Мне подарили

01:10 02.05.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

История кукольного театра

До сих пор доподлинно неизвестно когда и откуда появился кукольный театр. Существуют только предположения. Некоторые исследователи считают, что театр кукол берет свое начало в Древнем Египте, и связано это с религиозными обрядами. Есть предположения, что во время праздников в Египте, по деревням ходили женщины, которые носили в руках статуэтки кукол, олицетворяющих богов, и двигали ими при помощи веревок. Другие исследователи, высказывают мнение, что кукольные театры появились еще до появления религии. Во время раскопок, были найдены предметы, подтверждающие существования театра кукол в Древнем Риме.

Почти во всех домах Римлян были коллекции кукол.
По сей день неизвестно, кто изобрел ящик без передней стенки и перегороженный посередине, с которым артисты управляющие куклами ходили по разным странам Европы, и разыгрывали спектакли на религиозные темы. Уже позже появились декорации. Куклы тех времен были красивы. Сами спектакли люди воспринимали в те времена, как нечто магическое, и даже считалось, что в кукол вселяются души умерших людей. Кстати, именно в результате этого, произошел театр теней, т.к. многие народы души умерших представляют в виде теней. С самого начала своего появления в кукольных театрах существовали постоянные герои, которые становились очень популярными в народе.
Со времен своего появления, театр кукол был народным зрелищем. Спектакли разыгрывались на ярмарках, площадях и в других местах скопления простых людей. В таких спектаклях высмеивали правителей, их несправедливое отношение к народу, жадность, глупость. По этой причине артистов – кукольников избивали, сажали в тюрьмы, сжигали на кострах. В каждой стране существовал свой народный кукольный герой. Уже позже для кукольных театров начали писать специально пьесы.
За сотни лет существования кукольных театров, в них произошли перемены, появились новые герои. Новая методика работы с куклами, которой в наше время пользуются в Европейских кукольных театрах, родилась в 30 – 40-хгодах прошлого столетия в России в театре кукол под руководством Образцова. Именно он придумал куклу, которую надевают на руку и манипулируют ею, при этом кукла, как бы, оживает. Театры кукол и по сегодняшний день действуют во всех странах мира. Актеры – кукольники, как и раньше, пытаются развеселить людей, принести радость детям.

Метки: история, искусство, театр, кукольный театр, АЯТ
10:01 03.04.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Искусство гравировки

Каждый человек имеет тот или иной уровень знаний в отрасли гравировки. Гравировка – это очень популярный способ нанесения разнообразных изображений на любую поверхность и различные детали. Процесс гравировки может осуществляться вручную и с помощью лазера. Наносить рисунки или надписи путем лазерной гравировки можно на каменную, металлическую основу, дерево и даже на кожаные изделия. Слово произошло от французского «graver» и своими корнями уходит назад, в те древние времена, когда процесс передачи информации между человечеством осуществлялся с помощью изображений на камнях. Множество таких археологических находок настолько отличаются своей изящностью, что составляют конкуренцию шедеврам именитых современных мастеров.

История гравировки



Основным местом, где можно было найти рисунки на камнях, являются пещеры и скалистые местности. Историкам и просто любителям, не лишним будет посещение перуанского музея, где представлены неповторимые каменные шедевры с выгравированными рисунками, которые считаются некими посланиями из тех далеких веков. Этим произведениям насчитывается более тридцати тысяч лет. Все гравировки представлены разными размерами, но поверхность их одинаково гладенькая и ровная. С помощью этих камней можно осуществить экскурсию в далекое прошлое, так как на них запечатлены элементы быта древних людей, различные битвы, какие – то карты.



В шестнадцатом веке уже стала выполняться художественная гравировка на разных металлических поверхностях, но предпочтение отдавалось меди. Более ранний период был связан с появлением гравировок, которые использовали в печати. С помощью таких «заготовок» изображение переносили на бумажную поверхность. В те времена большой популярностью пользовались изображения и надписи, которые наносили на личные предметы и предметы обихода, например, часы, оружие. Наносить гравировку на разнообразную поверхность было заданием не из легких. Для этих целей применялись пуансоны — инструменты, которые можно в той или иной мере отождествить с современными гвоздями большого размера.

Современная гравировка



В нашем веке процесс гравировки занимает намного меньше усилий и времени. Лазерная гравировка позволяет нанести на украшения, гаджеты, стеклянные и пластиковые поверхности все, что угодно.



Тонкости гравировки на камне заключаются в знании особенностей конкретной породы. Гранитные, базальные, мраморные породы, отличающиеся гладкостью поверхности, больше всего подходят для гравировки.



Качество процесса зависит от степени гладкости используемой поверхности. Современные компании производят керамическую плитку, которая без проблем подвергается дальнейшей гравировке.

Метки: фото, искусство, гравировка, АЯТ
19:29 18.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Самые известные балерины

Слово "балет" звучит волшебно. Закрыв глаза, сразу представляешь себе горящие огни, пробирающую музыку, шорох пачек и легкий стук пуантов по паркету. Это зрелище неподражаемо красиво, его можно смело назвать великим достижением человека в стремлении к прекрасному.

Зрители замирают, устремляя взгляды на сцену. Балетные дивы поражают своей легкостью и пластикой, видимо непринужденно выполняя сложные "па".

История этого вида искусства довольно глубока. Предпосылки к возникновению балета появились еще в XVI веке. А уже с XIX века люди увидели настоящие шедевры этого искусства. Но чем был бы балет без знаменитых балерин, прославивших его? Об этих самых известных танцовщицах и будет наш рассказ.

Мари Рамберг

Мари Рамберг (1888-1982). Будущая звезда родилась в Польше, в еврейской семье. Настоящее её имя Сивия Рамбам, но оно было впоследствии изменено по политическим мотивам. Девочка с раннего возраста полюбила танцы, отдавшись своему увлечению с головой. Мари берет уроки у танцовщиц из парижской оперы, а вскоре её талант замечает сам Дягилев. В 1912-1913 годах девочка танцует вместе с Русским балетом, принимая участие в главных постановках. С 1914 года Мари переезжает в Англию, где продолжает учиться танцам. В 1918 году Мари вышла замуж. Сама она писала, что больше ради забавы. Однако брак оказался счастливым и продлился 41 год. Рамберг было всего 22 года, когда она открыла в Лондоне собственную балетную школу, первую в городе. Успех был таким ошеломительным, что Мария организует сперва собственную компанию (1926), а затем и первую постоянную балетную труппу в Великобритании (1930). Выступления её становятся настоящей сенсацией, ведь Рамберг привлекает к работе самых талантливых композиторов, художников, танцоров. Балерина приняла самое активное участие в создании национального балета в Англии. А имя Мари Рамберг навсегда вошло в историю искусства.

Анна Павлова

Анна Павлова (1881-1931). Анна родилась в Санкт-Петербурге, её отец был железнодорожным подрядчиком, а мать работала простой прачкой. Однако девушка смогла поступить в театральное училище. Окончив его, она в 1899 году поступила в Мариинский театр. Там она получила партии в классических постановках — "Баядерка", "Жизель", "Щелкунчик". У Павловой были прекрасные природные данные, к тому же постоянно оттачивала свое мастерство. В 1906 году она уже является ведущей балериной театра, но настоящая слава пришла к Анне в 1907 году, когда она блистает в миниатюре "Умирающий лебедь". Павлова должна была выступать на благотворительном концерте, но её партнер заболел. Буквально за ночь балетмейстер Михаил Фокин поставил балерине новую миниатюру на музыку Сан-Санса. С 1910 года Павлова начинает гастролировать. Балерина приобретает мировую славу после участия в Русских сезонах в Париже. В 1913 году она последний раз выступает в стенах Мариинского театра. Павлова собирает собственную труппу и переезжает в Лондон. Вместе со своими подопечными Анна гастролирует по миру с классическими балетами Глазунова и Чайковского. Танцовщица стала легендой еще при жизни, умерев на гастролях в Гааге.

Матильда Кшесинская

Матильда Кшесинская (1872-1971). Несмотря на свое польское имя, родилась балерина под Санкт-Петербургом и всегда считалась русской танцовщицей. Она с раннего детства заявила о своем желании танцевать, никто их родных и не думал ей препятствовать в этом желании. Матильда блестяще окончила Императорское театральное училище, попав в балетную труппу Мариинского театра. Там она прославилась блестящим исполнений партий "Щелкунчика", "Млады", других представлений. Кшесинскую отличала фирменная русская пластика, в которую вклинились нотки итальянской школы. Именно Матильда стала любимицей балетмейстера Фокина, который задействовал её в своих работах "Бабочки", "Эрос", "Эвника". Роль Эсмеральды в одноименном балете в 1899 году зажгла новую звезду на сцене. С 1904 года Кшесинская гастролирует по Европе. её называют первой балериной России, чествуют "генералиссимусом русского балета". Говорят, что Кшесинская являлась фавориткой самого императора Николая II. Историки утверждают, что помимо таланта балерина обладала железным характером, твердой позиции. Именно ей приписывают увольнение в свое время директора Императорских театров, князя Волконского. Революция тяжело сказалась на балерине, в 1920 году она покинула измученную страну. Кшесинская переехала в Венецию, но продолжала заниматься любимым делом. В 64 года она еще выступала в лондонском Ковент-Гардене. А похоронена легендарная балерина в Париже.

Агриппина Ваганова

Агриппина Ваганова (1879-1951). Отец Агриппины являлся театральным капельдинером в Мариинке. Однако в балетную школу он смог определить только самую младшую из своих трех дочерей. Вскоре Яков Ваганов умер, у семьи была надежда только на будущую танцовщицу. В школе Агриппина проявила себя озорницей, постоянно получая плохие оценки за поведение. Окончив обучение Ваганова начала карьеру балерины. Третьестепенных ролей в театре давали ей много, однако они не удовлетворяли ее. Сольные партии обходили стороной балерину, да и внешность у нее была не особо привлекательная. Критики писали, что просто не видят её в ролях хрупких красавиц. Не помогал и грим. Сама же балерина очень страдала по этому поводу. Но упорным трудом Ваганова добилась ролей второго плана, о ней стали изредка писать в газетах. Затем Агриппина резко повернула свою судьбу. Она вышла замуж, родила. Вернувшись в балет, она будто бы поднялась в глазах начальства. Хотя Ваганова и продолжала исполнять вторые партии, в этих вариациях она достигла мастерства. Балерина сумела заново раскрыть образы, казалось уже затертые поколениями предыдущих танцовщиц. Только в 1911 году Ваганова получила первую сольную партию. В 36 лет балерину отправили на пенсию. Она так и не стала знаменитой, но добилась многого с учетом своих данных. В 1921 году в Ленинграде открыли школу хореографии, куда и была приглашена в качестве одного из учителей Ваганова. Профессия хореографа стала её основной до конца жизни. В 1934 году Ваганова выпускает книгу "Основы классического танца". Вторую половину жизни балерина посвятила хореографическому училищу. Ныне это Академия танца, названная в её честь. Агриппина Ваганова не стала великой балериной, однако её имя навсегда вошло в историю этого искусства.

Ивет Шовире

Ивет Шовире (род.1917). Эта балерина является самой настоящей утонченной парижанкой. С 10 лет она начала серьезно заниматься танцами при "Гранд опера". Талант и работоспособность Ивет были отмечены режиссерами. В 1941 году она уже стала примой Оперы Гарнье. Дебютные выступления принесли ей поистине мировую славу. После этого Шовире стала получать приглашения выступить в различных театрах, в том числе в итальянской "Ла Скале". Прославила балерину её партия Тени в аллегории Анри Соге, она исполняла много партий поставленных Сержем Лифарем. Из классических выступлений выделяется роль в "Жизели", которую считают главной для Шовире. Ивет на сцене демонстрировала истинный драматизм, не теряя при этой всей девичьей нежности. Балерина буквально проживала жизнь каждой своей героини, выражая все эмоции на сцене. При этом Шовире очень внимательно относилась к каждой мелочи, репетируя и репетируя снова. В 1960-х годах балерина возглавила школу, в которой некогда сама и обучалась. А последний выход на сцену Ивет состоялся в 1972 году. Тогда же была учреждена премия её имени. Балерина неоднократно бывала с гастролями в СССР, где полюбилась зрителям. её партнером неоднократно был сам Рудольф Нуриев после своего бегства из нашей страны. Заслуги балерины перед страной были вознаграждены Орденом Почетного легиона.

Галина Уланова

Галина Уланова (1910-1998). Эта балерина также родилась в Санкт-Петербурге. В 9 лет она стала ученицей хореографического училища, которое и окончила в 1928 году. Сразу после выпускного спектакля Уланова вошла в труппу Театра оперы и балета в Ленинграде. Первые же выступления молодой балерины привлекли к ней внимание ценителей этого искусства. Уже в 19 лет Уланова танцует ведущую партию в "Лебедином озере". До 1944 года балерина танцует в Кировском театре. Здесь её прославили роли в "Жизели", "Щелкунчике", "Бахчисарайском фонтане". Но самой известной стала её партия в "Ромео и Джульетте". С 1944 по 1960 годы Уланова является ведущей балериной Большого театра. Считается, что вершиной её творчества стала сцена сумасшествия в "Жизели". Уланова побывала в 1956 году с гастролями Большого в Лондоне. Говорили, что такого успеха не было со времен Анны Павловой. Сценическая деятельность Улановой официально закончилась в 1962 году. Но всю оставшуюся жизнь Галина работала балетмейстером в Большом театре. За свое творчество она получила множество наград — стала Народной артисткой СССР, получала Ленинскую и Сталинскую премию, стала дважды героем Социалистического труда и лауреатом многочисленных премий. Умерла великая балерина в Москве, похоронена она на Новодевичьем кладбище. её квартира стала музеем, а в родном Питере Улановой воздвигли памятник.

Алисия Алонсо

Алисия Алонсо (род. 1920). Эта балерина появилась на свет в Гаване, Куба. Искусству танца она начала учиться в 10 лет. Тогда на острове была всего одна частная школа балета, руководил ею русский специалист Николай Яворский. Затем Алисия продолжила свое обучения в США. Дебют на большой сцене состоялся на Бродвее в 1938 году в музыкальных комедиях. Затем Алонсо работает в нью-йоркской "Балле театр". Там она знакомится с хореографией ведущих постановщиков мира. Алисия со своим партнером Игорем Юшкевичем решила развить балет на Кубе. В 1947 году она танцует там в "Лебедином озере" и "Аполлоне Мусагете". Однако в те времена на Кубе не было ни традиций балета, ни сцены. Да и народ не понимал такое искусство. Поэтому задача создания Национального балета в стране была очень тяжелой. В 1948 году состоялось первое выступление "Балета Алисии Алонсо". Здесь правили энтузиасты, которые сами ставили свои номера. Через два года балерина открыла и собственную балетную школу. После революции 1959 года власти обратили свой взор на балет. Труппа Алисии превратилась в желанный Национальный балет Кубы. Балерина много выступала в театрах и даже площадях, ездила на гастроли, её показывали по телевидению. Один из самых ярких образом Алонсо — партия Кармен в одноименном балете в 1967 году. Балерина настолько ревностно относилась к этой роли, что даже запрещала ставить этот балет с другими исполнительницами. Алонсо объездила весь мир, получив множество наград. А в 1999 году она получила от ЮНЕСКО медаль Пабло Пикассо за выдающийся вклад в искусство танца.

Майя Плисецкая

Майя Плисецкая (род. 1925). Сложно оспаривать тот факт, что самой знаменитой русской балериной является именно она. Да и карьера её оказалась рекордно долгой. Любовь к балету Майя впитала еще в детстве, ведь её дядя и тетя также являлись известными танцорами. В 9 лет талантливая девочка поступает в Московское хореографическое училище, а в 1943 году юная выпускница поступает в Большой театр. Там её педагогом стала знаменитая Агриппина Ваганова. Всего за пару лет Плисецкая прошла путь от кордебалета до солистки. Знаковой для нее стала постановка "Золушки" и партия феи Осени в 1945 году. Дальше были классические уже постановки "Раймонда", "Спящая красавица", "Дон Кихот", "Жизель", "Конек-Горбунок". Плисецкая блистала в "Бахчисарайском фонтане", где смогла продемонстрировать свой редкий дар — буквально зависать в прыжке на какие-то мгновения. Балерина поучаствовала сразу в трех постановках "Спартака" Хачатуряна, исполнив там партии Эгина и Фригии. В 1959 году Плисецкая становится Народной артисткой СССР. В 60-е годы считалось, что именно Майя является первой танцовщицей Большого театра. Ролей балерине хватало, но творческая неудовлетворенность накапливалась. Выходом стала "Кармен-сюита", одна из главных вех в биографии танцовщицы. В 1971 году Плисецкая состоялась и как драматическая актриса, сыграв в "Анне Каренине". По этому роману был написан балет, премьера которого состоялась в 1972 году. Здесь Майя пробует себя в новой роли — хореографа, что становится её новой профессией. С 1983 года Плисецкая работает в Римской опере, а с 1987 года в Испании. Там она возглавляет труппы, ставит свои балеты. Последний спектакль Плисецкой состоялся в 1990 году. Великая балерина осыпана множеством наград не только на своей Родине, но и в Испании, Франции, Литве. В 1994 году она организовала международный конкурс, дав ему свое имя. Теперь "Майя" дает возможность пробиться молодым талантам.

Ульяна Лопаткина

Ульяна Лопаткина (род.1973). Известная на весь мир балерина родилась в Керчи. В детстве она много занималось не только танцами, но и гимнастикой. В 10 лет по совету матери Ульяна поступила в Академию русского балета имени Вагановой в Ленинграде. Там её учительницей стала Наталия Дудинская. В 17 лет Лопаткина победила на всероссийском конкурсе имени Вагановой. В 1991 году балерина закончила академию и была принята в Мариинский театр. Ульяна быстро добилась для себя сольных партий. Она танцевала в "Дон Кихоте", "Спящей красавице", "Бахчисарайском фонтане", "Лебедином озере". Талант был настолько очевиден, что в 1995 году Лопаткина стала примой своего театра. Каждая её новая роль вызывает восторги и у зрителей, и у критиков. При этом саму балерину интересуют не только классические роли, но и современный репертуар. Так, одной из любимых ролей Ульяны является партия Бану в "Легенде о любви" постановки Юрия Григоровича. Лучше всего балерине удаются роли загадочных героинь. Отличительной же её особенностью являются отточенные движения, присущая только ей драматичность и высокий прыжок. Зрители верят танцовщице, ведь она на сцене абсолютно искренна. Лопаткина является лауреатом многочисленных отечественных и международных премий. Она — народная артистка России.

Анастасия Волочкова

Анастасия Волочкова (род. 1976). Балерина вспоминает, что свою будущую профессию она определила уже в 5 лет, о чем и заявила матери. Волочкова также окончила Академию имени Вагановой. её педагогом также стала Наталия Дудинская. Уже на последнем курсе обучения Волочкова дебютировала в Мариинском и Большом театрах. С 1994 по 1998 год в репертуаре балерины ведущие партии в "Жизели", "Жар-птице", "Спящей красавице", "Щелкунчике", "Дон Кихоте", "Баядерке" и других представлениях. С труппой Мариинки Волочкова объехала полсвета. При этом балерина не боится выступать и сольно, строя карьеру параллельно театру. В 1998 году балерина получает приглашение в "Большой театр". Там она блестяще исполняет партию Царевны-лебеди в новой постановке Владимира Васильева "Лебединое озеро". В главном театре страны Анастасия получает главные партии в "Баядерке", "Дон Кихоте", "Раймонде", "Жизели". Специально для нее хореограф Дин создает новую партию феи Карабос в "Спящей красавице". При этом Волочкова не боится исполнять и современный репертуар. Стоит отметить её роль Царь-Девицы в "Коньке-Горбунке". С 1998 года Волочкова активно гастролирует по миру. Она получает приз "Золотой лев", как самая талантливая балерина Европы. С 2000 года Волочкова покидает Большой театр. Она начинает выступать в Лондоне, где покорила англичан. Вернулась Волочкова в Большой ненадолго. Несмотря на успех и популярность, администрация театра отказалась продлевать контракт на положенный обычно год. С 2005 года Волочкова выступает в собственных танцевальных проектах. её имя постоянно на слуху, она героиня светских хроник. Талантливая балерина недавно и запела, а её популярность еще больше выросла после публикации Волочковой своих обнаженных фото.

Метки: фото, искусство, балет, АЯТ, Балерины
17:48 10.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Уникальные скульптуры в морях и океанах




Тщательно и с любовью созданные скульптуры и красивые статуи вдруг оказались под водой. В отличие от своих наземных собратьев, подводные скульптуры тесно связаны с морской флорой и фауной, которые только усиливают и подчеркивают замысел автора. Предлагаем скульптуры древних мастеров, чьи останки археологи сегодня находят на морском дне, а также и творения современных художников, которые сознательно поместили свои работы под водой, чтобы донести до публики свою идею.
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Подводный музей скульптур, Канкун, Мексика
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)
Художник Джейсон Тэйлор создал эту красивую и с глубоким смыслом скульптуру, чтобы привлечь внимание человечества к проблеме катастрофической гибели коралловых рифов за последние десятилетия. В Подводном музее скульптур Канкуна находятся две работы Тэйлора. Дайверы имеют прекрасную возможность, кроме любования природными красотами океана, посетить подводный музей скульптур и посмотреть, как постепенно их заселяют кораллы. Самыми интересными экспонатами можно назвать композицию «Молчаливая эволюция», скульптуру «Человек в огне», на которой растут красные кораллы, и ‘ElColeccionistadeSueños’ – реалистическое изображение человека с собакой, которые охраняют коллекцию бутылок с записками внутри, написанными на разных языках мира, своеобразными посланиями будущим поколениям.

Статуи Гераклиона и Каноба, Абукирский залив, Египет
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Когда-то очень давно города Гераклион и Каноб считались воротами в Египет и были связаны с выдающимися историческими личностями древней истории, к примеру, с королем Спарты Меналаем, участником Троянской войны. Руины этих двух городов теперь лежат на морском дне, среди которых находится большое количество обломков древних скульптур и статуй, свидетелей былой славы. В основном это статуи фараонов, руины храмов и домов, которые они когда-то украшали. Археолог Фрэнк Годдио в 1999 году, случайно обнаружив эти обломки, доказал факт существования Гераклиона и Каноба.

Иисус Христос Абиссаля, Италия
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Эта оригинальная скульптура Иисусу Христа из бронзы высотой 2,5 м была создана и опущена на морское дно в 1954 году. Из-за быстрой коррозии статую поднимали на поверхность для реставрации, в результате которой основные элементы были заменены на подобные без изменений. В 2004 году она была возвращена на глубину 6 м. Статуя с поднятыми руками ассоциируется с погибшим дайвером, Дарио Гонзатти, который утонул в 1947 году.

Подводная статуя среди руин дворца Клеопатры, Александрия, Египет
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Затопленные 1 500 лет назад руины считаются останками королевского дворца Клеопатры. Неимоверной красоты дворец хорошо сохранился и стал одной из достопримечательностей и изюминкой туристических маршрутов. Среди скульптур здесь можно увидеть животных, включая львов, и древних богов. Кроме этого, на дне много посуды, руины стен, колонн и других объектов, представляющих научный интерес для археологов.

Подводный парк скульптур, Гренада
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Подводный парк скульптур был создан Джейсоном Тэйлором. Скульптуры являются неотъемлемой частью акватории Гренады, включая подводную флору и фауну. Основным объектом Подводного парка специалисты считают композицию «Превратности судьбы», состоящей из группы скульптур в человеческий рост, которые держатся за руки, стоя в кругу, символизируя погибших рабов, перевозимых на лодках. Многие скульптуры уже поросли кораллами, включая женскую фигуру ‘GraceReef’, лежащую на дне, и скульптуру « Пропавшего корреспондента», в руках у которого газета с колонкой новостей 70-х годов.

Римские скульптуры Байи, Неаполитанский залив, Италия
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Говорят, что бронзовые и каменные скульптуры римского курортного города Байи были затоплены в результате извержения вулкана. Затопленный город Римской империи был известен своими богатыми жителями и отличными условиями для оздоровления и отдыха знати, которая погрязла в пороках и грехах. В городе создавали большое количество мраморных скульптур, копий бронзовых скульптур, которые и сохранились под толщей воды залива. В 8 столетии н.э. мусульмане разрушили город, а в 1500-м году город пострадал от эпидемии малярии.

Подводные скульптуры, Бали
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

На дне океана у островов Бали находится группа подводных скульптур, которые стали частью кораллового рифа. Они сознательно были опущены на дно, чтобы помочь колонии кораллов развиваться в регионе. Кроме того, их присутствие делает подводные прогулки дайверов интересными. Среди традиционных скульптур, здесь можно встретить такой объект, как велосипед. Все эти объекты способствуют развитию кораллового рифа, который катастрофически страдает в результате жизнедеятельности человечества.

Каменные скульптуры Прибрежного храма, Махабалипурам, Индия
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Храмовый комплекс Махабалипурамы является объектом многих мифов и местных легенд, связанных с семью самыми красивыми и роскошными храмами. Сегодня только этот храм уцелел, его роскошные пирсы были разрушены океаном и местными жителями. Цунами 2004 года окончательно разрушило храм. В результате, каменные скульптуры, усыпальницы и рельефы, которые когда-то украшали храм, оказались под водой. Археологи до сих пор верят в то, что Прибрежный храм был одним из Семи Пагод, о которых говорится в европейском фольклоре.

Парк гномов на дне озера Вастуотер, Озерный край, Великобритания
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Подводный парк гномов, возможно, самый странный из представленных в обзоре, был создан, чтобы сделать прогулки дайвером интересными. В 1990-х годах, после того, как трое дайверов трагически погибли, то гномов со дна озера убрали. В 2005 году скульптуры были возвращены на дно озера Вестуотера, самого глубокого в Озерном крае, после чего парк оброс новыми мистическими историями. Скульптуры находятся на глубине 50 м. Подобный парк гномов есть и в шотландском озере Лох-Файн.

Слон Сиамского залива, Тайланд
Уникальные скульптуры в морях и океанах (10 фото)

Дайверы, посещающие Пхукет, имеют возможность увидеть красивые статуи слонов, которые находятся в северной части Сиамского залива. Искусственный риф был установлен на дне залива для того, чтобы могли развиваться колонии кораллов, а, значит, стать основой разнообразия флоры и фауны подводной экосистемы. Кроме неимоверно интересных и своеобразных статуй слонов, на дне залива есть ворота храма и гигантские ракушки. Здесь есть и наводящая страх гигантская каменная рыба. Но основными достопримечательностями, все же, остаются кораллы и морские обитатели, которые сделали творения человека своим домом.
Метки: фото, искусство, АЯТ, скульптуры под водой
23:49 06.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Фредерик Лейтон

"... И все-таки красивая женщина – это больше, чем внешность.
Это и тепло, и ум изнутри. Это свечение. Это "проступание" сквозь одежду."

Михаил Жванецкий
Художник Фредерик Лейтон (1830-1896)
Pavonia, 1858
Барон Фредерик Лейтон (англ. Frederic Leighton, 3 декабря 1830 — 25 января 1896) — английский художник, яркий представитель викторианского академизма (салонного искусства), в некоторых отношениях близкий к прерафаэлитам.
Фредерик Лейтон родился 3 декабря 1830 года в Скарборо, графство Северный Йоркшир. Его отец, Эдвард Лейтон, преподавал медицину, а дед был придворным врачом российского императора Александра I.

Лейтон начал рисовать в девять лет, поправляясь после скарлатины. В 1842 году он (прибавив себе несколько лет) поступил в берлинскую Академию художеств. Уже через три года его приняли в Академию художеств во Флоренции. Серьёзно писать Фредерик Лейтон начал во Франкфурте в 1846 году. Здесь он поступил в местный институт культуры. Через два года Лейтон покидает Франкфурт, в связи с революционными волнениями и переезжает в Париж.

В 1850 году он вместе с семьёй вновь оказался во Франкфурте и смог закончить учёбу. В Германии Лейтон преступил к работе над первыми масштабными полотнами (сюжеты, взятые из жизненных сцен итальянского живописца Чимабуэ, жившего во второй половине XIII столетия). Подобный выбор был характерен для художника, воспитанного в традициях классической школы.

Чтобы лучше проникнуться творчеством великих итальянских живописцев, Лейтон в 1852 году принял первое в своей жизни самостоятельное (одиночное) путешествие. В ноябре того же года он был уже в Риме, где с головой окунулся в вихрь светских удовольствий. Руководительницей Лейтона в его похождениях стала Аделаида Сарторис, известная оперная певица.

Салон Аделаиды Сарторис открыл возможность молодому живописцу познакомиться со многими замечательными людьми своего времени, в том числе с Уильямом Теккереем. Особенно тесные дружеские отношения завязались у него с «поэтической» семьёй Браунингов, а также с ведущими французскими академическими живописцами того времени,
Ж. Л. Жеромом и А. В. Бугро. Впоследствии, Лейтон создал серию иллюстраций к поэме Элизабет Барретт Браунинг, а после её смерти спроектировал надгробие на её могиле.
В 1855 году он завершил работу над своей «Мадонной Чимабуэ» и отослал её в Лондон, на выставку Королевской Академии. Картина заполучила огромный успех и была приобретена королевой Викторией за 600 гиней. О художнике заговорили в аристократических кругах Англии.

В 1855 Лейтон так же посещает Всемирную выставку в Париже и остаётся в городе на последующие три года (с перерывами), где совершенствовал своё мастерство. В 1857 году он едет в Алжир. С этой поездки началось его увлечение восточной культурой, мотивы которой впоследствии художник часто использовал в своих живописных полотнах. В дальнейшем мастер побывал в Сирии, Египте и Турции.

В 1859 году Лейтон уже в Лондоне, принц Уэльский приобрёл в этом же году его картину, после чего наследник престола стал не только дальнейшим покровителем живописца, но и его верным другом. В 1859-м художник вступил в 20-й Добровольческий стрелковый корпус Миддлсекса, больше известный как «Стрелковый корпус художников» и принимал самое активное участие в жизни своего подразделения. В 1880-м году Лейтону присвоили звание полковника.

Уже в начале 1860-х годов его ежегодный доход составлял около 4000 фунтов стерлингов. В 1864 году положение Лейтона ещё более упрочилось — он стал членом Королевской Академии художеств. К этому году для художника был построен роскошный особняк с мастерской в Кенсингтоне, на Холленд-Парк-роуд столицы Британии. А в 1869-м году Лейтона назначили инспектором художественных школ при Королевской Академии. Крупнейшим произведением, созданным живописцем в этом году, стали две фрески «по индустриальным мотивам».

1878 год принёс Лейтону новые почести и обязанности. Его избрали президентом Королевской Академии и наградили французским орденом Почётного легиона. Тогда же ему был присвоен дворянский титул. В 1880-м году правительство Италии предложило мастеру прислать свой автопортрет для уникальной коллекции автопортретов знаменитых живописцев, которая хранится в галерее Уффици. А в 1896 году, перед самой смертью, Лейтон первым из британских художников удостоился титула барона.
25 января 1896-го года Лейтон скончался. Гроб с телом мастера выставили в Королевской Академии, а 3 февраля Лейтона со всеми почестями похоронили в лондонском соборе Св. Павла.
Фотография

Метки: творчество, жизнь, искусство, картины, АЯТ, о художнике
18:17 04.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Чудесные скульптуры

Помимо терракотовой армии*, в мире существуют и другие скульптуры-рекордсмены

«Человеколев»

Примерно 38000 лет до н. э.

Loewenmensch1.jpg
«Человеколев»
Ульм, Германия

Одна из древнейших статуй в мире. Выставлена в Ульмском городском музее.

Большой сфинкс

Около 2500 лет до н. э.

iStock_18877837_LARGE.jpg
Большой сфинкс
Гиза, Египет

Древнейший в мире образец монументальной скульптуры.

Гора Рашмор

1941 год

iStock_51289618_LARGE.jpg
Мемориал на горе Рашмор
Южная Дакота, США

Возможно, самая дорогая скульптура в мире, в пересчете по современному курсу доллара.

Будда Весеннего Храма

2002 год

Lszydfyj.jpg
Будда Весеннего Храма
Хэнань, Китай

Самая высокая статуя в мире: 153 метра, считая пьедестал.

Статуя «Океан Атлас»

2014 год

01AUXR5H.jpg
«Океан Атлас»
Багамские острова

Самая большая подводная скульптура в мире: высота — 5 метров.

«Шигирский идол»

Около 9000 лет до н. э.

idol.jpg
«Шигирский идол»
Екатеринбург, Россия

Древнейшая известная деревянная скульптура. Хранится в Свердловском краеведческом музее.

Барельеф Ангкор-Вата

XII век

iStock_89846017_LARGE.jpg
Ангкор-Ват
Камбоджа

Самый длинный непрерывный барельеф в мире, протяженностью более 800 м, находится на внешних стенах галереи в храмовом комплексе Ангкор-Ват.

«Родина-мать зовет!»

1967 год

iStock_66735621_LARGE.jpg
«Родина-мать зовет!»
Волгоград, Россия

Самая высокая скульптура в России: 87 метров, считая двухметровую плиту, на которой она стоит.

Подводный музей искусства

2009 год

TASS_14297457.jpg
MUSA
Канкун, Мексика

Метки: фото, искусство, АЯТ, со всего мира, монолитные скульптуры
17:06 04.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Искусство фотографа Саролта Бан

Саролта Бан (Sarolta Bán)27-летний фотограф-самоучка из Будапешта. Саролта обычно производит различные манипуляции со своими работами в течение нескольких часов до нескольких дней, при этом используя до 100 различных слоев для одного изображения.

Сама Бан говорит о своей работе следующее:

“Мне нравится использовать привычные детали в изображениях. Комбинируя их, я даю им различные истории и лица. Таким образом я счастлива, когда разные люди находят разные значения в моих фотографиях.”

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)
Метки: фотографии, искусство, картины, АЯТ, необычность
20:50 27.02.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Победа над собой

Изображая на холсте героев праздничной битвы, Василий Суриков взял верх над тяжелой депрессией

VS11_034_KulturniyKod.jpgНажмите для увеличения

Картина «Взятие снежного городка»
Холст, масло. 156 х 282 см
1891 год
Ныне находится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге

Любимая женщина художника скончалась в возрасте 30 лет из-за врожденного порока сердца. «Жизнь моя надломлена; что будет дальше, и представить себе не могу», — писал он брату в 1888 году, сообщая о смерти супруги Елизаветы. Суриков никак не мог оправиться от горя, потерял всякий интерес к жизни, с трудом работал. На следующий год родные уговорили живописца перебраться с детьми из Москвы в Красноярск, к матери. Там младший брат Александр подал ему идею для картины: штурм снежной крепости. Традиционную игру сибирские казаки проводили в Прощеное воскресенье, последний день Масленицы. Для Василия Сурикова эта забава была одним из сильнейших впечатлений детства, к тому же он очень любил обычаи родных мест, и замысел увлек художника. Желая делать наброски с натуры, он нанимал добровольцев, которые сооружали снежные ворота и инсценировали сражение. Осенью 1890 года Суриков вернулся с дочерьми в Москву, а в 1891-м закончил монументальное полотно «Взятие снежного городка». «Необычайную силу духа я тогда из Сибири привез», — говорил он впоследствии поэту Максимилиану Волошину.

(1) Городок. Крепость могла представлять собой единственную стену; главным элементом всегда были ворота, куда стремились прорваться атакующие. За стеной иногда помещали флаг, приз, например бочонок водки, или ледяной пиршественный стол с ледяными же яствами. Этнолог Наталья Велецкая установила сходство масленичных штурмов городка с состязаниями на языческих тризнах, притом что предназначение погребальных игр, по мнению историка Древней Руси Бориса Рыбакова, — отгонять смерть от людей, показывая их жизнеспособность.

1930-2-3.jpg

(2) Всадник. На картине показан финал игры, когда одному храбрецу удалось прорвать оборону и проскочить в ворота, обрушив верхнюю перекладину. Победителя обычно стаскивали с коня и долго валяли в снегу, а потом приводили в чувство и поили вином.

(3) Лошадь. «Конь черный прямо мимо меня проскочил, помню, — рассказывал Суриков, как в детстве первый раз увидел штурм снежного городка. — Это, верно, он-то у меня в картине и остался».

1930-4.jpg

(4) Защитники. Стоя перед городком, они отбивались от нападавших снежками, шапками, прутьями и нагайками, а лошадей пугали шумом трещоток и холостыми ружейными выстрелами. Обе стороны действовали жестко, и участники забавы нередко получали травмы. Иногда игровое противостояние перерастало в серьезную потасовку.

1930-5.jpg

(5) Кошева. Так назывались в Сибири широкие и глубокие сани с плетеным кузовом, обитые кошмой для тепла. Катание на санях — еще одно масленичное развлечение, по мнению этнолога Веры Соколовой, оно связано с древним ритуалом плодородия.

1930-6.jpg

(6) Сани-розвальни. Низкие и широкие, использовались для перевозки и пассажиров, и громоздких грузов.

1930-7.jpg

(7) Зритель. В роли зеваки позировал автор идеи и брат художника Александр.

1930-8.jpg

(8) Девушка. Испуганную жестокой забавой барышню Суриков писал с племянницы Татьяны Доможиловой.

V-Surikov.jpgХудожник
Василий Суриков

1848 — родился в Красноярске в казачьей семье.
1869–1875 — учился в Санкт-Петербургской академии художеств.
1877 — уехал в Москву.
1878 — женился на Елизавете Шаре, наполовину француженке. У супругов родилась дочь Ольга.
1880 — у Суриковых родилась дочь Елена.
1881–1907 — состоял в Товариществе передвижных художественных выставок.
1883 — создал полотно «Меншиков в Берёзове»; умершую в ссылке дочь опального князя написал со своей жены.
1884–1887 — работал над картиной «Боярыня Морозова».
1888 — овдовел.
1891–1895 — писал «Покорение Сибири Ермаком». С отрядом Ермака с Дона в Сибирь пришел предок художника.
1916 — скончался в Москве от болезни сердца, осложненной плевритом.

Метки: творчество, история, живопись, искусство, картина, АЯТ, ФРАГМЕНТЫ
22:02 24.02.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Крохотные вязаные фигурки

Хотелось бы рассказать о целой творческой семье из Вьетнама и их компании под названием Suami. Suami занимается необычным делом — изготовлением миниатюрных амигуруми — крошечные вязаные игрушки. Проект был назван в честь младшей дочери в семье Su Ami.
Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

В основном семья вяжет фигурки животных, но порой проскальзывают персонажи из сказок. Фигурки вяжут маленьким крючком 0,4 мм и нитками 0,2 мм.

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)

Крохотные вязанные фигурки от Suami (22 фото)
Метки: искусство, вязание, АЯТ, художество
22:12 15.02.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Почему в музеях запрещено фотографировать со вспышкой?

В основном по финансовым соображениям

Вспышки могут помешать другим посетителям спокойно созерцать произведения искусства. Однако многие музеи запрещают вспышки, даже если вы один в зале: яркий свет якобы разрушает краски на полотнах. Это преувеличение. Если 100 лет подряд по 100 раз в день снимать картину со вспышкой, вреда от этого ей будет не больше, чем от нескольких дней, проведенных на солнечном свету.

Вероятнее иное объяснение. Вспышки (и штативы) помогают делать качественные снимки шедевров. А запрет на них стимулирует новые посещения музеев. К тому же за отдельную плату музеи могут принимать заказы на профессиональную съемку своих экспонатов.

Метки: искусство, музеи, АЯТ, фотографирование, посещение
20:50 12.02.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Украинский фотограф создает сказочные портреты девушек

Вдохновленная сказками со всего мира, украинский фотограф Анита Анти, проживающая и работающая в Нью-Йорке, создает красивые фотопортреты девушек на фоне живописного леса в сказочных образах.

Все работы Аниты просто пульсируют магической энергией и меланхолией, пропитанные духом мистики. Некоторые из ее фотографий будто рассказывают зрителю конкретную историю. Другие, напротив, хранят тайну и позволяют зрителю самому развивать воображение и фантазию.

Метки: искусство, фотопортреты, АЯТ, искусство фотографирования
08:14 10.01.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

История искусства оригами

Каждый из нас делал поделки из природного материала — кто-то не забыл поделки, сделанные еще в дошкольные и школьные годы, и хранит их в своем ящичке воспоминаний, кто-то всерьез увлекся искусством оригами, квилингом, скрапбукингом, а для кого-то это стало настоящим средством обогатиться. Сегодня мы окунемся целиком и полностью в историю искусства оригами.
История искусства оригами

Увлечение искусством оригами сегодня разделяют не только жители Страны восходящего солнца, где оно зародилось, но и многие другие. В переводе с японского языка это слово означает фигурку, сложенную из бумаги. В классическом варианте для изготовления таких поделок предписывалось использовать однотонный бумажный лист в форме квадрата без клея и ножниц. Его полагалось только сгибать.

Для кого-то это просто интересное хобби. Но люди, всерьез увлеченные японской культурой, знают об оригами интересные и удивительные факты.
Поначалу их использовали в культовых целях. В праздники фигурками из бумаги украшали статуи богов в храмах. В светской жизни у них было иное предназначение. У самураев, живших в эпоху Хэйнан, было принято дарить подарки, к которым крепилась бумажная полоска носи, сложенная особым образом. Она была символом долголетия. Пожеланием счастья молодоженам служили бабочки из бумаги.

В скором времени умение делать изящные бумажные фигурки получило широкое распространение. У знати оно стало восприниматься, как признак образованности и хороших манер. Позднее это увлечение переняли простые люди, оно приобрело национальный масштаб.

В XX столетии Акирой Ёсидзавой была изобретена система условных знаков, обозначавших порядок складывания бумаги для создания разных фигур. Это положило начало всемирному распространению японского искусства. Мало кто знает, что им увлекся и высоко ценил Лев Толстой.

Жители Японии приписывали оригами особенные свойства. Считалось, что сложенный из бумаги шар, висящий над больным человеком, способен оберегать от духов болезни. Если они оказывались сильнее и человек умирал, шар падал и разрушался.

Парапсихологами было проведено исследование необычных свойств бумажных фигур. С этой целью сделали сравнительные биоэнергетические замеры ряда комнат с оригами и без них. После получения результатов число скептиков значительно уменьшилось: помещения, украшенные бумажными фигурками, отличались выраженной положительной энергией.

Классическое японское оригами — журавлик. Возможно, многие слышали об истории девочки из Хиросимы, связанной с этой фигуркой. Пораженная лучевой болезнью Садако Сасаки спешила сложить тысячу бумажных птиц, чтобы выздороветь, как гласило поверье. Но не успела…
История искусства оригами

Дети разных стран продолжили дело, незавершенное Садако. Они складывают журавликов, ставших символами мира, и отправляют в Мемориальный музей в Хиросиме.
Метки: история, искусство, оригами, АЯТ
22:46 09.01.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Самые маленькие памятники мира

В Томске находится самый маленький общественный памятник в мире — крошечная бронзовая лягушка, сидящая на вершине покатого булыжника. Высота скульптуры составляет всего 44 миллиметра. Необычная достопримечательность под названием "памятник лягушке-путешественнице" была установлена в 2013 году недалеко от главного входа в одну из гостиниц города. Её создатель Олег Кислицкий хотел создать памятник, посвящённый путешественникам, и решил, что лягушка-путешественница будет достойно представлять его идею.
Самые маленькие памятники мира (11 фото)

История лягушки-путешественницы (которая летела с утками на юг, держась ртом за прутик, который они держали в своих клювах, а когда люди на земле, видя такое необычное зрелище, стали хвалить уток, не удержалась и крикнула, что это была её идея, и тут же сорвалась вниз, падая на землю) хорошо известна в России, поскольку принадлежит перу известного русского писателя Всеволода Михайловича Гаршина.
Самые маленькие памятники мира (11 фото)

До того как стало известно про памятник лягушке-путешественнице, звание самого маленького в мире памятника принадлежало монументу, расположенному в другом российском городе — Санкт-Петербурге. Это 11-сантиметровая бронзовая статуя птицы, известной как Чижик-Пыжик (персонаж русской народной песни), расположена на постаменте на набережной реки Фонтанки. Затмеваемая великими статуями Санкт-Петербурга, эта крошечная птичка часто остаётся незаслуженно незамеченной туристами.
Самые маленькие памятники мира (11 фото)

Согласно местной традиции, каждого, кому удастся бросить монету на постамент, где стоит маленький памятник, так, чтобы она с него не упала в воду, ждёт удача, а загаданное желание сбудется. Иронично, но сама статуя не такая везучая, как думается: её крали, по крайней мере, уже три раза.
Самые маленькие памятники мира (11 фото)

Самые маленькие памятники мира (11 фото)

За пределами России, возможно, самой маленькой статуей является 15-сантиметровый Мальчик, смотрящий на Луну (Järnpojke), или Железный Мальчик, расположенный на заднем дворе Финской церкви в Стокгольме, Швеция.
Самые маленькие памятники мира (11 фото)

Скульптура маленького сидящего мальчика, обнявшего свои колени, была создана шведским художником Лиссом Эрикссоном (Liss Eriksson) в 1967 году. Железный мальчик в течение всего года получает разного рода остроумные подарки. Иногда на него надевают шапку или шарф. Также, на каменной скамье, на которой сидит мальчик, посетители нередко оставляют монеты, фрукты и суши.
Самые маленькие памятники мира (11 фото)

Самые маленькие памятники мира (11 фото)

Самые маленькие памятники мира (11 фото)

Ещё один крошечный памятник, который является самым маленьким в Лондоне — это две мыши, дерущиеся за кусочек сыра. Он расположен высоко на карнизе здания, находящегося на улице Филпот-Лейн (Philpot Lane) на Истчип (Eastcheap).
Самые маленькие памятники мира (11 фото)
Памятник был создан в 1862 году. Согласно истории, два строителя поссорились из-за того, что один обвинил другого в краже обеда, что привело к драке на лесах на большой высоте и трагическому смертельному падению людей. Позже оказалось, что во всём были виноваты мыши. Рабочие, которые стали свидетелями этого трагического случая, установили на стене здания эту миниатюрную скульптуру в их честь.
Самые маленькие памятники мира (11 фото)

Метки: фото, памятники, искусство, размер, АЯТ
19:32 22.12.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Скульптуры из дерева от художника Джеймса Доран-Уэбба

Джеймс Доран-Уэбб удивительный британский художник, в настоящее время проживающий на Филиппинах. Джеймс сделал свою первую скульптуру животного из дерева еще 25 лет назад. Спустя пять лет он начал собирать коряки от деревьев необычных форм, и вскоре накопил целую коллекцию. Художник вкладывает очень много усилий, чтобы создать движение скульптур и превратить неживое в живое, который. Некоторые из его работ хотелось бы представить на нашем сайте.
Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)

Скульптуры из дерева от Джеймса Доран-Уэбба (9 фото)
Метки: фото, скульптуры, искусство, дерево, АЯТ
14:09 21.12.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Изумительные скульптуры из нефрита

Нефрит высоко ценится китайцами, которые называют его «камнем жизни», он является их национальным камнем. Нефрит в Китае ценился порой выше золота и серебра, так как считалось, что этот камень приносит благополучие. В данной подборке представляем 12 нефритовых изделий, вырезанных китайскими мастерами в 18 веке в период правления династии Цин, наиболее впечатлившие на выставке нефритовых изделий в Метрополитен-музее.

1. Даосский рай
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

2. Ваза в форме птицы
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

3. Пряжка с драконами
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

4. Персикообразная чашка с блюдцем
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

5. Таблица с ландшафтом
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

6. Верховая лошадь с книгами
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

7. Печать Шкатулка с крышкой
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

8. Крытая Ваза
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

9. Курильница с ручками-кольцами
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

10. Пионы
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

11. Ваза на слоне
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)

12. Горный ландшафт
12 изумительных скульптур из нефрита (12 фото)
Метки: фото, искусство, скульптура, АЯТ, нефрит, резка по камню
11:25 18.12.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Балансирующие скульптуры из монет

Пользователь Twitter из Японии @thumb_tani по имени Тану занимается необычным искусством. Он складывает из монет потрясающие скульптуры, многие из которых построены на основе баланса. На создание одной работы он затрачивает 1-2 часа.

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)

Балансирующие скульптуры из монет (9 фото + видео)
Метки: фото, Япония, скульптуры, искусство, монеты, АЯТ
08:04 14.12.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Святой Себастьян за 15 миллионов евро В Париже нашли рисунок Леонардо да Винчи: The New York Times

Парижский аукционный дом Tajan в понедельник, 12 декабря, объявил, что обнаружил ранее неизвестный рисунок Леонардо да Винчи, на котором изображен святой Себастьян, привязанный к дереву. Это первая работа, атрибутированная Леонардо за последние 15 лет. Эксперты оценили рисунок в 15 миллионов евро. Произведение принадлежит французскому пенсионеру, чье имя не разглашается; подробно об этой находке рассказывает The New York Times.

В марте 2016 года вышедший на пенсию врач нанес визит в аукционный дом Tajan; он приехал в Париж, чтобы показать экспертам более десятка произведений искусства —14 рисунков. Все работы — из семейной коллекции, собранной его отцом. Первым их увидел глава отдела старых мастеров Tajan Таде Прате, который сразу обратил внимание на один рисунок — изображение святого Себастьяна, привязанного к дереву (19 на 12,7 сантиметра).

Найденный рисунок «Святой Себастьян», 1482–1485 гг.
Фото: Tajan

В комментарии The New York Times Прате вспоминал, что куда-то спешил в тот день, но сразу понял, что перед ним рисунок XVI века, требующий более тщательного анализа. Прате показал рисунок независимому эксперту, специалисту по старым мастерам, который определил, что его нарисовали левой рукой (Леонардо да Винчи был левшой); более того, на обратной стороне листа были два маленьких схематичных наброска тени от свечи и надписи. Тогда двое специалистов и решили, что перед ними может быть рисунок Леонардо да Винчи.

После этого в Tajan решили посоветоваться с куратором Метрополитен-музея Кармен Бамбах, одним из самых авторитетных специалистов по искусству Возрождения, экспертом по итальянской и испанской гравюре. В 2003 году Бамбах проводила в Нью-Йорке большую выставку графики Леонардо да Винчи, на которой были представлены два рисунка святого Себастьяна-мученика из музеев Гамбурга и Байонны. Это два из восьми изображений святого Себастьяна, перечисленных в «Атлантическом кодексе» — собрании из 1119 страниц чертежей, записей и рисунков, сделанных Леонардо да Винчи, которое хранится в миланской Амброзианской библиотеке. Бамбах призналась, что когда впервые увидела парижский рисунок, то у нее глаза полезли на лоб; он очень похож на гамбургский вариант, где тоже есть оптические исследования и надписи на обратной стороне листа.

Обратная сторона листа
Фото: Tajan

Кармен Бамбах заявила The New York Times, что авторство Леонардо бесспорно — и это замечательное открытие, несмотря на то, что провенанс работы до XX века неизвестен. Она считает, что найденный рисунок — самый интересный из всех трех набросков, предположительно сделанных Леонардо в процессе работы над картиной (вероятно, впоследствии утерянной). На рисунке видно, как художник исследовал фигуру и каким образом менялись его идеи во время работы.

Обнаруженный «Святой Себастьян» датируется 1482–1485 годами и относится к раннему — миланскому — периоду в творчестве Леонардо. Тогда была написана его первая «Мадонна в скалах», которая сейчас хранится в Лувре.

Известно, что в Лувре найденный рисунок тоже исследовали, однако никаких официальных заявлений музей по этому поводу не сделал. Тем не менее, Кармен Барбах надеется, что работу приобретет один из французских музеев. По закону Франция имеет право объявить рисунок национальным достоянием и наложить запрет на его вывоз за границу — в этом случае в течение 30 месяцев власти должны будут собрать деньги на выкуп произведения искусства. Tajan оценил рисунок в 15 миллионов евро.

Найденный «Святой Себастьян» — первое произведение, атрибутированное Леонардо да Винчи с 2000 года. Тогда на Sothebyʼs выставлялась крошечная работа, которую также изучала Барбах. Рисунок был продан ниже оценки — примерно за 520 тысяч евро. Рекорд аукционной стоимости на графику Леонардо был установлен в 2001 году — его набросок с всадником ушел на Christieʼs за 11,5 миллиона долларов.

Метки: цена, находка, Леонардо Да Винчи, АЯТ
03:49 12.12.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Софи Андерсон

Художник Anderson, Sophie Gengembre(1823-1903)
Софи Жанжамбр Андерсон (фр. Sophie Gengembre Anderson; 1823, Париж — 10 марта 1903, Фолмаут, Корнуолл) — английская художница французского происхождения, специализировавшаяся в жанре портрета женщин и детей, преимущественно в окружении сельской местности. Её работы отмечены влиянием прерафаэлитизма.

Родителями художницы были парижский архитектор Шарль Жанжамбр и его жена-англичанка. Она получила хорошее домашнее образование, а в 1843 году обучалась у Шарля Штейбена. Вскоре семье пришлось переехать в США, спасаясь от революции 1848 года. В начале они жили в Цинциннати в Огайо, затем — в Манчестере в Пенсильвании, где Софи познакомилась с английским художником Уолтером Андерсоном и вышла за него замуж.

Сперва она писала портреты, включая сюда работу над цветными литографиями для компании Louis Prang & Co. В 1854 году Андерсоны переехали в Лондон, где Софи выставляла свои работы в Королевской академии художеств. В 1858 году они вернулись в Нью-Йорк, а около 1863 — окончательно осели в Лондоне.

На протяжении следующих трёх десятилетий её картины выставлялись в Королевской Академии художеств, Обществе Британских художников и многих региональных галереях. Ранние картины отмечены вниманием к ботаническим и другим деталям, что было характерно для прерафаэлитов.
Фотография

Метки: искусство, художник, картины, портреты, АЯТ
19:33 27.11.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Светлана Валуева

Светлана Валуева относится к той категории художников, которым удалось выработать, найти свой индивидуальный узнаваемый стиль живописи. Просмотрев ее сорок работ в жанре женского портрета, я несколько раз вспоминал Альфонса Муху. Не потому что художница пишет в его манере, а потому что выработала равный ему, по узнаваемости, индивидуальный стиль. Плохой он или хороший, удачный или нет – это дело каждого отдельного зрителя. Эта галерея будет прежде всего интересна тем художникам, кто ищет авторов отличающихся в своем творчестве от других.
Мне лично работы понравились. По тонким ощущениям не мое, но как стиль и манера – отлично. Особенно понравилось использование пространства. Оно словно переносит в некий виртуальный внутренний женский мир. И в картинах многое говорит об их именно женском начале: само содержание, линии, цвета. Кстати, использование цвета художницей тоже очень понравилось. Нет однообразия. Почти каждая картина звучит в каком-то определенном цветом ключе… Очень талантливая художница…

Родилась Светлана Валуева 24 октября 1966 года в Москве. Сколько себя помнит, она всегда рисовала. В 8 лет маленькой девочкой она со своей работой попала на международную художественную выставку на Кубе, где завоевала золотую медаль. Уже в 9 лет Светлана получила Гран-При ежегодной международной выставки детского рисунка в Дели. Первая ее персональная выставка прошла в престижной Московской галерее в 1993-ом. Картины Светланы Валуевой вызвали большой интерес, и в итоге были куплены одним издателем из Японии. В 1995 году Светлана, будучи уже довольно известной художницей, выполнила заказ Большого Театра — серию картин о балете.

Светлана Валуева говорит, что всегда любила изображать женщин. Порой в ее воображении рождались различные образы, порой ее привлекали настоящие женщины. Каждое новое женское лицо, единственное и неповторимое, сначало возникало в ее воображении, и лишь потом она изображала образ на холсте.»

Педагоги говорили Светлане, что она родились позже своей эпохи на целый век. Героини ее картин – женщины, которым более подходит эпоха Серебряного века, Арт Нуво. Одни из них – реальные, другие – плод фантазий. Все они окружены раззличными, порою странными, формами, предметами и знаками погружены в некое фантазийное нереальное пространство…

Фотография

Метки: творчество, искусство, картины, АЯТ
20:22 13.11.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Стихотворение Бальмонта об изобразительном искусстве

Аккорды


(Бальмонт, Константин)

Мне снился мучительный Гойя, художник чудовищных
грез,-
Больная насмешка над жизнью,— над царством могилы
вопрос.

Мне снился бессмертный Веласкес, Коэльо, Мурильо
святой,
Создавший воздушность и холод и пламень мечты
золотой.

И Винчи, спокойный, как Гете, и светлый, как сон,
Рафаэль,
И нежный как вздох, Боттичелли, нежней, чем 
весною свирель.

Мне снились волхвы откровений, любимцы грядущих
времен,
Воззванья влекущих на битву, властительно-ярких
знамен.

Намеки на сверхчеловека, обломки нездешних миров,
Аккорды бездонных значеньем, еще не разгаданных
снов.

Метки: стихи, искусство, АЯТ, Бальмонт
08:12 22.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

НАТЮРМОРТЫ, ПЕЙЗАЖИ ТАКАЯ РАЗНАЯ РИММА ВЬЮГОВА

Удивительный художник. Римма Вьюгова – она такая разная (как мастер живописи).

художник Римма Вьюгова - 01

Посмотрите на её работы. Я представляю только самую малую толику. И дело не в том, что она пишет натюрморты, пейзажи, портреты, миниатюры, реставрирует иконы и т.д.

Работы такие разные, что с первого взгляда сложно предположить, что всё это написал один художник.

Римма, в 1982 году, окончила Московское ХПУ имени Калинина и уже через восемь лет стала постоянным участником выставок «Город мастеров», выставляла свои работы не только в России, но и за рубежами страны. И с большим успехом.
В настоящее время реставрирует иконы в храме Преображения Господня в Ижевске.

ХУДОЖНИК РИММА ВЬЮГОВА. МАЛЕНЬКАЯ ГАЛЕРЕЯ

художник Римма Вьюгова - 02художник Римма Вьюгова - 03художник Римма Вьюгова - 04художник Римма Вьюгова - 05художник Римма Вьюгова - 06художник Римма Вьюгова - 07художник Римма Вьюгова - 08художник Римма Вьюгова - 09художник Римма Вьюгова - 10художник Римма Вьюгова - 11

Метки: живопись, картины, АЯТ, икусство, РИММА ВЬЮГОВА
09:09 16.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художественное фото

Фотохудожник из Турции Kemal Kamil Akca (Кемаль Камиль Ака) автор удивительных фотографий. Он создает свои фото используя самые разные фотофильтры, а в результате получаются фотографии, которые больше похожи на картины.Тут очень важно, что автор создает не просто красивую картинку. Он создает образ. Все возможности техники и талант Kemal Kamil Akca фокусируются на раскрытии внутреннего мира, поскольку настоящий художник знает, что самая-самая красота – она в человеке.

Метки: фото, искусство, картины, АЯТ
11:37 07.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Алан Джиана

Художник Alan Giana
Алан Джиана — один из современных художников с уникальным, красочным стилем. Алан Джиана всегда хотел быть художником. Одно из его первых произведений искусства было в возрасте четырех лет, когда он маркером разрисовал стены. Само собой разумеется его родители не были в большом восторге, но карьера была приведена в движение. Любовь Алана Джианы к природе и морю всегда была большой частью его жизни. Его оценка красоты, которая окружает нас, играла важную роль в его переходе к созданию вдохновляющих сценических художественных работ, которыми он известен на сегодняшний день.

Глядя на его работы, хочется убежать и окунуться в тишину и покой спокойного и красочного мира... Картины Алана были показаны в многочисленных галереях по всей стране, включая Делаверский Художественный Музей.
В 1991 он вошел в царство цифрового искусства, и с тех пор работал исключительно в той среде.

Более чем пятьдесят компаний Соединенных Штатов и Канады лицензируют его красивые картины для воспроизводства на продуктах, которые они делают: на календарях, книжных и журнальных обложках, зажигалках, декоративных флагах, подушках, Рождественских открытках, футболках, заставках компьютера, часах, коробках для компакт дисков, комплекты вышивки крестиками и многое другое.

Ху

Метки: живопись, искусство, картины, сказочный мир, АЯТ
02:25 03.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Артдокфест. В тени больших деревьев Фильм о племени пигмеев, исчезающем с наступлением цивилизации

В Москве, Санкт-Петербурге и Екатеринбурге в декабре 2016 года пройдет фестиваль документального кино «Артдокфест». Несколько фильмов из конкурсной программы будут показаны в октябре в Риге в рамках международного кинофестиваля. Дважды в неделю президент «Артдокфеста» Виталий Манский рассказывает на «Медузе» о всех фильмах, участвующих в конкурсе. В этом материале «Медуза» представляет картину «В тени больших деревьев» Вадима Витовцева (Россия, 2016).

Российское документальное кино, если рассматривать его как некое общее пространство, общий ландшафт, очень точно передает наш кинематографический эгоизм. Оно показывает, что мы интересуемся только самими собой. Мы всегда копаемся в себе. Редчайший случай, когда российский автор отправляется на другие континенты, чтобы глубоко разобраться в жизни иных. Но даже если мы отправляемся в другие страны, как это происходило в советские годы — например, Роман Кармен снимал «Пылающие острова», — все равно получалось кино про наше влияние на мир. Вьетнам, Куба и так далее — то есть мы в мире. Мир как таковой российское и советское кино почти не интересовал.

«В тени больших деревьев» / artdocfest

В этом смысле картина «В тени больших деревьев» в нашем кинематографе безусловно стоит особняком. Я должен предречь этому фильму большой международный успех — что опять же редкость в нынешний момент для российского кино. Авторы картины отправились в центр Африки, их герои — это племя пигмеев баака. Я хочу прочитать финальный титр фильма: «Сегодня сельское хозяйство и лесозаготовки составляют 60 процентов ВВП Центрально-Африканской республики. С 1990-го по 2016 год было уничтожено 900 гектаров экваториальных дождевых лесов». Именно в этих лесах живут пигмеи баака, и, возможно, в картине мы наблюдаем за последним поколением этого народа.

Фильм снят очень поэтично и кинематографически ярко, с замечательной операторской работой — не в режиме туристического телевизионного проекта, которых мы видели немало. У нас есть возможность наблюдать за настоящей жизнью этих людей. Дело в том, что очень часто телевизионные журналисты, снимающие разнообразные аналоги «Клуба путешественников», пытаются создать ощущение аутентичности жизни разных племен, хотя на самом деле они снимают театрализованное, инсценированное для туристов действо. Суть этой картины — это натиск цивилизации, которая растворяет и лишает племя своего традиционного уклада жизни, и авторы не боятся предъявлять эти стычки с цивилизацией. Более того, они являются главным драматургическим эффектом фильма.

Я понимаю, что никто из авторов не владеет языком баака, на котором общаются между собой герои фильма, и тем не менее там есть любопытные диалоги. Например, когда отец отправляет сына в город, кажется, купить продукты, а сын приезжает и сообщает, что он купил карту памяти для радиоприемника, на котором слушает современную музыку. Конфликт отца с сыном очень выразителен, он любопытно подсмотрен. «В тени больших деревьев» очень интересно смотреть, в мире таких фильмов немного, и для российского документального кино — это точно что-то новое.

Метки: видео, фестиваль, искусство, кинематограф, документальное кино, АЯТ
22:02 01.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Микромозаика

Микромозаика — это рисунок, выложенный из крошечных кусочков стекла. Это искусство зародилось в Италии и к концу 19 века достигло наивысшего развития. Теперь эти антикварные украшения стоят тысячи долларов.

Метки: фото, искусство, украшения, стекло, ценность, АЯТ
07:43 19.09.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

ЖАНРЫ В КИТАЙСКОМ ИСКУССТВЕ

Традиционная китайская живопись Го-хуа считается близкой по духу и используемым инструментам к каллиграфии.
В Китае в качестве носителя цвета используются плитки туши, которую растирают с водой до нужной консистенции, а также водяные краски с минеральными и растительными пигментами.
В качестве основы картины используется шёлк, хлопчатобумажная ткань, иногда бумага. Для нанесения красок используют кисти из бамбука и шерсти домашних или диких животных.
Цветовая гамма традиционной китайской живописи немногословна и состоит из трех, четырех сдержанных цветов, богатых тональных переходов одного цвета, как правило, цвета черной туши. Белый цвет листа или ткани создает условное воздушное пространство и является действующим цветом, а не пустотой не закрашенного поля.
Художники создают гармоничный и поэтический мир природы, растений, животных и птиц, используя основные стилистические приемы, сложившиеся в течение многих столетий. Основные стили традиционной живописи это гунби (тщательная кисть) и сеи (грубая кисть). Технике гунби присуща тщательность и точность в написании деталей, четкая прорисовка элементов картины. В технике сеи художник больше заботится о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей.

Жень у хуа

Жень у хуа (в переводе с кит. человек и цветы) — жанр китайской живописи, изображающий портрет человека или людей на фоне природы.
Изображение человека можно считать первым жанром в живописи Китая. Фоном для него часто служила окружающая человека природа.

Постепенно из жанра жень у хуа выделился в самостоятельный жанр пейзаж, который занял ведущее значение в китайской живописи.

Шань шуй

Шань-шуй (в переводе с кит. горы и вода) — жанр китайской живописи, изображающий горы и водопады.
Горы и вода в сознании китайцев воплощали важнейшие силы Вселенной — энергию и покой, активность и пассивность. Раннее появление пейзажа в китайском искусстве связано с особым отношением человека к природе.
В традиционной китайской живописи природа это предмет изучения и созерцания. Художник обращается к натуре, но никогда ее не копирует. Он создает гармонию мира, которая складывается из единства воды, воздуха, камня.
С высоты птичьего полета, с разворачивающимся по вертикали, или по горизонтали условным пространством и высоким горизонтом видны могучие горы, по которым стекают реки, или которые утопают в полупрозрачной дымке тумана. Человек мал и ничтожен, но он неразрывно связан с природой и в произведениях можно увидеть маленькую фигурку или человеческие жилища.

Хуа-няо птицы и цветы

Хуа-няо (в переводе с кит. цветы и птицы) — жанр китайской живописи, изображающий птицы и цветы.
Для жанра цветы и птицы характерны темы из жизни растений, птиц, насекомых. Художники данного направления в своих картинах передавали свои ощущения и восприятие мира, не только с помощью специфических художественных решений, но и через символические значения различных представителей флоры и фауны.
Так, особенное место в этом жанре занимало изображение "четырех совершенных" (дикой сливы мэйхуа, бамбука, сосны и хризантемы), которое символизировало чистых благородных людей, чья дружба и взаимная поддержка прошли все испытания.
Воплощением простоты, чистоты и скрытого благородства являлась орхидея.
Хризантема — символ возвышенного одиночества. Сосна олицетворяет конфуцианскую сдержанность и стойкость, долголетие; лотос — символ внутренней чистоты; пион — символ человеческой красоты, богатства, изобилия, почести и пышности и т.д.
Таким образом, картины жанра цветы и птицы почти всегда были наполнены скрытым символическим смыслом.

Бамбук

Мо-чжу (в переводе с кит. живопись бамбука) — жанр китайской живописи, изображающий бамбук (от целого растения до нескольких ветвей или листьев).
Мо-чжу одно из самых значительных стилистико-тематических направлений жанра цветы и птицы.
Бамбук на китайских картинах — символ несгибаемости и стойкости, человека высоких моральных качеств.
Достоверная история живописи бамбука прослеживается с творчества Вэнь Туна (1018-1079).
Обращение к живописи бамбука являлось свидетельством достижения вершин живописного мастерства, т.к. в рисунке должны были использоваться все известные в китайской живописи и каллиграфии способы работы с кистью. Ствол бамбука надлежало исполнять в стиле чжуаньшу (печатный стиль), коленца ствола — штрихами, выполненными в лишу (официальный стиль, протоуствной почерк), ветви — в скорописи цаошу, листья — в кайшу.
В XV-XVII вв. для живописи бамбука была разработана еще более сложная графическая система, учитывающая сорта растения и варианты его изображения в зависимости от сезона, времени суток и освещенности. Так, рисунок ствола, помимо собственно каллиграфических линий, должен был складываться из штрихов, моделирующих узлы сочленений, и сложных, соединяющихся между собой, точек-узелков, предназначенных для передачи округлости ствола и динамики роста растения.

Мо-мэй. Цветущая слива

Мо-мэй (в переводе с кит. живопись цветущей сливы) — жанр китайской живописи, изображающий цветущую сливу.
Мо-мэй одно из самых значительных стилистико-тематических направлений жанра цветы и птицы.
Начальный этап формирования живописи сливы в качестве отдельного направления живописи соотносится с эпохой Пяти династий (907-960).
Ветка с нежно-розовыми, белыми или жёлтыми цветами дикой сливы мэйхуа символизирует гордого человека кристальной чистоты, несгибаемость и стойкость.

Хуа-хуй. Цветы и растения

Гуа-го (в переводе с кит. плоды и ягоды) — жанр китайской живописи, изображающий плоды и ягоды — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Гуа-го. Плоды и ягоды

Хуа-хуй (в переводе с кит. цветы и растения) — жанр китайской живописи, изображающий цветы и растения — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Линг-мао

Линг-мао (в переводе с кит. пернатые и пушистые) — жанр китайской живописи, изображающий птиц и животных — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Лев являлся символом мощи и благородства; тигр — защитник от злых духов; журавль, черепаха — символы долголетия; летучая мышь, сорока — символы счастливой вести; селезень с уткой, две рыбки, две бабочки, два цветка лотоса на одном стебле — символы супружеского счастья; карпы кои — символ пожелания счастья и успехов; петух олицетворяет красоту, широкую известность и добрую славу.
Дракон символизирует могущество, мудрость и доброту. Иногда дракона изображают держащим волшебную жемчужину мудрости, что олицетворяет величие, мудрость и бессмертие. В Китае дракон с жемчужиной считался символом императора, его божественным покровителем. Птица феникс — символ человеколюбия, мира и процветания, а также символ императрицы.

Таким образом, картины жанра пернатые и пушистые почти всегда были наполнены скрытым символическим смыслом.

Чун-юй. Насекомые и рыбы

Чун-юй (в переводе с кит. насекомые и рыбы) — жанр китайской живописи, изображающий насекомых и рыб — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Метки: фото, китай, искусство, картины, АЯТ, жанры
01:39 05.09.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Пойнтер, Эдвард Джон

Художник Эдвард Джон Пойнтер (1836-1919)
Эдвард Джон Пойнтер (англ. Edward John Poynter; 20 марта 1836, Париж — 26 июля 1919) — английский художник.Cын архитектора и художника Амвросия Пойнтер.

Получил начальное художественное образование в Вестминстерской школе и в Ипсвиче, в 1856-1859 годах. Учился живописи у Шарля Глейра. Поселившись с 1860 года в Лондоне, пользовался руководством Лейтона. Приобрёл известность большими историко-мифологическими полотнами.

В 1869 году он сделался сопричисленным к Лондонской академии художеств, в 1871 году членом Бельгийского общества акварелистов, в 1876 году членом Лондонской академии художеств и в 1896 году (по смерти ее президента Дж. Милле) занял в ней его место.

В 1902 году ему был присвоен титул баронета. Отличаясь оригинальностью в композиции, точностью рисунка, блеском красок и деликатностью письма, он пользовался у своих соотечественников громкой известностью как превосходный исторический и жанровый живописец, преимущественно же как бесподобный акварелист.
Умер Эдвард Джон Пойнтер 26 июля 1919 года.

Метки: живопись, искусство, картины, АЯТ, биография художника
02:22 14.08.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художница стала одним целым с животными, посмотрев на мир их глазами

Венгерский фотограф и художник Флора Борси — великолепна. Её проект "Animeyed" (от слов animal — "животное" и eye — "глаз") прогремел на весь мир, выставлялся в Лувре и получил безоговорочное признание. В нём автор исследует связь между живыми существами и самой средой их обитания, то есть природой.

Все мы — одно целое, говорит нам Флора своими работами. Все мы — неотделимая часть Жизни и всего Сущего. Мы не лучше других живых существ и не должны высокомерно задирать нос, называем себя Царями среди зверей. Вместо этого люди, как старшие умные братья и сёстры, должны обратить свой взгляд на братьев наших меньших и попытаться стать ближе, взглянуть на мир их глазами.

Я хотела показать, что животные уникальны и особенны, но тем не менее, в нас есть много общего — рассказала Флора

Художница стала одним целым с животными, посмотрев на мир их глазами
© Flora Borsi • Источник фотографий: Boredpanda.com

Однажды я пыталась сделать селфи со своей собакой, и получилось так, что её глаз словно заменил один мой на фото. Так мне пришла в голову идея серии Animeyed

Художница стала одним целым с животными, посмотрев на мир их глазами

Создание каждого снимка отнимает по 15-20 часов — на макияж, укладку волос и создание образа. На ретушь готовой фотографии уходит ещё около 12 часов

Художница стала одним целым с животными, посмотрев на мир их глазами

Художница стала одним целым с животными, посмотрев на мир их глазами

Художница стала одним целым с животными, посмотрев на мир их глазами

Художница стала одним целым с животными, посмотрев на мир их глазами

Метки: искусство, работы, АЯТ
04:37 05.08.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Властелин морей. Почему картины Айвазовского нравятся всем

Третьяковская галерея открыла на Крымском валу выставку «Иван Айвазовский. К 200-летию со дня рождения».

Автопортрет И. Айвазовского (1874), галерея Уффици.
Автопортрет И. Айвазовского (1874), галерея Уффици. © / репродукция
  • 1

Хронологический казус в данном случае (художник родился в 1817 г.) не должен смущать. Во-первых, юбилеи фигур такого калибра могут и должны отмечаться долго. Во-вторых, согласно пословице, «Кто празднику рад, тот празднует заранее».

Айвазовский — именно такой праздник. Он повсеместно любим и стопроцентно узнаваем. Так было всегда. Современник художника писатель Фёдор Достоевскийсравнивал его с Дюма: «И тот, и другой поражают чрезвычайной эффектностью… Дюма читался с жадностью, с азартом, картины Айвазовского раскупаются нарасхват».

span-12" data-params="{"title":""Вид на взморье в окрестностях Петербурга", 1835 г.","author":"","source":{"url":"","title":"репродукция"}}" id="picture_662929" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; position: relative; ; background-image: initial; background-attachment: initial; background-size: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-position: initial; background-repeat: initial;">
««Чесменский бой», 1848 г.»,
«Чесменский бой», 1848 г. репродукция

Он действительно нравился всем. В его картинах всякий мог и может найти что-то своё, родное. Скажем, герой обороны Севастополя адмирал Корнилов специально прибыл в Феодосию на боевом корабле «12 апостолов» и салютовал Айвазовскому из всех орудий — так было оценено историческое полотно «Чесменский бой». Художник не останется в долгу — этот корабль будет написан на восьми его картинах. Две его ранние юношеские работы — «Этюд воздуха над морем» и «Вид на взморье», написанные в 1835 г., восхитили баснописца Крылова: «Прелесть как хорошо!», — а годом позже и самого Пушкина: «Эти морские волны запали мне в душу».

Он уживался даже с новаторами. Известно, что Айвазовский задолго до опыта передвижников устраивал свои выставки не только в столицах, но и в провинции. Передвижники не ревновали. Более того — ценили его мастерство, чему свидетельством совместная работа Айвазовского и Репина «Прощание Пушкина с морем».

span-12" data-params="{"title":""Прощание Пушкина с морем", 1877 г., совместно с И. Репиным.","author":"","source":{"url":"","title":"репродукция"}}" id="picture_662928" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; position: relative; ; background-image: initial; background-attachment: initial; background-size: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-position: initial; background-repeat: initial;">
«Прощание Пушкина с морем», 1877 г., совместно с И.  Репиным.
«Прощание Пушкина с морем», 1877 г., совместно с И. Репиным. репродукция

Айвазовский был ещё и щедрым. Профинансировал строительство здания в Феодосии, в котором разместился археологический музей, оплачивал работы по благоустройству города.

Острослов Гоголь, будучи в Риме, в 1841 г. стал свидетелем триумфа полотна «Хаос. Сотворение мира»: «Пришёл ты, маленький человек с берегов Невы, и сразу поднял «Хаос» в Ватикане!». Картину купил римский папа Григорий XVI. Впрочем, бывали покупатели и познатнее. Вот слова императора Николая I: «Что бы ни написал Айвазовский, будет куплено мною». Слово своё он держал — на одной из выставок было представлено 9 картин художника. Император купил 6, в том числе знаменитый «Девятый вал». По словам самого живописца, Николай как-то на морской прогулке, перекрывая шум волн, крикнул ему: «Айвазовский! Я — царь земли, а ты — царь моря!» Пожалуй, это самая точная оценка.

Метки: живопись, искусство, картины, Айвазовский, АЯТ
<< назад вперед >>
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Ирина Кравец
Войти