в 2016 году Мария Грация Кьюри стала первой в истории женщиной, возглавившей Сhristian Dior — один из самых известных французских домов моды, на ее дебютном показе модели вышли в футболках с надписью «We should all be feminist». Британский дизайнер с индийскими корнями Ашиш Гупта посещает свою родину примерно раз в полгода и выпускает лонгсливы с надписью «Immigrant», тем самым призывая не стесняться своего статуса. 18-летний дизайнер Кайла Робинсон выпускает футболки с надписью «Why be racist, sexist, homophobic or transphobic when you could just be quiet?», прославленные рэпером Фрэнком Оушеном. А последний показ Прабала Гурунга закрывали модели в футболках «Girls just want to have fundamental rights» и «This is what a feminist looks like».

CAMERA PRESS / Vida Press
Russell Hart / Alamy / Vida Press

Мода и кино

Кино и мода бесконечно связаны, еще с эпохи золотого века Голливуда: шубы, бриллианты, черное платье Одри Хэпберн в фильме «Завтрак у Тиффани» и розовый бант на спине Мэрилин Монро — примеров, когда стиль с экрана описывает целую эпоху, очень много. Знаменитые дома моды настолько любят киноиндустрию, что порой непонятно, кто кем вдохновлялся. Когда в 2015 году вышел новый «Безумный Макс», Риккардо Тиши выпустил кожаные ботфорты и жилетки в Givenchy. Дэвид Линч объявил о перезапуске «Твин Пикса» — Умберто Леон и Кэрол Лим выпустили коллекцию Kenzo с зигзагами в красно-зеленых тонах. Влияние Уэса Андерсона на жизнь и мировоззрение Алессандро Микеле можно проследить по коллекциям Gucci последних двух лет. Да что уж говорить, летом 2017 года Николя Жескьер на одной из футболок Louis Vuitton предложил покупателям вспомнить сериал «Очень странные дела».

Andreea Angelescu / Vida Press

Кино не только вдохновляет дизайнеров, они все чаще используют видеоарт для показов и в рекламных кампаниях. Порой невозможно отличить промо модного бренда от артхаусной короткометражки. Так, Дэвид Линч снял Марион Котийяр в триллере про сумку Dior «Lady Blue Shanghai», Стивен Мейзел прорекламировал осеннюю коллекцию Lanvin, Ник Найт создавал ролики для Александра МакКуина, а Кеннет Энгер — для Missoni.

Увидеть своими глазами, как видеоарт взаимодействует с модой, можно в ТРЦ «Галерея» на фестивале Art of Fashion, который пройдет в Петербурге с 3 по 6 ноября. Организаторы обещают внушительные арт-декорации, интерактивные инсталляции в стиле поп-арт. Попасть на фестиваль можно бесплатно, — для этого нужно только зарегистрироваться.

Метки: одежда, искусство, мода, АЯТ, процесс создания нарядов
10:41 02.11.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Светильники из пластиковых бутылок от Вероники Рихтеровой

Чешская художница Вероника Рихтерова (Veronika Richterov?) выгодно использует практически не разрушаемую природу ПЭТ-бутылок. Обрезая, скручивая и нагревая пластиковые ёмкости от напитков, она формирует долговечные скульптуры, которые визуально похожи на стеклянные. Это сходство вдохновило её на серию ПЭТ-светильников, проект, состоящий из полностью функционирующих осветительных приборов в форме люстр и ламп.


Для защиты этих термочувствительных скульптур художница использует кабели и лампочки, которые нагреваются минимально. Несколько пластиковых люстр Рихтеровой включены в экспозицию художественной выставки Eden Unearthed, которая пройдёт в феврале 2018 года в Сиднее.












Метки: бутылки, светильники, мастерство, АЯТ, выдумка
13:13 18.10.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Беспредметная живопись.Художник Кандинский

Форма без содержания подобна не руке, но пустой перчатке, заполненной воздухом, утверждал Кандинский. Его «Композиция VI» — история о преодолении хаоса

001696-0.jpg
Нажмите для увеличения

Картина «Композиция VI»
Холст, масло 195×300 см
1913 год
Ныне хранится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге

К беспредметной живописи Василия Кандинского, как он сам рассказывал, привел случай. Однажды вечером в Мюнхене, вернувшись с пленэра в мастерскую, художник увидел там незнакомую «неописуемо прекрасную, пропитанную внутренним горением картину». «Сначала я поразился, но сейчас же скорым шагом приблизился к этой загадочной картине, совершенно непонятной по внешнему содержанию и состоявшей исключительно из красочных пятен. И ключ к загадке был найден: это была моя собственная картина, прислоненная к стене и стоявшая на боку...»

Беспредметная, однако, не значит безыдейная. В тревожной атмосфере накануне Первой мировой войны художник обращался к библейским сюжетам о конце мира. Замысел «Композиции VI» появился, когда он написал на стекле картину на тему Всемирного потопа — звери, люди, пальмы, ковчег и буйство водной стихии. То, что получилось, Кандинский решил доработать и превратить в большое полотно маслом. В «Композиции VI» не только изображения стали абстрактными, но и идея — более общей: обновление мира через разрушение. Кандинский пояснял: «Грандиозная, объективно совершающаяся катастрофа есть в то же время абсолютная и обладающая самостоятельным звучанием горячая хвалебная песнь, подобная гимну нового творения, которое следует за гибелью мира».

001696-1.jpg

1 Волны. Извилистые линии, в которые превратились воды, затапливающие мир, создают ощущение хаоса, разгула стихии.

001696-2.jpg

2 Розовое пятно. Это, как писал сам Кандинский, один из трех центров композиции — «нежный», «со слабыми, неопределенными линиями». На исходной картине на этом месте находился холм с женщиной и животным, пытающимися спастись. Розовый в понимании Кандинского — цвет телесности.

001696-3.jpg

3 Сине-красное пятно. Хаос на картине мнимый: продумывая композицию, художник уравновешивал основные элементы. Рядом с аморфным розовым — второй центр, по словам Кандинского, «грубый», «с резкими, отчасти недобрыми, сильными, очень точными линиями» и диссонансом холодного и теплого цветов.

001696-4.jpg

4 Бело-розовое пятно — центральный элемент картины. Живописец пояснял, что клубящиеся мазки должны создавать ощущение пространственной неопределенности. «Положением главного центра — „где-то“ — определяется внутреннее звучание всей картины», — писал художник.

001696-5.jpg

5 «Лодка». Образ лодки с похожими очертаниями неоднократно встречается на картинах Кандинского. Исследователь творчества художника Хайо Дюхтинг полагал, что это символ стремления вперед.

001696-6-1.jpg 001696-6-2.jpg

6 Параллельные линии. В них превратились струи дождя с исходной картины. Художник использовал противостояние горизонтальных и вертикальных линий, чтобы придать композиции драматичность.

001696-7.jpg

7 Розовые пятна. «Чтобы... скрыть слишком назойливо звучащий драматический элемент (надеть ему намордник), я позволил разыграться в картине целой фуге розовых пятен различных оттенков», — отмечал Кандинский.

001696-8.jpg

8 Коричневый. Как выразился художник, «глубокие коричневые формы... вносят уплотненную и абстрактно звучащую ноту, которая напоминает об элементе безнадежности». В трактате «О духовном в искусстве» он характеризовал коричневый цвет как «тупой, жесткий, мало склонный к движению», но при этом способный удачно сдерживать динамику остальных красок.

001696-9.jpg

9 Желтые и зеленые пятна, согласно комментарию к картине самого Кандинского, «оживляют это душевное состояние, придавая ему недостающую активность». Рассуждая о цветах, Кандинский описывал желтый как «типично земной» цвет и при этом самый яркий.

Художник
Василий Васильевич Кандинский

Метки: живопись, АЯТ, виды живописи, Кандинский
16:23 08.10.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Сиднейский оперный театр в Австралии

О самом известном сооружении Австралии – Сиднейском оперном театре, существуют довольно-таки противоречивые мнения. Одни считают его великолепным памятником застывшей мелодии. Других смущает удивительной формы крыша этого сооружения: кому-то она напоминает огромные раковины, кому-то – раздутые ветром паруса Галеона, кто-то ассоциирует их с ушами, прислушивающихся к пению ангелов, а ещё существует мнение, что театр Сиднея очень уж похож на выброшенного на сушу белого кита. Словом, сколько людей, столько и мнений, но ни у кого не вызывает сомнения факт, что оперный театр Сиднея является рукотворным символом Австралии

Символ застывшей музыки

Находится это удивительное здание в Сиднее, самом крупном городе Австралии, в гавани Беннелонг-Пойнт (на карте его можно отыскать по следующим координатам: 33° 51′ 24.51″ ю. ш., 151° 12′ 54.95″ в. д.).

Мировую известность оперный театр в Сиднее приобрёл прежде всего благодаря своей крыше, сделанной в форме расположенных друг за другом парусов (ракушек) разных размеров, которые делают его непохожим ни на один театр во всем мире.

Фасад оперы получился до того интересным, необычным, а потому – узнаваемым, что считается одним из наиболее выдающихся зданий современной архитектуры, которое вот уже несколько лет как занесено в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Творец этого уникального здания, Йорн Уотсон,

является единственным человеком в мире, чью работу эта организация признала ещё при его жизни (умер он через год после этого события, в 2008 году).

Оперный театр в Австралии прежде всего необычен тем, что в отличие от других сооружений подобного типа, выполненных в классическом стиле, являет собой яркий образец экспрессионизма, демонстрирующий новый взгляд на архитектуру.

Сиднейский оперный театр с трёх сторон окружен водой, а сам возведён на сваях.

Площадь театра огромная и составляет 22 тыс. м2: длина его – 185 м, ширина – 120 м, а в самом здании находится огромное количество помещений, среди которых несколько театральных залов, множество мелких студий и театральных помостов, а также рестораны, бары и магазины, где любой желающий может купить себе на память сувенир о посещении театра.

Основными помещениями являются четыре зала:

Концертный зал – самое большое помещение театра, способное вместить 2679 зрителей. Именно здесь установлен самый большой в мире орган: состоит он из 10 тыс. труб;

Оперный театр – в этом зале помещается 1507 зрителей, а на его сцене можно увидеть не только оперу, но и балет; Драматический театр – рассчитан на 544 человека; Малая драматическая сцена – рассчитана на 398 человек и считается самым уютным помещением оперы. Крыша из парусов Самой примечательной частью здания, благодаря которой театр оперы в Сиднее стал одним из наиболее интересных театров в мире, является его крыша, сделанная в форме расположенных друг за другом раковин или парусов. Кровля, высота которой составляет 67 м, а диаметр – 150 м, состоит более чем из 2 тыс. секций, а весит около 30 тонн.

Конструкция закреплена с помощью металлических тросов, общая протяжённость которых составляет 350 км. Две основные раковины находятся над двумя самыми большими залами оперы. Другие паруса расположены над меньшими помещениями, а под самым маленьким расположен один из ресторанов.

Сверху раковины механическим способом покрыты белыми полированными и кремовыми матовыми плитками, благодаря чему поверхность получилась абсолютно гладкой – эффект, которого вряд ли бы добились, укладывая её вручную.

Интересный факт:

несмотря на то что издали может показаться, будто кровля покрашена в белый цвет, в зависимости от освещения, она постоянно изменяет свой оттенок.

Такая структура кровли выглядит очень красиво и оригинально, но при строительстве из-за неравномерной высоты крыши, внутри здания возникли проблемы с акустикой, и чтобы решить недостаток пришлось отдельно сделать звукоотражающий потолок.

Для этого были изготовлены специальные желоба, способные исполнять одновременно практическую и эстетическую функции: отражать звук и привлекать внимание к аркам, расположенных над передней частью сцены (длина наибольшего желоба составляет около 42 метров).

Интересный факт:

возвести в Сиднее оперный театр была идеей британца сэра Юджина Гуссенса, который прибыл в Австралию в качестве дирижёра для записи концерта на радио.

Можно только представить себе его удивление, когда он обнаружил, что в Сиднее нет театра оперы.

В городе также отсутствовали сооружения, рассчитанные на большую аудиторию, в которых сиднейцы могли бы прийти послушать музыку.

Поэтому решение сделать всё для того, чтобы возвести театр, в котором зрители будут иметь возможность ознакомиться как с классическими, так и последними музыкальными произведениями, было им принято незамедлительно.

Он сразу занялся поисками подходящего места для строительства – им оказался скалистый мыс Беннелонг Пойнт, возле которого была расположена набережная, являющаяся ключевым узлом, поскольку местные жители с паромов пересаживались на поезда или автобусы. Подыскав подходящее место (здесь в то время находилось трамвайное депо, которое впоследствии снесли), Гуссенс провёл соответствующую кампанию и, заразив своей идеей немало влиятельных людей Сиднея, добился того, чтобы правительство разрешило строительство Оперного театра. Власти сразу же объявили международный конкурс на лучший проект. И тут дело застопорилось: у Гуссенса появились враги. После одной из международных поездок таможенники обнаружили предметы «черной мессы», оштрафовали, уволили с работы – и он вынужден был покинуть Австралию, несмотря на все уверения, что вещи ему не принадлежат.

Конкурс

На конкурс было прислано более двухсот работ со всех уголков планеты. Ещё одним важным моментом являлось то, что Гуссенс не только успел отобрать квалифицированную комиссию, но и дал характеристику конкурсного проекта. Проект должен был предусматривать два зала – один для более крупных, второй – для мелких постановок.

В здании обязательно должны были быть помещения, где можно было бы проводить репетиции, хранить реквизиты, а также отведено место для ресторанов. Задача усложнялась тем, что площадь, на которой планировалось возвести сооружение, имела довольно ограниченные размеры, поскольку с трёх сторон была окружена водой.

Поэтому большинство проектов было отклонено по одной простой причине: выглядели они слишком громоздко, а фасад здания – угнетающе. И только одна работа привлекла внимание членов жюри, заставляя их раз за разом возвращаться к проекту: на эскизе театры были поставлены вплотную друг к другу, проблема громоздкости оказалась снята благодаря акцентированию внимания на белой крыше в виде парусов, а декорации и театральные реквизиты автор предлагал хранить в специальных углублениях, решив, таким образом, проблему кулис. Автором работы оказался датчанин Йорн Уотсон (подобных оригинальных проектов у этого архитектора было много, но этот оказался одним из немногих, который был осуществлён). Несмотря на то что представленный им проект являлся эскизом, стоимость работ была оценена в 7 млн. австрал. Долларов, что являлось приемлемой ценой. Деньги на начало строительства были собраны при помощи лотереи.

Тогда как проект оказался одобрен, было очевидно, что над ним следует ещё хорошо поработать (некоторые вопросы не решены и поныне).

Основная проблема состояла в том, как сделать нестандартной формы крышу, тем более что подобного опыта в мире на данный момент не существовало. Этот вопрос Уотсон решил путём придания каждой раковине форму треугольника, собрав её для этого из меньших треугольников изогнутой формы, покрытых плиткой механическим способом при изготовлении. После этого паруса были установлены на бетонные нервюры (рёбра каркаса), расположенные по кругу – это дало возможность крыше получить законченный и гармоничный вид. Эта форма породила проблемы с акустикой зала, которую архитектору хоть и удалось впоследствии решить, но потянула она за собой немалые финансовые траты (например, поскольку новый свод оказался значительно тяжелее предыдущего, пришлось взрывать уже сделанный фундамент и начать возводить более крепкий и прочный).

Вместо предполагаемых 7 млн. австрал. дол. строительство обошлось в 102 миллиона. Строительство шло очень медленным темпом, что не могло не обратить на себя внимания местных депутатов и противников архитектора. Потрясающие 7 чудес света древнего мира 396955 А после того как партия лейбористов, поддерживающая строительство, потеряла поддержку населения и к власти пришла оппозиция, деньги, вырученные за лотерею, сначала заморозили (благо, предлог имелся), а потом и вовсе пустили на строительство дорог и больниц, заставив Уотсона в 1966 году бросить работу и покинуть Сидней навсегда.

После этого главным архитектором был назначен Холл, которому хоть и удалось окончить строительство в 1973 году, но по мнению многих специалистов, проводимые им работы значительно испортили вид здания, а интерьер оказался непримечательным (интересный факт, во время подготовки Олимпиады в Австралии в 2000 году, австралийцы предложили Уотсону вернуться и закончить работы над оперой, согласившись сделать всё, что он скажет, но тот отказался).

Вот так и получилось, что Сиднейский оперный театр, являющийся одной из самых великолепных построек нашего времени, которую упоминают наряду с Тадж-Махалом и другими чудесами света, внешне хоть и выглядит великолепно, но внутри ничем особым не отличается. Правда, это не помешало зданию взять участие в конкурсе на звание одного из семи чудес света и хоть и не войти в призёры, оказаться среди основных претендентов.


Метки: Австралия, театр, архитектура, АЯТ
12:34 05.10.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Культурное кино: топ-5 красивых фильмов об искусстве


Весь мир отмечает День культуры. В переводе с санскритского «культура» означает «почитание света». Основная задача праздника — широкий призыв к красоте и знанию.

Культура – важнейшая часть человеческой жизни. Миллионы лет люди творили и возводили уникальные памятники культуры. А благодаря искусству кинематографа, сегодня каждый из нас может увидеть эти великие произведения, не вставая с дивана.

Хотите прямо сейчас посмотреть самые красивые ленты о шедеврах мирового искусства и творчестве великих мастеров? В честь замечательного праздника мы подобрали лучшие документальные фильмы о выдающихся достижениях культуры.

Свет и тень. Загадка Караваджо (Италия, 2012)

Удивительно зрелищную картину о гениальном художнике сняли Ришар Бланшар и Марко Визальберги. История жизни итальянского мастера Караваджо полна тайн и загадок. Он подарил миру великие произведения искусства, но его постигла участь изгнанника. Художник, которого обвинили в убийстве, успел познать вкус успеха, оказаться в забвении и вновь достичь мирового признания.

Увлекательные биографии и истории созданий любимых фильмов читайте в разделе «Киномир».

При жизни Караваджо не раскрыл своих приемов, с помощью которых создавал свои революционные полотна. Современные историки, ученые и искусствоведы попытались заглянуть за завесу великой тайны света и тени работ художника. Как создавал композиции и первые наброски великий мастер? И какие тайны хранит мастерская гения?


Фото: Мудрац Александра,ТАСС

Главную роль в документальной картине исполнил Лука Лионелло. Итальянский актер знаком зрителям по фильму «Страсти Христовы» (2004), в котором он сыграл Иуду. За эту работу Лука был награжден «Серебряной лентой» Синдиката итальянских киножурналистов.

Эрмитаж: Путешествие во времени и пространстве (Россия, 2004)

Документальную ленту об одном из крупнейших музеев мира снял Владимир Птащенко. В 2005 году фильм стал номинантом на кинофестивале в Монреале FIFA. Кроме того, эту картину приобрел Монреальский музей Изящных искусств. А губернатор Санкт-Петербурга назвал работу режиссера лучшим презентационным фильмом 2005 году.

Эрмитаж – это место, где история русского искусства сливается с мировой культурой. Здесь собраны великие произведения талантливых художников. Бесконечные коридоры музея открывают посетителям новые и уникальные творения мастеров. Кто же построил эту обитель культуры? Как пополнялась коллекция Эрмитажа неповторимыми шедеврами?

Музыкальным сопровождением ленты стали записи российского камерного оркестра «Санкт-Петербург Камерата». В 1997 году оркестр стал базовым коллективом Эрмитажной Академии музыки.

Банки Салливана (Германия, 2000)

Идея создания картины о творениях знаменитого архитектора принадлежит Хайнцу Эмигхольцу. Как и во всех работах режиссера, в этой ленте нет ни музыкального сопровождения, ни закадрового текста. Фильм органично дополняют естественные звуки шумного города. Хайнц передает в кадре неповторимую красоту зданий, стараясь как можно полнее раскрыть публике самые сложные задумки архитектора.

Свой документальный фильм режиссер посвятил Луису Генри Салливану. Известного американского архитектора называют «отцом модернизма». Именно он возвел один из первых небоскребов и произнес знаменитую фразу: «форму в архитектуре рождает функция». В ленте зрители могут увидеть восемь уникальных строений, которые стали разными банковскими учреждениями. Эти здания стали последними детищами талантливого архитектора, созданными на закате его карьеры.

Как Луису Генри Салливану удалось превратить обычные банковские постройки в произведения искусства? И что пытался донести автор людям своими росписями на стенах? Посмотрите, как на ваших экранах разворачивается настоящая революция в истории архитектуры.

Бомба (США, 2007)

Создателем фильма о самом противоречивом виде современного искусства выступил Джон Рейсс. Чтобы снять картину об уличных граффити, режиссер встречался с молодыми художниками, работающими в этом жанре. Джон также использовал в своей ленте кадры скрытой видеосъемки, которые отражают, в каких условиях приходится порой работать талантливым творцам.

Граффити – один из самых скандальных видов арт-направлений. Художники без колебаний разрушают границы между улицами и выставочными залами. Их работы – достояние общественности, они доступны каждому похожему. Десятки уличных райтеров готовы рассказать всему миру о своем увлечении и о том, как им удается преображать дворы в неповторимые живописные шедевры.

Как искусство наскальной живописи первобытных предков превратилось в новое направление граффити? Что может объединить творцов всех рас и представителей всех этнических групп? Почему скандальное движение так стремительно набирает популярность сегодня? На эти и многие другие вопросы вы узнаете ответы из первых уст.

Пепел и снег (США, 2005)

Фильм канадского художника Грегори Кольбера – сам по себе является произведением киноискусства. Необычная выставка-инсталляция собрала уникальные фотографии и видеокадры. Работа Кольбера раскрывает общее стремление человека и животного к прекрасному. Лента снята в жанре документальный арт и является одним из величайших произведений человеческого гения.

Ради создания этой картины художник более 14 лет провел в экспедициях по Африке, Индии, Египту и Антарктике. Автор показал зрителям свыше 50 монументальных фотографий и три киноинсталляции. Для фильма Кольбер использовал энкаустический метод – перенос восковых красок на японскую бумагу ручной работы.

Удивительно, но ни в одном кадре режиссер не использует фотоколлаж или наложение одного снимка на другой. Киты, слоны, ламантины и другие животные органично смотрятся вместе с аборигенами, представителями племен из разных концов света. Картина «Пепел и снег» — уникальная возможность увидеть самые удаленные уголки нашей планеты, послушать голоса животных и стать свидетелем того, как мир людей сливается в единое целое с природой.

Метки: кино, фильмы, искусство, АЯТ
16:47 22.09.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Необычные формы современного искусства

Современные художники порой используют очень необычные способы



Спасибо, объявление скрыто.
© www.goodmood-gm.com
© www.goodmood-gm.com

Искусство существует почти так же долго, как и люди. Но древние художники, занимающиеся наскальной живописью, вряд ли могли себе представить, какие странные формы может принимать искусство современное.

1. Анаморфоз

Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.

На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.

А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.

© blog.thomasjquinn.com
© blog.thomasjquinn.com
© blog.thomasjquinn.com
© www.rebloggy.com
© www.rebloggy.com
© www.rebloggy.com
© www.rebloggy.com
© www.josephegan.co.uk
© www.josephegan.co.uk
© www.josephegan.co.uk
© www.josephegan.co.uk

2. Фотореализм

© Richard Estes
© Richard Estes

Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».

© Richard Estes
© Richard Estes

Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.

© Richard Estes
© Richard Estes

К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.

© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Chuck Close
© Chuck Close
© Chuck Close
© Chuck Close
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson

Метки: современное искусство, АЯТ
23:05 21.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Под "Моной Лизой" нашли скрытый портрет

Французский ученый Паскаль Конте утверждает, что картина Леонардо да Винчи "Мона Лиза" имеет несколько слоев, и под общеизвестным портретом он нашел изображение настоящей Лизы Герардини.

Под «Моной Лизой» нашли скрытый портрет



Как сообщает BBC News, сотрудники Лувра, где хранится картина, пока отказываются комментировать заявление исследователя. Паскаль Конте более десяти лет занимается изучением "Моны Лизы" при помощи изобретенного им "метода усиления слоев". "Технология позволяет нам видеть то, что находится под слоями краски, и "чистить" картину, как луковицу. Мы также можем восстановить хронологию создания картины", — сказал Конте.

Портрет, находящийся под внешним слоем "Моны Лизы", изображает другую женщину, смотрящую немного вбок и без знаменитой улыбки Джоконды. Профессор истории искусства Оксфордского университета Мартин Кемп оспорил утверждение Конте о том, что скрытый портрет — это и есть подлинное изображение Лизы Герардини.

Другой британский историк искусства, Эндрю Грэхэм-Диксон поддержал французского исследователя. "Несомненно, это одно из величайших открытий века. Конечно, многие будут возражать и сопротивляться, ведь название картины придется поменять. Мы говорим: "до свидания, Мона Лиза", это портрет кого-то другого", — заявил историк.

По словам Конте, под скрытым портретом он видит как минимум еще два слоя изображения: контур женского портрета с более крупной головой и руками и картину, на которой различима женщина в перламутровом головном уборе.

Полное название "Моны Лизы", или "Джоконды" — "Портрет госпожи Лизы Джокондо". Картина написана Леонардо да Винчи в 1503-1505 годах. Принято считать, что на полотне изображена супруга торговца шелком из Флоренции Лиза Герардини. Этот портрет — одно из самых известных произведений итальянского живописца и ученого.

Метки: искусство, Мона Лиза, Гипотеза, АЯТ
14:56 18.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Одна русская муза для Матисса

Две русские женщины потрясли творческую историю Анри Матисса. Про Лидию Делекторскую знают все, потому что она оставалась с Матиссом до самой смерти. Про нее писали много, да и она сама выпустила про Матисса книжку. А вот про Елену Голицину все уже почти забыли, хотя Матисс работал с ней почти десять лет и и "голицинские" картины вошли в число лучших матиссовских полотен.
Матисс любил писать Елену в разных костюмах. В 30х годах художник увлекался яркими одеждами, даже специально ходил на распродажи за покупками, а у него в мастерской отдельная комната была отведена под костюмерную.
Брюнетке Елене как нельзя лучше подходила полоска.
Поэтому Матисс часто наряжал ее в полосатые восточные халаты.
Потому что полоска как бы отражала графичность ее лица.
Полоска это и лаконичный способ передать объем.
Еще Матисс писал Елену и в других экзотических нарядах,
https://img-fotki.yandex.ru/get/124786/380622830.f/0_15476e_5ebf0576_orig.jpg и в платьях от знаменитых кутюрье. +
https://img-fotki.yandex.ru/get/102548/380622830.e/0_154762_5ce88ec7_orig.jpg Но только в своих эскизах художник отразил молодость своей модели (Елена стала позировать Матиссу в 18 лет).
https://img-fotki.yandex.ru/get/128901/380622830.e/0_154760_20d79dab_orig.jpg Фотографий Елены в сети немного.
https://img-fotki.yandex.ru/get/169451/380622830.f/0_15476f_d650996d_L.png Недавно на аукционе Сотби'с портрет Елены был продан примерно за 10 млн евро.
https://img-fotki.yandex.ru/get/194778/380622830.e/0_154759_d8598f5e_orig.jpg + Елена служила моделью и для патриотической картины "Королевский табак". Полотно написано в 1943 г. во время войны, в приглушенной контрастной гамме с диссонансными нотами, передающей напряженность этого тяжелого времени. Основные цвета — это французский триколор. И для нас, русских, лестно, что именно Елена изображена в белом.
https://img-fotki.yandex.ru/get/28256/380622830.e/0_154761_1e4a6867_orig.jpg Елена Голицина запечатлена и на одной из самых знаменитых шедевров Матисса, "Читающая женщина на черном фоне" (1939).
https://img-fotki.yandex.ru/get/142729/380622830.e/0_154763_2a4faa36_orig.jpg В ней интересен прием, которым создается эффект объемности изображения при том, что здесь используются несмешанные цвета, рактически без оттенков.
https://img-fotki.yandex.ru/get/169451/380622830.e/0_154755_4e3a0a69_orig.jpg Елену Голитцыну к Матиссу привела Делекторская. Вот она на этой картине, написанной за несколько дней до предыдущей.
https://img-fotki.yandex.ru/get/110545/380622830.e/0_15476a_456c23be_orig.jpg Художник часто просил Лидию и Елену позировать вместе – ему нравился контраст, который создавался между светло-русой Лидией и совсем непохожей на неё темноволосой Еленой Голицыной. "Девушки в желтом и в платье арлекин".
https://img-fotki.yandex.ru/get/166616/380622830.f/0_154844_801be1e6_orig.jpg "Девушки в желтом и в платье из шотландки ".
https://img-fotki.yandex.ru/get/169451/380622830.e/0_154764_6e404db2_orig.jpg Неоспоримым шедевром этого модельного дуэта является монументальная в своей лаконичности картина "Музыка" (1939). Именно во время работы над "Музыкой", Матисс признал, что его модели влияют на его творческий процесс, и здесь его привлекало не столько изображение самих моделей, сколько их особенности"..
https://img-fotki.yandex.ru/get/198569/380622830.e/0_154757_fa6cf0cd_orig.jpg Недавно на аукционе в Монако за 4 млн евро ушел еще один парный портрет русских муз Матисса, "Две девушки и собака".
Узнаете, где здесь Лида, а где Лена??

Метки: АЯТ, Матисс, муза художника
13:28 18.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Я ВЫСТЕЛЮ ТЕБЕ ДОРОГУ В ОСЕНЬ...

Анри Жан Гийом Мартэн
Я выстелю тебе дорогу в Осень,
Багряною и жёлтою листвою,
И в небо синее слегка добавлю проседь
, И птиц на юг пущу над головою.
Знакомая, не правда ли, картина?
Такие дни сейчас нас окружают,
А мы с тобой ещё не понимаем,
Что значит — в воздухе летает паутина.
И даже песни стали мелодичней,
И пробивает на слезу опять невольно
, Всё хорошо, и даже всё отлично,
Но отчего-то сердцу снова больно...
Как будто жизнь уходит постепенно,
И... даже не "как будто" — так и есть,
В плену у Осени воспоминанья тленны,
И это — лету за беспечность месть.
И листик золотой на тёмной луже,
Какой контраст! И золото и грязь!
Миг праздника — и ты уже не нужен,
И так уходишь, даже не простясь...
Я покажу тебе дорогу в Осень.
В ней — целый мир! Не бойся, покорись.
Ведь даже в проседи порой мелькает просинь,
И сквозь дожди — мы продолжаем жизнь.
(Оксана Панкова)
***
***
***
***
***
***
Метки: осень, стихи, живопись, искусство, картины, АЯТ
05:36 17.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Ах, эта дамская шляпка...

Mariano Alonso Peréz Перья, цветы, кружева, широкие поля и атласные ленты – каждая шляпка неповторима в своем очаровании! Henri Gervex
Посещение шляпного салона всегда было событием для модниц. Fritz Schnitzler "Vor dem Hutladen"
А примерка шляп напоминала театральное действо — спина выпрямлялась.... Albert Rosenthal "The Milliner's Shop"
Движения рук приобретали грациозность... Jean-Louis Forain "The Milliner’s Shop"
А взгляд становился надменно – загадочным.... John LaGatta
Victor Tischler "Der neue Hut?"
Neysa Moran Mcmein
Marie Louise Catherine Breslau "Les Modistes"
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas
Edgar Degas

Метки: искусство, ШЛЯПЫ, АЯТ
17:56 16.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Кто такая Мона Лиза (Джоконда)?

Итальянские ученые пришли к выводу, что за спиной Моны Лизы на легендарном полотне Леонардо да Винчиизображен не абстрактный, а вполне конкретный пейзаж, сообщает РИА "Новости" со ссылкой на британскую газету Daily Telegraph. Это, как утверждает исследовательница Карла Глори, чьи доводы приводит газета, окрестности городка Боббио на севере Италии.

Поэтому, развивает свою мысль Карла Глори, если место действия — не центр Италии, как ученые полагали прежде, исходя из того, что Леонардо начал работу над полотном в 1503-1504 годах во Флоренции, а север, значит, его модель — не жена купца Лиза дель Джокондо, а дочь миланского герцога Бьянка Джованна Сфорца.

Ее отец, Лодовико Сфорца, был одним из главных заказчиков Леонардо и известным меценатом.

Глори считает, что художник и изобретатель гостил у него только в Милане, но и в Боббио — городке со знаменитой в те времена библиотекой, также подвластном миланским правителям.

К своим выводам Глори пришла после того, как журналист, писатель, первооткрыватель могилы Караваджо и глава Национального итальянского комитета по охране культурного наследия Сильвано Винчети сообщил, что разглядел на полотне Леонардо загадочные буквы и цифры.

В частности, под аркой моста, расположенного по левую руку от Джоконды (то есть, с точки зрения зрителя, в правой части картины), обнаружились цифры "72".

Винчети считает их отсылкой к неким мистическим теориям Леонардо. По мнению Глори, это указание на 1472 год, когда протекающая мимо Боббио речка Треббия (Trebbia) вышла из берегов, снесла старый мост и вынудила властвовавшее в тех краях семейство Висконти возвести новый. Весь остальной вид она считает пейзажем, открывавшимся из окон местного замка.

Ранее Боббио было известно прежде всего как место, где расположен огромный монастырь Сан-Коломбано, послуживший одним из прототипов для "Имени розы" Умберто Эко.

Правда, скептически настроенные специалисты утверждают, что и цифры, и буквы, обнаруженные Винчети в зрачках Моны Лизы, не более чем трещины, образовавшиеся на полотне с течением веков.

Очередное "окончательное" доказательство?

Напомним, вопрос, кто же все-таки изображен на знаменитом портрете, многие годы занимал умы ученых и искусствоведов всех стран мира. Звучали предположения, что для картины позировала любовница да Винчи, его мать и даже он сам.

Впервые женщину на портрете Леонардо да Винчи связал с Лизой дель Джокондо итальянский художник, архитектор и писатель Джорджо Вазари в 1550 году. Однако, по словам представителей библиотеки, его заметки вызывали много сомнения, так как были сделаны спустя 50 лет после написания портрета.

В 2004 году итальянский ученый Джузеппе Паланти после 25-летнего изучения архивных документов выяснил, что изображенная на портрете женщина — жена зажиточного торговца шелком Франческо дель Джокондо и мать пятерых детей Лиза Герардини. Именно фамилия ее мужа послужила впоследствии вторым названием картины.

В 2006 году немецкие искусствоведы с уверенностью заявили, что разгадали тайну Джоконды, занимавшей умы любителей прекрасного на протяжении столетий. По их словам, на знаменитом полотне Леонардо да Винчи запечатлена герцогиня Катерина Сфорца, которая трижды выходила замуж и заводила бесчисленные любовные романы. Как сообщали тогда ученые, женщина, ставшая моделью да Винчи, была матерью одиннадцати детей.

Однако в 2008 году другие немецкие ученые из Гейдельбергского университета с неменьшей уверенностью провозгласили, что на всемирно известном шедевре изображена все же Лиза Герардини.

Исследователи опирались на записи, сделанные в октябре 1503 года на полях старинной книги, принадлежавшей флорентийскому чиновнику Агостино Веспуччи, знакомому Леонардо да Винчи.

В этих комментариях чиновник сравнивает да Винчи с античным художником Апеллесом и говорит, что Леонардо работает над тремя картинами одновременно, одна из которых — портрет Лизы дель Джокондo.

Метки: искусство, портрет, АЯТ, Джоконда
11:35 14.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Интересные факты о живописи

Искусство — это своеобразная форма самовыражения. Благодаря искусству каждый человек может воспроизвести в реальность свое видение мира, а также отразить в образах то, что является неотъемлемой частью его внутреннего состояния души. Но для того, чтобы создать шедевр художник выбирает только лучшие инструменты, а приобрести их по низким ценам и не выходя из дома можно в гипермаркете творчества Rosa (http://rosa.ua/catalog/123606_kisti_iz_volosa_sintetiki/). Давайте разберем самые интересные факты о таком виде самореализации как искусство. Если вернутся немного в историческое прошлое, то станет очевидно, что пещерный человек уже владел определенными знаниями в данной сфере, а точнее полихромной живописью.

Марселино Санс де Суатола — археолог из Испании был первым, кто показал миру первые проявления искусства. В 1879 году он открыл Альтамир, достаточно древнюю пещеру, в которой и была найдена полихромная живопись, однако ему почему-то не только не поверили, но и выдвинули обвинения в том, что он сам подделал эти творения. И только когда во Франции археолог Ласко в 1940 сделал подобное открытие, найдя еще более старинную пещеру с такими же творениями, которую соотнесли к 17-15 тыс. до н.э., с Марселино были сняты все обвинения, но увы — посмертно.
Интересные факты о живописи (9 фото)

Едва ли кому известно, что истинное изображение полотна «Сикстинская Мадонна», автором которой есть известный всем Рафаэль, можно заметить только если достаточно глубоко всмотреться в картину. Поверхностный образ этого полотна достаточно обманчив, за внешним обликом скрываются лица ангелов, их можно заметить на заднем фоне, сперва только кажется что там облака. Стоит обратить пристальное внимание на правую руку св. Сикста и цепкий взгляд сразу же заметит нетипичное количество пальцев — шесть, вместо привычных пяти. Вероятно, это следует соотнести с его именем, которое в переводе с латыни значит — «шесть».

Интересные факты о живописи (9 фото)



Известно ли вам, что Малевич далеко не первый художник нарисовавший «Черный квадрат»? Был когда-то некто Алли Альфонс, который выставил свое творение «Битва негров в пещере глубокой ночью» в Галерее Вивьен. Конечно же данная картина представляла собой сплошное черное полотно.

Интересные факты о живописи (9 фото)



Небезызвестный Пикассо имел очень жесткий и взрывной характер, это весьма плачевно сказывалось на его взаимоотношениях с женщинами. Очень многие сводили счеты с жизнью или доводили себя до такого нервного срыва, после которого становились клиентками психиатрических клиник. Дора Маар, чей портрет был написан художником в 1941 году, так же как и большинство, перенесла расставание очень болезненно, это вынудило ее в свое время обратится за помощью к психиатру. Полотно «Дора Маар с кошкой» было продано в Нью-Йорке за 95,2 млн. долларов в 2006 году.

Интересные факты о живописи (9 фото)



Когда Лео да Винчи Писал картину «Тайная вечеря», то внимание акцентировал на идеальном воплощении образов Иуды и Христа. Лео истратил огромное количество времени, прежде чем нашел подходящих кандидатов на роль натурщиков. «Христом» стал совсем молоденький певчий из храма, а вот на поиски Иуды, художнику понадобилось дополнительно целых 3 года. Эта почетная роль досталась обычному пьянице из канавы, где его и нашел Да Винчи и пригласил в трактир. Впоследствии оказалось, что для пьяницы такая роль не впервой, Лео был ошеломлен когда узнал, что этот человек и есть тот самый, с которого он когда-то писал образ Христа.
Интересные факты о живописи (9 фото)

Грант Вуд для написания «Американская готика» на роли моделей пригласил 62-летнего зубного врача и взял свою родную сестру, переодев ее в фартук матери.

Интересные факты о живописи (9 фото)



Сальвадор Дали фактически всегда умалчивал о сути картин им написанных, но однажды он вскользь обронил, что идея (Постоянство памяти) взята из кусочков сыра сорта камамбер, имеющих специфику таять под воздействием солнечных лучей.
Интересные факты о живописи (9 фото)

Как гласят достоверные источники: «Пушкин на берегу моря» Айвазовского облик поэта воплотил на полотно сам Репин, ну а «Осенний день» и «Дама в черном» написал именно Николай Чехов. Тот же Шишкин с поразительной легкостью переносил на полотно травинку за травинкой, однако когда он воплощал на полотне «Утро в сосновом бору» изображение мишек было из рук вон плохо. Это дело поручено было Савицкому.
Интересные факты о живописи (9 фото)

В далеком 1961 году, владелец компании «Чупа-Чупс» Энрике Бернат попросил Сальвадора Дали придумать изображение, которое можно будет воплотить на обертках для сладостей, безусловно этот запрос был удовлетворен. На сегодняшний момент это изображение по прежнему находится на обертках детских сладостей данной компании и узнаваемо, несмотря на незначительные изменения.
Интересные факты о живописи (9 фото)

Метки: факты, интересно, живопись, искусство, АЯТ
15:31 13.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

"Заклинательница змей" (фр. La charmeuse de Serpents) — картина французского художника-примитивиста Анри Руссо, написанная в 1907 году. Это была первая работа художника, экспонировавшаяся в Лувре.

Центр картины — фигура черноволосой женщины, заклинательницы змей, напоминающей изображение древнего мистического божества, — подобна Еве в раю. Черные змеи, завороженные волшебными звуками её дудочки, выползают отовсюду, причем если с первого взгляда на картину они едва заметны, то, если начать присматриваться их оказывается все больше и больше. Их движение на картине ощущается почти физически. Единственное светлое пятно на картине — это глаза заклинательницы, обладающие огромной притягательной силой. Река, освещенная полной луной, густая завеса зеленых растений, экзотическая розовая птица, сияющие ярко-желтые цветы — вся эта сцена излучает покой и умиротворение.

Фантастический мир, на который указывает Заклинательница змей, предвещает сюрреализм.

Картину заказала Эли Делоне, мать художника Робера Делоне, известная своей любовью к путешествиям. Видимо её рассказы о поездке в Индию вдохновили Руссо на создание полотна, выдержанного в тонах сочной зелени, характерной для экзотических джунглей. Хотя для авангардистов точная информация несущественна. Что имеет значение, так это видимая на картине Руссо оторванность от окружающего мира, и благодаря образам на этой картине он прокладывал дорогу для творческого эксперимента. Картина была впервые выставлена в 1907 году на Осеннем Салоне и хоть и прошла незамеченной прессой, но молодые авангардные художники быстро оценили её по достоинству.

В 1922 году Робер Делоне продал картину Жаку Дусе за 50 тысяч франков. «Заклинательница змей» висела на видном месте в студии коллекционера[1]. Дусе завещал картину государству, и с 1936 года она экспонировалась в Лувре. В 1978 году картина была передана в Музей современного искусста, а в 1985 в музей Орсе[2].

Метки: искусство, картина, АЯТ, Анри Руссо
13:21 13.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Глаза Ренуара

В 1897 художник упал с велосипеда и сломал руку.
Вследствие этой травмы у него начал развиваться артрит. Фото 1910г. С 1905 года художник ходил с трудом, но продолжал писать.
Его руки плохо разгибались, он с трудом держал кисть. фото 1910г.
Фото 1912 г. Ренуар с женой и сыном..
Фото незадолго до смерти 1919г. Из-за артрита художник часто держал кисть двумя руками. Больной Ренуар буквально писал глазами — именно его энергичный взгляд заряжал его немощные руки. Он писал маслом даже лежа на кровати, за несколько часов до смерти.

Метки: искусство, АЯТ, Ренуар, болезнь художника
15:04 04.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Искусство визажа

Визажист — специалист, создающий определенный образ лица человека с помощью средств макияжа. Визажиста часто называют "художником по лицу", от французского слова "visage" — "лицо, образ, вид" или "make-up artist", что означает "художник по косметике".

где учиться на визажиста

Визажист в прямом смысле слова создает Красоту и Стиль, тем самым делая людей привлекательными и обаятельными, скрывая недостатки и подчеркивая достоинства.

Настоящий профессионал воспринимает человека как единое целое — с головы до ног, учитывая не только форму лица, но и строение фигуры, общий облик и даже внутренний мир. Самый лучший макияж тот, в котором внешний облик человека гармонирует с его внутренним миром. Современные средства макияжа и искусство визажиста позволяют кардинально изменить облик. Профессия визажиста и существует для того, чтобы помочь людям выглядеть стильно и изысканно в самые важные моменты их жизни, производя впечатление успешного и здорового человека.

Существует множество видов макияжа, предназначенного для разных случаев:

  • дневной;
  • вечерний;
  • деловой;
  • свадебный;
  • подиумный;
  • омолаживающий (лифтинговый);
  • мужской;
  • на скорую руку.

Особенности профессии

Визажист, следуя моде и мировым тенденциям косметических брендов, в то же время должен учитывать пожелания клиента и его физические особенности: строение лица, форму глаз, бровей и губ, цвет кожи, его стиль и образ жизни. Визажист в ходе консультации может предложить клиенту своё видение образа, но не навязывать его.

В обязанности визажиста входит не только стилистический макияж, но и подбор подходящих косметологических средств для устранения видимых дефектов кожи.

Метки: фото, визаж, АЯТ
20:58 22.07.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

В музее

Метки: юмор, АЯТ
01:10 02.05.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

История кукольного театра

До сих пор доподлинно неизвестно когда и откуда появился кукольный театр. Существуют только предположения. Некоторые исследователи считают, что театр кукол берет свое начало в Древнем Египте, и связано это с религиозными обрядами. Есть предположения, что во время праздников в Египте, по деревням ходили женщины, которые носили в руках статуэтки кукол, олицетворяющих богов, и двигали ими при помощи веревок. Другие исследователи, высказывают мнение, что кукольные театры появились еще до появления религии. Во время раскопок, были найдены предметы, подтверждающие существования театра кукол в Древнем Риме.

Почти во всех домах Римлян были коллекции кукол.
По сей день неизвестно, кто изобрел ящик без передней стенки и перегороженный посередине, с которым артисты управляющие куклами ходили по разным странам Европы, и разыгрывали спектакли на религиозные темы. Уже позже появились декорации. Куклы тех времен были красивы. Сами спектакли люди воспринимали в те времена, как нечто магическое, и даже считалось, что в кукол вселяются души умерших людей. Кстати, именно в результате этого, произошел театр теней, т.к. многие народы души умерших представляют в виде теней. С самого начала своего появления в кукольных театрах существовали постоянные герои, которые становились очень популярными в народе.
Со времен своего появления, театр кукол был народным зрелищем. Спектакли разыгрывались на ярмарках, площадях и в других местах скопления простых людей. В таких спектаклях высмеивали правителей, их несправедливое отношение к народу, жадность, глупость. По этой причине артистов – кукольников избивали, сажали в тюрьмы, сжигали на кострах. В каждой стране существовал свой народный кукольный герой. Уже позже для кукольных театров начали писать специально пьесы.
За сотни лет существования кукольных театров, в них произошли перемены, появились новые герои. Новая методика работы с куклами, которой в наше время пользуются в Европейских кукольных театрах, родилась в 30 – 40-хгодах прошлого столетия в России в театре кукол под руководством Образцова. Именно он придумал куклу, которую надевают на руку и манипулируют ею, при этом кукла, как бы, оживает. Театры кукол и по сегодняшний день действуют во всех странах мира. Актеры – кукольники, как и раньше, пытаются развеселить людей, принести радость детям.

Метки: история, искусство, театр, кукольный театр, АЯТ
10:01 03.04.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Искусство гравировки

Каждый человек имеет тот или иной уровень знаний в отрасли гравировки. Гравировка – это очень популярный способ нанесения разнообразных изображений на любую поверхность и различные детали. Процесс гравировки может осуществляться вручную и с помощью лазера. Наносить рисунки или надписи путем лазерной гравировки можно на каменную, металлическую основу, дерево и даже на кожаные изделия. Слово произошло от французского «graver» и своими корнями уходит назад, в те древние времена, когда процесс передачи информации между человечеством осуществлялся с помощью изображений на камнях. Множество таких археологических находок настолько отличаются своей изящностью, что составляют конкуренцию шедеврам именитых современных мастеров.

История гравировки



Основным местом, где можно было найти рисунки на камнях, являются пещеры и скалистые местности. Историкам и просто любителям, не лишним будет посещение перуанского музея, где представлены неповторимые каменные шедевры с выгравированными рисунками, которые считаются некими посланиями из тех далеких веков. Этим произведениям насчитывается более тридцати тысяч лет. Все гравировки представлены разными размерами, но поверхность их одинаково гладенькая и ровная. С помощью этих камней можно осуществить экскурсию в далекое прошлое, так как на них запечатлены элементы быта древних людей, различные битвы, какие – то карты.



В шестнадцатом веке уже стала выполняться художественная гравировка на разных металлических поверхностях, но предпочтение отдавалось меди. Более ранний период был связан с появлением гравировок, которые использовали в печати. С помощью таких «заготовок» изображение переносили на бумажную поверхность. В те времена большой популярностью пользовались изображения и надписи, которые наносили на личные предметы и предметы обихода, например, часы, оружие. Наносить гравировку на разнообразную поверхность было заданием не из легких. Для этих целей применялись пуансоны — инструменты, которые можно в той или иной мере отождествить с современными гвоздями большого размера.

Современная гравировка



В нашем веке процесс гравировки занимает намного меньше усилий и времени. Лазерная гравировка позволяет нанести на украшения, гаджеты, стеклянные и пластиковые поверхности все, что угодно.



Тонкости гравировки на камне заключаются в знании особенностей конкретной породы. Гранитные, базальные, мраморные породы, отличающиеся гладкостью поверхности, больше всего подходят для гравировки.



Качество процесса зависит от степени гладкости используемой поверхности. Современные компании производят керамическую плитку, которая без проблем подвергается дальнейшей гравировке.

Метки: фото, искусство, гравировка, АЯТ
19:29 18.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Самые известные балерины

Слово "балет" звучит волшебно. Закрыв глаза, сразу представляешь себе горящие огни, пробирающую музыку, шорох пачек и легкий стук пуантов по паркету. Это зрелище неподражаемо красиво, его можно смело назвать великим достижением человека в стремлении к прекрасному.

Зрители замирают, устремляя взгляды на сцену. Балетные дивы поражают своей легкостью и пластикой, видимо непринужденно выполняя сложные "па".

История этого вида искусства довольно глубока. Предпосылки к возникновению балета появились еще в XVI веке. А уже с XIX века люди увидели настоящие шедевры этого искусства. Но чем был бы балет без знаменитых балерин, прославивших его? Об этих самых известных танцовщицах и будет наш рассказ.

Мари Рамберг

Мари Рамберг (1888-1982). Будущая звезда родилась в Польше, в еврейской семье. Настоящее её имя Сивия Рамбам, но оно было впоследствии изменено по политическим мотивам. Девочка с раннего возраста полюбила танцы, отдавшись своему увлечению с головой. Мари берет уроки у танцовщиц из парижской оперы, а вскоре её талант замечает сам Дягилев. В 1912-1913 годах девочка танцует вместе с Русским балетом, принимая участие в главных постановках. С 1914 года Мари переезжает в Англию, где продолжает учиться танцам. В 1918 году Мари вышла замуж. Сама она писала, что больше ради забавы. Однако брак оказался счастливым и продлился 41 год. Рамберг было всего 22 года, когда она открыла в Лондоне собственную балетную школу, первую в городе. Успех был таким ошеломительным, что Мария организует сперва собственную компанию (1926), а затем и первую постоянную балетную труппу в Великобритании (1930). Выступления её становятся настоящей сенсацией, ведь Рамберг привлекает к работе самых талантливых композиторов, художников, танцоров. Балерина приняла самое активное участие в создании национального балета в Англии. А имя Мари Рамберг навсегда вошло в историю искусства.

Анна Павлова

Анна Павлова (1881-1931). Анна родилась в Санкт-Петербурге, её отец был железнодорожным подрядчиком, а мать работала простой прачкой. Однако девушка смогла поступить в театральное училище. Окончив его, она в 1899 году поступила в Мариинский театр. Там она получила партии в классических постановках — "Баядерка", "Жизель", "Щелкунчик". У Павловой были прекрасные природные данные, к тому же постоянно оттачивала свое мастерство. В 1906 году она уже является ведущей балериной театра, но настоящая слава пришла к Анне в 1907 году, когда она блистает в миниатюре "Умирающий лебедь". Павлова должна была выступать на благотворительном концерте, но её партнер заболел. Буквально за ночь балетмейстер Михаил Фокин поставил балерине новую миниатюру на музыку Сан-Санса. С 1910 года Павлова начинает гастролировать. Балерина приобретает мировую славу после участия в Русских сезонах в Париже. В 1913 году она последний раз выступает в стенах Мариинского театра. Павлова собирает собственную труппу и переезжает в Лондон. Вместе со своими подопечными Анна гастролирует по миру с классическими балетами Глазунова и Чайковского. Танцовщица стала легендой еще при жизни, умерев на гастролях в Гааге.

Матильда Кшесинская

Матильда Кшесинская (1872-1971). Несмотря на свое польское имя, родилась балерина под Санкт-Петербургом и всегда считалась русской танцовщицей. Она с раннего детства заявила о своем желании танцевать, никто их родных и не думал ей препятствовать в этом желании. Матильда блестяще окончила Императорское театральное училище, попав в балетную труппу Мариинского театра. Там она прославилась блестящим исполнений партий "Щелкунчика", "Млады", других представлений. Кшесинскую отличала фирменная русская пластика, в которую вклинились нотки итальянской школы. Именно Матильда стала любимицей балетмейстера Фокина, который задействовал её в своих работах "Бабочки", "Эрос", "Эвника". Роль Эсмеральды в одноименном балете в 1899 году зажгла новую звезду на сцене. С 1904 года Кшесинская гастролирует по Европе. её называют первой балериной России, чествуют "генералиссимусом русского балета". Говорят, что Кшесинская являлась фавориткой самого императора Николая II. Историки утверждают, что помимо таланта балерина обладала железным характером, твердой позиции. Именно ей приписывают увольнение в свое время директора Императорских театров, князя Волконского. Революция тяжело сказалась на балерине, в 1920 году она покинула измученную страну. Кшесинская переехала в Венецию, но продолжала заниматься любимым делом. В 64 года она еще выступала в лондонском Ковент-Гардене. А похоронена легендарная балерина в Париже.

Агриппина Ваганова

Агриппина Ваганова (1879-1951). Отец Агриппины являлся театральным капельдинером в Мариинке. Однако в балетную школу он смог определить только самую младшую из своих трех дочерей. Вскоре Яков Ваганов умер, у семьи была надежда только на будущую танцовщицу. В школе Агриппина проявила себя озорницей, постоянно получая плохие оценки за поведение. Окончив обучение Ваганова начала карьеру балерины. Третьестепенных ролей в театре давали ей много, однако они не удовлетворяли ее. Сольные партии обходили стороной балерину, да и внешность у нее была не особо привлекательная. Критики писали, что просто не видят её в ролях хрупких красавиц. Не помогал и грим. Сама же балерина очень страдала по этому поводу. Но упорным трудом Ваганова добилась ролей второго плана, о ней стали изредка писать в газетах. Затем Агриппина резко повернула свою судьбу. Она вышла замуж, родила. Вернувшись в балет, она будто бы поднялась в глазах начальства. Хотя Ваганова и продолжала исполнять вторые партии, в этих вариациях она достигла мастерства. Балерина сумела заново раскрыть образы, казалось уже затертые поколениями предыдущих танцовщиц. Только в 1911 году Ваганова получила первую сольную партию. В 36 лет балерину отправили на пенсию. Она так и не стала знаменитой, но добилась многого с учетом своих данных. В 1921 году в Ленинграде открыли школу хореографии, куда и была приглашена в качестве одного из учителей Ваганова. Профессия хореографа стала её основной до конца жизни. В 1934 году Ваганова выпускает книгу "Основы классического танца". Вторую половину жизни балерина посвятила хореографическому училищу. Ныне это Академия танца, названная в её честь. Агриппина Ваганова не стала великой балериной, однако её имя навсегда вошло в историю этого искусства.

Ивет Шовире

Ивет Шовире (род.1917). Эта балерина является самой настоящей утонченной парижанкой. С 10 лет она начала серьезно заниматься танцами при "Гранд опера". Талант и работоспособность Ивет были отмечены режиссерами. В 1941 году она уже стала примой Оперы Гарнье. Дебютные выступления принесли ей поистине мировую славу. После этого Шовире стала получать приглашения выступить в различных театрах, в том числе в итальянской "Ла Скале". Прославила балерину её партия Тени в аллегории Анри Соге, она исполняла много партий поставленных Сержем Лифарем. Из классических выступлений выделяется роль в "Жизели", которую считают главной для Шовире. Ивет на сцене демонстрировала истинный драматизм, не теряя при этой всей девичьей нежности. Балерина буквально проживала жизнь каждой своей героини, выражая все эмоции на сцене. При этом Шовире очень внимательно относилась к каждой мелочи, репетируя и репетируя снова. В 1960-х годах балерина возглавила школу, в которой некогда сама и обучалась. А последний выход на сцену Ивет состоялся в 1972 году. Тогда же была учреждена премия её имени. Балерина неоднократно бывала с гастролями в СССР, где полюбилась зрителям. её партнером неоднократно был сам Рудольф Нуриев после своего бегства из нашей страны. Заслуги балерины перед страной были вознаграждены Орденом Почетного легиона.

Галина Уланова

Галина Уланова (1910-1998). Эта балерина также родилась в Санкт-Петербурге. В 9 лет она стала ученицей хореографического училища, которое и окончила в 1928 году. Сразу после выпускного спектакля Уланова вошла в труппу Театра оперы и балета в Ленинграде. Первые же выступления молодой балерины привлекли к ней внимание ценителей этого искусства. Уже в 19 лет Уланова танцует ведущую партию в "Лебедином озере". До 1944 года балерина танцует в Кировском театре. Здесь её прославили роли в "Жизели", "Щелкунчике", "Бахчисарайском фонтане". Но самой известной стала её партия в "Ромео и Джульетте". С 1944 по 1960 годы Уланова является ведущей балериной Большого театра. Считается, что вершиной её творчества стала сцена сумасшествия в "Жизели". Уланова побывала в 1956 году с гастролями Большого в Лондоне. Говорили, что такого успеха не было со времен Анны Павловой. Сценическая деятельность Улановой официально закончилась в 1962 году. Но всю оставшуюся жизнь Галина работала балетмейстером в Большом театре. За свое творчество она получила множество наград — стала Народной артисткой СССР, получала Ленинскую и Сталинскую премию, стала дважды героем Социалистического труда и лауреатом многочисленных премий. Умерла великая балерина в Москве, похоронена она на Новодевичьем кладбище. её квартира стала музеем, а в родном Питере Улановой воздвигли памятник.

Алисия Алонсо

Алисия Алонсо (род. 1920). Эта балерина появилась на свет в Гаване, Куба. Искусству танца она начала учиться в 10 лет. Тогда на острове была всего одна частная школа балета, руководил ею русский специалист Николай Яворский. Затем Алисия продолжила свое обучения в США. Дебют на большой сцене состоялся на Бродвее в 1938 году в музыкальных комедиях. Затем Алонсо работает в нью-йоркской "Балле театр". Там она знакомится с хореографией ведущих постановщиков мира. Алисия со своим партнером Игорем Юшкевичем решила развить балет на Кубе. В 1947 году она танцует там в "Лебедином озере" и "Аполлоне Мусагете". Однако в те времена на Кубе не было ни традиций балета, ни сцены. Да и народ не понимал такое искусство. Поэтому задача создания Национального балета в стране была очень тяжелой. В 1948 году состоялось первое выступление "Балета Алисии Алонсо". Здесь правили энтузиасты, которые сами ставили свои номера. Через два года балерина открыла и собственную балетную школу. После революции 1959 года власти обратили свой взор на балет. Труппа Алисии превратилась в желанный Национальный балет Кубы. Балерина много выступала в театрах и даже площадях, ездила на гастроли, её показывали по телевидению. Один из самых ярких образом Алонсо — партия Кармен в одноименном балете в 1967 году. Балерина настолько ревностно относилась к этой роли, что даже запрещала ставить этот балет с другими исполнительницами. Алонсо объездила весь мир, получив множество наград. А в 1999 году она получила от ЮНЕСКО медаль Пабло Пикассо за выдающийся вклад в искусство танца.

Майя Плисецкая

Майя Плисецкая (род. 1925). Сложно оспаривать тот факт, что самой знаменитой русской балериной является именно она. Да и карьера её оказалась рекордно долгой. Любовь к балету Майя впитала еще в детстве, ведь её дядя и тетя также являлись известными танцорами. В 9 лет талантливая девочка поступает в Московское хореографическое училище, а в 1943 году юная выпускница поступает в Большой театр. Там её педагогом стала знаменитая Агриппина Ваганова. Всего за пару лет Плисецкая прошла путь от кордебалета до солистки. Знаковой для нее стала постановка "Золушки" и партия феи Осени в 1945 году. Дальше были классические уже постановки "Раймонда", "Спящая красавица", "Дон Кихот", "Жизель", "Конек-Горбунок". Плисецкая блистала в "Бахчисарайском фонтане", где смогла продемонстрировать свой редкий дар — буквально зависать в прыжке на какие-то мгновения. Балерина поучаствовала сразу в трех постановках "Спартака" Хачатуряна, исполнив там партии Эгина и Фригии. В 1959 году Плисецкая становится Народной артисткой СССР. В 60-е годы считалось, что именно Майя является первой танцовщицей Большого театра. Ролей балерине хватало, но творческая неудовлетворенность накапливалась. Выходом стала "Кармен-сюита", одна из главных вех в биографии танцовщицы. В 1971 году Плисецкая состоялась и как драматическая актриса, сыграв в "Анне Каренине". По этому роману был написан балет, премьера которого состоялась в 1972 году. Здесь Майя пробует себя в новой роли — хореографа, что становится её новой профессией. С 1983 года Плисецкая работает в Римской опере, а с 1987 года в Испании. Там она возглавляет труппы, ставит свои балеты. Последний спектакль Плисецкой состоялся в 1990 году. Великая балерина осыпана множеством наград не только на своей Родине, но и в Испании, Франции, Литве. В 1994 году она организовала международный конкурс, дав ему свое имя. Теперь "Майя" дает возможность пробиться молодым талантам.

Ульяна Лопаткина

Ульяна Лопаткина (род.1973). Известная на весь мир балерина родилась в Керчи. В детстве она много занималось не только танцами, но и гимнастикой. В 10 лет по совету матери Ульяна поступила в Академию русского балета имени Вагановой в Ленинграде. Там её учительницей стала Наталия Дудинская. В 17 лет Лопаткина победила на всероссийском конкурсе имени Вагановой. В 1991 году балерина закончила академию и была принята в Мариинский театр. Ульяна быстро добилась для себя сольных партий. Она танцевала в "Дон Кихоте", "Спящей красавице", "Бахчисарайском фонтане", "Лебедином озере". Талант был настолько очевиден, что в 1995 году Лопаткина стала примой своего театра. Каждая её новая роль вызывает восторги и у зрителей, и у критиков. При этом саму балерину интересуют не только классические роли, но и современный репертуар. Так, одной из любимых ролей Ульяны является партия Бану в "Легенде о любви" постановки Юрия Григоровича. Лучше всего балерине удаются роли загадочных героинь. Отличительной же её особенностью являются отточенные движения, присущая только ей драматичность и высокий прыжок. Зрители верят танцовщице, ведь она на сцене абсолютно искренна. Лопаткина является лауреатом многочисленных отечественных и международных премий. Она — народная артистка России.

Анастасия Волочкова

Анастасия Волочкова (род. 1976). Балерина вспоминает, что свою будущую профессию она определила уже в 5 лет, о чем и заявила матери. Волочкова также окончила Академию имени Вагановой. её педагогом также стала Наталия Дудинская. Уже на последнем курсе обучения Волочкова дебютировала в Мариинском и Большом театрах. С 1994 по 1998 год в репертуаре балерины ведущие партии в "Жизели", "Жар-птице", "Спящей красавице", "Щелкунчике", "Дон Кихоте", "Баядерке" и других представлениях. С труппой Мариинки Волочкова объехала полсвета. При этом балерина не боится выступать и сольно, строя карьеру параллельно театру. В 1998 году балерина получает приглашение в "Большой театр". Там она блестяще исполняет партию Царевны-лебеди в новой постановке Владимира Васильева "Лебединое озеро". В главном театре страны Анастасия получает главные партии в "Баядерке", "Дон Кихоте", "Раймонде", "Жизели". Специально для нее хореограф Дин создает новую партию феи Карабос в "Спящей красавице". При этом Волочкова не боится исполнять и современный репертуар. Стоит отметить её роль Царь-Девицы в "Коньке-Горбунке". С 1998 года Волочкова активно гастролирует по миру. Она получает приз "Золотой лев", как самая талантливая балерина Европы. С 2000 года Волочкова покидает Большой театр. Она начинает выступать в Лондоне, где покорила англичан. Вернулась Волочкова в Большой ненадолго. Несмотря на успех и популярность, администрация театра отказалась продлевать контракт на положенный обычно год. С 2005 года Волочкова выступает в собственных танцевальных проектах. её имя постоянно на слуху, она героиня светских хроник. Талантливая балерина недавно и запела, а её популярность еще больше выросла после публикации Волочковой своих обнаженных фото.

Метки: фото, искусство, балет, АЯТ, Балерины
17:48 10.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Уникальные скульптуры в морях и океанах




Тщательно и с любовью созданные скульптуры и красивые статуи вдруг оказались под водой. В отличие от своих наземных собратьев, подводные скульптуры тесно связаны с морской флорой и фауной, которые только усиливают и подчеркивают замысел автора. Предлагаем скульптуры древних мастеров, чьи останки археологи сегодня находят на морском дне, а также и творения современных художников, которые сознательно поместили свои работы под водой, чтобы донести до публики свою идею.
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Подводный музей скульптур, Канкун, Мексика
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)
Художник Джейсон Тэйлор создал эту красивую и с глубоким смыслом скульптуру, чтобы привлечь внимание человечества к проблеме катастрофической гибели коралловых рифов за последние десятилетия. В Подводном музее скульптур Канкуна находятся две работы Тэйлора. Дайверы имеют прекрасную возможность, кроме любования природными красотами океана, посетить подводный музей скульптур и посмотреть, как постепенно их заселяют кораллы. Самыми интересными экспонатами можно назвать композицию «Молчаливая эволюция», скульптуру «Человек в огне», на которой растут красные кораллы, и ‘ElColeccionistadeSueños’ – реалистическое изображение человека с собакой, которые охраняют коллекцию бутылок с записками внутри, написанными на разных языках мира, своеобразными посланиями будущим поколениям.

Статуи Гераклиона и Каноба, Абукирский залив, Египет
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Когда-то очень давно города Гераклион и Каноб считались воротами в Египет и были связаны с выдающимися историческими личностями древней истории, к примеру, с королем Спарты Меналаем, участником Троянской войны. Руины этих двух городов теперь лежат на морском дне, среди которых находится большое количество обломков древних скульптур и статуй, свидетелей былой славы. В основном это статуи фараонов, руины храмов и домов, которые они когда-то украшали. Археолог Фрэнк Годдио в 1999 году, случайно обнаружив эти обломки, доказал факт существования Гераклиона и Каноба.

Иисус Христос Абиссаля, Италия
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Эта оригинальная скульптура Иисусу Христа из бронзы высотой 2,5 м была создана и опущена на морское дно в 1954 году. Из-за быстрой коррозии статую поднимали на поверхность для реставрации, в результате которой основные элементы были заменены на подобные без изменений. В 2004 году она была возвращена на глубину 6 м. Статуя с поднятыми руками ассоциируется с погибшим дайвером, Дарио Гонзатти, который утонул в 1947 году.

Подводная статуя среди руин дворца Клеопатры, Александрия, Египет
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Затопленные 1 500 лет назад руины считаются останками королевского дворца Клеопатры. Неимоверной красоты дворец хорошо сохранился и стал одной из достопримечательностей и изюминкой туристических маршрутов. Среди скульптур здесь можно увидеть животных, включая львов, и древних богов. Кроме этого, на дне много посуды, руины стен, колонн и других объектов, представляющих научный интерес для археологов.

Подводный парк скульптур, Гренада
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Подводный парк скульптур был создан Джейсоном Тэйлором. Скульптуры являются неотъемлемой частью акватории Гренады, включая подводную флору и фауну. Основным объектом Подводного парка специалисты считают композицию «Превратности судьбы», состоящей из группы скульптур в человеческий рост, которые держатся за руки, стоя в кругу, символизируя погибших рабов, перевозимых на лодках. Многие скульптуры уже поросли кораллами, включая женскую фигуру ‘GraceReef’, лежащую на дне, и скульптуру « Пропавшего корреспондента», в руках у которого газета с колонкой новостей 70-х годов.

Римские скульптуры Байи, Неаполитанский залив, Италия
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Говорят, что бронзовые и каменные скульптуры римского курортного города Байи были затоплены в результате извержения вулкана. Затопленный город Римской империи был известен своими богатыми жителями и отличными условиями для оздоровления и отдыха знати, которая погрязла в пороках и грехах. В городе создавали большое количество мраморных скульптур, копий бронзовых скульптур, которые и сохранились под толщей воды залива. В 8 столетии н.э. мусульмане разрушили город, а в 1500-м году город пострадал от эпидемии малярии.

Подводные скульптуры, Бали
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

На дне океана у островов Бали находится группа подводных скульптур, которые стали частью кораллового рифа. Они сознательно были опущены на дно, чтобы помочь колонии кораллов развиваться в регионе. Кроме того, их присутствие делает подводные прогулки дайверов интересными. Среди традиционных скульптур, здесь можно встретить такой объект, как велосипед. Все эти объекты способствуют развитию кораллового рифа, который катастрофически страдает в результате жизнедеятельности человечества.

Каменные скульптуры Прибрежного храма, Махабалипурам, Индия
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Храмовый комплекс Махабалипурамы является объектом многих мифов и местных легенд, связанных с семью самыми красивыми и роскошными храмами. Сегодня только этот храм уцелел, его роскошные пирсы были разрушены океаном и местными жителями. Цунами 2004 года окончательно разрушило храм. В результате, каменные скульптуры, усыпальницы и рельефы, которые когда-то украшали храм, оказались под водой. Археологи до сих пор верят в то, что Прибрежный храм был одним из Семи Пагод, о которых говорится в европейском фольклоре.

Парк гномов на дне озера Вастуотер, Озерный край, Великобритания
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Подводный парк гномов, возможно, самый странный из представленных в обзоре, был создан, чтобы сделать прогулки дайвером интересными. В 1990-х годах, после того, как трое дайверов трагически погибли, то гномов со дна озера убрали. В 2005 году скульптуры были возвращены на дно озера Вестуотера, самого глубокого в Озерном крае, после чего парк оброс новыми мистическими историями. Скульптуры находятся на глубине 50 м. Подобный парк гномов есть и в шотландском озере Лох-Файн.

Слон Сиамского залива, Тайланд
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Дайверы, посещающие Пхукет, имеют возможность увидеть красивые статуи слонов, которые находятся в северной части Сиамского залива. Искусственный риф был установлен на дне залива для того, чтобы могли развиваться колонии кораллов, а, значит, стать основой разнообразия флоры и фауны подводной экосистемы. Кроме неимоверно интересных и своеобразных статуй слонов, на дне залива есть ворота храма и гигантские ракушки. Здесь есть и наводящая страх гигантская каменная рыба. Но основными достопримечательностями, все же, остаются кораллы и морские обитатели, которые сделали творения человека своим домом.
Метки: фото, искусство, АЯТ, скульптуры под водой
23:49 06.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Фредерик Лейтон

"... И все-таки красивая женщина – это больше, чем внешность.
Это и тепло, и ум изнутри. Это свечение. Это "проступание" сквозь одежду."

Михаил Жванецкий
Художник Фредерик Лейтон (1830-1896)
Pavonia, 1858
Барон Фредерик Лейтон (англ. Frederic Leighton, 3 декабря 1830 — 25 января 1896) — английский художник, яркий представитель викторианского академизма (салонного искусства), в некоторых отношениях близкий к прерафаэлитам.
Фредерик Лейтон родился 3 декабря 1830 года в Скарборо, графство Северный Йоркшир. Его отец, Эдвард Лейтон, преподавал медицину, а дед был придворным врачом российского императора Александра I.

Лейтон начал рисовать в девять лет, поправляясь после скарлатины. В 1842 году он (прибавив себе несколько лет) поступил в берлинскую Академию художеств. Уже через три года его приняли в Академию художеств во Флоренции. Серьёзно писать Фредерик Лейтон начал во Франкфурте в 1846 году. Здесь он поступил в местный институт культуры. Через два года Лейтон покидает Франкфурт, в связи с революционными волнениями и переезжает в Париж.

В 1850 году он вместе с семьёй вновь оказался во Франкфурте и смог закончить учёбу. В Германии Лейтон преступил к работе над первыми масштабными полотнами (сюжеты, взятые из жизненных сцен итальянского живописца Чимабуэ, жившего во второй половине XIII столетия). Подобный выбор был характерен для художника, воспитанного в традициях классической школы.

Чтобы лучше проникнуться творчеством великих итальянских живописцев, Лейтон в 1852 году принял первое в своей жизни самостоятельное (одиночное) путешествие. В ноябре того же года он был уже в Риме, где с головой окунулся в вихрь светских удовольствий. Руководительницей Лейтона в его похождениях стала Аделаида Сарторис, известная оперная певица.

Салон Аделаиды Сарторис открыл возможность молодому живописцу познакомиться со многими замечательными людьми своего времени, в том числе с Уильямом Теккереем. Особенно тесные дружеские отношения завязались у него с «поэтической» семьёй Браунингов, а также с ведущими французскими академическими живописцами того времени,
Ж. Л. Жеромом и А. В. Бугро. Впоследствии, Лейтон создал серию иллюстраций к поэме Элизабет Барретт Браунинг, а после её смерти спроектировал надгробие на её могиле.
В 1855 году он завершил работу над своей «Мадонной Чимабуэ» и отослал её в Лондон, на выставку Королевской Академии. Картина заполучила огромный успех и была приобретена королевой Викторией за 600 гиней. О художнике заговорили в аристократических кругах Англии.

В 1855 Лейтон так же посещает Всемирную выставку в Париже и остаётся в городе на последующие три года (с перерывами), где совершенствовал своё мастерство. В 1857 году он едет в Алжир. С этой поездки началось его увлечение восточной культурой, мотивы которой впоследствии художник часто использовал в своих живописных полотнах. В дальнейшем мастер побывал в Сирии, Египте и Турции.

В 1859 году Лейтон уже в Лондоне, принц Уэльский приобрёл в этом же году его картину, после чего наследник престола стал не только дальнейшим покровителем живописца, но и его верным другом. В 1859-м художник вступил в 20-й Добровольческий стрелковый корпус Миддлсекса, больше известный как «Стрелковый корпус художников» и принимал самое активное участие в жизни своего подразделения. В 1880-м году Лейтону присвоили звание полковника.

Уже в начале 1860-х годов его ежегодный доход составлял около 4000 фунтов стерлингов. В 1864 году положение Лейтона ещё более упрочилось — он стал членом Королевской Академии художеств. К этому году для художника был построен роскошный особняк с мастерской в Кенсингтоне, на Холленд-Парк-роуд столицы Британии. А в 1869-м году Лейтона назначили инспектором художественных школ при Королевской Академии. Крупнейшим произведением, созданным живописцем в этом году, стали две фрески «по индустриальным мотивам».

1878 год принёс Лейтону новые почести и обязанности. Его избрали президентом Королевской Академии и наградили французским орденом Почётного легиона. Тогда же ему был присвоен дворянский титул. В 1880-м году правительство Италии предложило мастеру прислать свой автопортрет для уникальной коллекции автопортретов знаменитых живописцев, которая хранится в галерее Уффици. А в 1896 году, перед самой смертью, Лейтон первым из британских художников удостоился титула барона.
25 января 1896-го года Лейтон скончался. Гроб с телом мастера выставили в Королевской Академии, а 3 февраля Лейтона со всеми почестями похоронили в лондонском соборе Св. Павла.
Фотография

Метки: творчество, жизнь, искусство, картины, АЯТ, о художнике
18:17 04.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Чудесные скульптуры

Помимо терракотовой армии*, в мире существуют и другие скульптуры-рекордсмены

«Человеколев»

Примерно 38000 лет до н. э.

Loewenmensch1.jpg
«Человеколев»
Ульм, Германия

Одна из древнейших статуй в мире. Выставлена в Ульмском городском музее.

Большой сфинкс

Около 2500 лет до н. э.

iStock_18877837_LARGE.jpg
Большой сфинкс
Гиза, Египет

Древнейший в мире образец монументальной скульптуры.

Гора Рашмор

1941 год

iStock_51289618_LARGE.jpg
Мемориал на горе Рашмор
Южная Дакота, США

Возможно, самая дорогая скульптура в мире, в пересчете по современному курсу доллара.

Будда Весеннего Храма

2002 год

Lszydfyj.jpg
Будда Весеннего Храма
Хэнань, Китай

Самая высокая статуя в мире: 153 метра, считая пьедестал.

Статуя «Океан Атлас»

2014 год

01AUXR5H.jpg
«Океан Атлас»
Багамские острова

Самая большая подводная скульптура в мире: высота — 5 метров.

«Шигирский идол»

Около 9000 лет до н. э.

idol.jpg
«Шигирский идол»
Екатеринбург, Россия

Древнейшая известная деревянная скульптура. Хранится в Свердловском краеведческом музее.

Барельеф Ангкор-Вата

XII век

iStock_89846017_LARGE.jpg
Ангкор-Ват
Камбоджа

Самый длинный непрерывный барельеф в мире, протяженностью более 800 м, находится на внешних стенах галереи в храмовом комплексе Ангкор-Ват.

«Родина-мать зовет!»

1967 год

iStock_66735621_LARGE.jpg
«Родина-мать зовет!»
Волгоград, Россия

Самая высокая скульптура в России: 87 метров, считая двухметровую плиту, на которой она стоит.

Подводный музей искусства

2009 год

TASS_14297457.jpg
MUSA
Канкун, Мексика

Метки: фото, искусство, АЯТ, со всего мира, монолитные скульптуры
17:06 04.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Искусство фотографа Саролта Бан

Саролта Бан (Sarolta Bán)27-летний фотограф-самоучка из Будапешта. Саролта обычно производит различные манипуляции со своими работами в течение нескольких часов до нескольких дней, при этом используя до 100 различных слоев для одного изображения.

Сама Бан говорит о своей работе следующее:

“Мне нравится использовать привычные детали в изображениях. Комбинируя их, я даю им различные истории и лица. Таким образом я счастлива, когда разные люди находят разные значения в моих фотографиях.”

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)
Метки: фотографии, искусство, картины, АЯТ, необычность
20:50 27.02.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Победа над собой

Изображая на холсте героев праздничной битвы, Василий Суриков взял верх над тяжелой депрессией

VS11_034_KulturniyKod.jpgНажмите для увеличения

Картина «Взятие снежного городка»
Холст, масло. 156 х 282 см
1891 год
Ныне находится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге

Любимая женщина художника скончалась в возрасте 30 лет из-за врожденного порока сердца. «Жизнь моя надломлена; что будет дальше, и представить себе не могу», — писал он брату в 1888 году, сообщая о смерти супруги Елизаветы. Суриков никак не мог оправиться от горя, потерял всякий интерес к жизни, с трудом работал. На следующий год родные уговорили живописца перебраться с детьми из Москвы в Красноярск, к матери. Там младший брат Александр подал ему идею для картины: штурм снежной крепости. Традиционную игру сибирские казаки проводили в Прощеное воскресенье, последний день Масленицы. Для Василия Сурикова эта забава была одним из сильнейших впечатлений детства, к тому же он очень любил обычаи родных мест, и замысел увлек художника. Желая делать наброски с натуры, он нанимал добровольцев, которые сооружали снежные ворота и инсценировали сражение. Осенью 1890 года Суриков вернулся с дочерьми в Москву, а в 1891-м закончил монументальное полотно «Взятие снежного городка». «Необычайную силу духа я тогда из Сибири привез», — говорил он впоследствии поэту Максимилиану Волошину.

(1) Городок. Крепость могла представлять собой единственную стену; главным элементом всегда были ворота, куда стремились прорваться атакующие. За стеной иногда помещали флаг, приз, например бочонок водки, или ледяной пиршественный стол с ледяными же яствами. Этнолог Наталья Велецкая установила сходство масленичных штурмов городка с состязаниями на языческих тризнах, притом что предназначение погребальных игр, по мнению историка Древней Руси Бориса Рыбакова, — отгонять смерть от людей, показывая их жизнеспособность.

1930-2-3.jpg

(2) Всадник. На картине показан финал игры, когда одному храбрецу удалось прорвать оборону и проскочить в ворота, обрушив верхнюю перекладину. Победителя обычно стаскивали с коня и долго валяли в снегу, а потом приводили в чувство и поили вином.

(3) Лошадь. «Конь черный прямо мимо меня проскочил, помню, — рассказывал Суриков, как в детстве первый раз увидел штурм снежного городка. — Это, верно, он-то у меня в картине и остался».

1930-4.jpg

(4) Защитники. Стоя перед городком, они отбивались от нападавших снежками, шапками, прутьями и нагайками, а лошадей пугали шумом трещоток и холостыми ружейными выстрелами. Обе стороны действовали жестко, и участники забавы нередко получали травмы. Иногда игровое противостояние перерастало в серьезную потасовку.

1930-5.jpg

(5) Кошева. Так назывались в Сибири широкие и глубокие сани с плетеным кузовом, обитые кошмой для тепла. Катание на санях — еще одно масленичное развлечение, по мнению этнолога Веры Соколовой, оно связано с древним ритуалом плодородия.

1930-6.jpg

(6) Сани-розвальни. Низкие и широкие, использовались для перевозки и пассажиров, и громоздких грузов.

1930-7.jpg

(7) Зритель. В роли зеваки позировал автор идеи и брат художника Александр.

1930-8.jpg

(8) Девушка. Испуганную жестокой забавой барышню Суриков писал с племянницы Татьяны Доможиловой.

V-Surikov.jpgХудожник
Василий Суриков

1848 — родился в Красноярске в казачьей семье.
1869–1875 — учился в Санкт-Петербургской академии художеств.
1877 — уехал в Москву.
1878 — женился на Елизавете Шаре, наполовину француженке. У супругов родилась дочь Ольга.
1880 — у Суриковых родилась дочь Елена.
1881–1907 — состоял в Товариществе передвижных художественных выставок.
1883 — создал полотно «Меншиков в Берёзове»; умершую в ссылке дочь опального князя написал со своей жены.
1884–1887 — работал над картиной «Боярыня Морозова».
1888 — овдовел.
1891–1895 — писал «Покорение Сибири Ермаком». С отрядом Ермака с Дона в Сибирь пришел предок художника.
1916 — скончался в Москве от болезни сердца, осложненной плевритом.

Метки: творчество, история, живопись, искусство, картина, АЯТ, ФРАГМЕНТЫ
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Ирина Кравец
Войти