Мне подарили

13:28 18.08.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Я ВЫСТЕЛЮ ТЕБЕ ДОРОГУ В ОСЕНЬ...

Анри Жан Гийом Мартэн
Я выстелю тебе дорогу в Осень,
Багряною и жёлтою листвою,
И в небо синее слегка добавлю проседь
, И птиц на юг пущу над головою.
Знакомая, не правда ли, картина?
Такие дни сейчас нас окружают,
А мы с тобой ещё не понимаем,
Что значит — в воздухе летает паутина.
И даже песни стали мелодичней,
И пробивает на слезу опять невольно
, Всё хорошо, и даже всё отлично,
Но отчего-то сердцу снова больно...
Как будто жизнь уходит постепенно,
И... даже не "как будто" — так и есть,
В плену у Осени воспоминанья тленны,
И это — лету за беспечность месть.
И листик золотой на тёмной луже,
Какой контраст! И золото и грязь!
Миг праздника — и ты уже не нужен,
И так уходишь, даже не простясь...
Я покажу тебе дорогу в Осень.
В ней — целый мир! Не бойся, покорись.
Ведь даже в проседи порой мелькает просинь,
И сквозь дожди — мы продолжаем жизнь.
(Оксана Панкова)
***
***
***
***
***
***
Метки: осень, стихи, живопись, искусство, картины, АЯТ
20:10 20.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество ⋘ КРА - СО - ТА ⋙

УБИЙСТВЕННО КРАСИВЫ

Красота требует жертв. Человеческих. Увы, часто это не шутка. История доказывает: ради идеальной внешности люди во все века калечили себя. А иногда и убивали

HEMIS_0248167.jpg

ДРЕВНИЙ ЕГИПЕТ: АРОМАТНЫЕ ПАРИКИ

Много веков у египтян в моде были пышные парики. Самые дорогие делали из человеческих волос, подешевле — из волос, смешанных с овечьей шерстью, еще проще — из шерсти целиком или из растительных волокон. И мужчины и женщины, носившие парики, коротко стриглись — это спасало от паразитов. Египтяне также пользовались румянами, изготовленными из красной глины, и еще обожали благовония. Сохранилось много изображений пирующих людей с укрепленными на париках ароматическими конусами; когда по улице двигалась царская процессия, созерцавшие ее подданные в знак почтения смазывали волосы благовонными маслами. Представители обоих полов густо подводили глаза зеленой малахитовой краской, позже ее вытеснила черная — из свинцовой руды. Свинец токсичен, однако египтяне считали, что подводка для век защищает их от болезней. Несколько лет назад химики Филипп Уолтер, Кристиан Аматоре и другие исследовали остатки древнеегипетской краски и нашли в них соли свинца, которые, соприкасаясь с кожей, способствуют выделению оксида азота, а тот, в свою очередь, участвует в регуляции иммунной системы. Так что поверье, вполне возможно, было небезосновательным.

F8GN8G.jpg
29–26 тыс. до н. э.
Виллендорфская Венера
Одна из «палеолитических Венер», первобытных статуэток с утрированными признаками плодовитой женщины.

BDKTWC.jpg
XIV век до н. э.
Нефертити
«Описывать бесцельно, надо смотреть», — отметил в дневнике археолог, обнаруживший бюст египетской царицы.

01AFMFKV.jpg
I век до н. э.
Клеопатра VII 
От длины носа прекрасной египтянки, согласно известному афоризму, зависела история мира.

РИМЛЯНЕ РАННЕЙ ИМПЕРИИ: БЕЛИЛА ОТ КРОКОДИЛА

Римский идеал красоты на рубеже новой эры — статная белокожая блондинка. Поэтому дамы осветляли волосы всевозможными средствами: галльским мылом из букового пепла и козьего жира, смесью осадка винного уксуса с маслом мастикового дерева и даже голубиным пометом. Поэт Овидий в «Науке любви» писал, что соотечественницы подрисовывали себе брови так, что они сходились на переносице. Чтобы уберечь лицо от загара, римская модница выходила на улицу под зонтом от солнца. Кроме того, дамы белились разведенным в уксусе мелом, а также мазью из крокодильих экскрементов. Еще в Древней Греции были известны свинцовые белила, охотно пользовались ими и римлянки. Однако от ядовитого металла портились кожа и зубы, более того, свинец имеет свойство накапливаться в организме и вызывать различные болезни, в том числе онкологические. Вредили здоровью и румяна из киновари — сульфида ртути. Чтобы скрывать дефекты кожи и подчеркивать ее белизну, римлянки, вероятно, первыми придумали мушки — искусственные родинки из ткани.

MCDTROY_EC014_H.jpg
IX–VIII века до н. э.
Елена Троянская

Легенда о Троянской войне из-за похищенной красавицы лежит в основе гомеровского эпоса «Илиада».

GDBR48.jpg
VI век
Императрица Феодора
Цирковая танцовщица стала византийской императрицей благодаря необычайной красоте.

СРЕДНЕВЕКОВАЯ ЯПОНИЯ: БРОВИ-БАБОЧКИ

В эпоху Хэйан (VIII–XII века) у японских дам «в тренде» были длинные прямые волосы, струящиеся до пят и далее. Вьющиеся пряди писательница X столетия Сэй-Сёнагон называла «претенциозно пошлыми». Многие дамы, не имея густой шевелюры от природы, использовали шиньоны и парики. Смуглая женщина не могла считаться красавицей. Аристократкам подобало удалять брови и в несколько слоев покрывать лицо, шею и уши белилами на основе свинца. Случалось, «штукатурка» отваливалась кусками, когда дама, забывшись, касалась лица рукавом. На лбу сажей ставили два пятна — «брови-облака» или «брови-бабочки», в зависимости от формы. Губы красили ярко-алой помадой; привлекательным считался маленький аккуратный рот. Декоративной косметикой пользовались и мужчины. В конце периода Хэйан вошло в моду чернить зубы по достижении полового созревания; так делали и юноши и девушки. Специальный состав для этого получали разными способами — из вина, уксуса, чая, железных опилок, древесной коры, измельченных чернильных орешков. Черный был очень почитаемым цветом, кроме того, средневековые японцы полагали, что он красиво оттеняет набеленное лицо.

МОНГОЛЬСКИЕ СТЕПИ: КУРНОСЫЕ КОЧЕВНИЦЫ

Женщины монгольских племен в XIII веке, когда Чингисхан создавал свою империю, любили броский макияж. По крайней мере, по мнению иноземцев. Дамы мазали лицо желтыми белилами (которые китайский дипломат Сюй Тин принял за волчий помет) и, по свидетельству фламандского монаха-путешественника Виллема Рубрука, очень густо подводили брови черной краской. «Все женщины удивительно тучны, — также отмечал фламандец, — и та, у которой нос меньше, чем у других, считается более красивой». Рубрук рассказывал, что видел супругу монгольского военачальника, у которой, по-видимому, ради соответствия идеалу был отрезан кончик носа. У монголов обоего пола были сложные прически: мужчины брили волосы от лба до макушки, где оставляли свисающую до бровей челку. А по сторонам длинные пряди заплетали в косы и закрепляли вокруг ушей. Замужние дамы также брили волосы от лба до макушки, а оставшиеся прятали в высокий головной убор с каркасом из дерева или коры. Чтобы защитить кожу от сухого степного воздуха, монгольские красавицы и красавцы обмазывались пахучим бараньим жиром.

Hua-Qing-Chi-Yang-Gui-Fei.jpg
VIII век
Ян Гуйфэй
Наложница императора Сюань-цзуна — одна из самых прославленных красавиц в истории Китая.

КИТАЙ ДИНАСТИИ МИН: ЛОТОСОВЫЕ НОЖКИ

В Китае XIV–XVII веков залогом успеха красавицы был миниатюрный размер ноги. Стопа длиной до 10 см называлась «золотой лотос», до 13 см — «серебряный лотос». Поэтому девочкам с 4–7 лет бинтовали ноги, ломая кости плюсны. Пальцы, кроме большого, загибали вниз, от сдавливания и переломов нередко начинался некроз, и их ампутировали. При ходьбе девочка испытывала сильную боль, и потом всю оставшуюся жизнь женщина с трудом передвигалась. Однако девушка с нормальным размером ноги рисковала не найти себе мужа; жених имел право отказаться от свадьбы, выяснив, что длина стопы его избранницы превышает «стандарт красоты». Обычай просуществовал до середины XX века. В моде в эпоху династии Мин был и другой признак праздности, а значит, и аристократизма: очень длинные ногти, до 20–25 см. Их покрывали лаком, а на пальцы надевали защитные чехлы из золота.

ЦИВИЛИЗАЦИЯ МАЙЯ: ПРЕЛЕСТНОЕ КОСОГЛАЗИЕ

У представителей мезоамериканской цивилизации майя привлекательным считалось косоглазие. По свидетельству испанского миссионера XVI века Диего де Ланды, аборигены искусственно вызывали его у детей обоего пола, прикрепляя к волосам смоляной шарик на нитке, чтобы он свисал в районе переносицы. Также матери удлиняли детям черепа с помощью досок и тугой повязки (впрочем, обычаи искусственно изменять форму головы встречались на всех обитаемых континентах). Модными были заостренные зубы; кроме того, их инкрустировали полудрагоценными камнями. Мезоамериканские щеголи прокалывали уши, ноздри и нижнюю губу, в которые вставляли массивные украшения. Обилие татуи­ровок и специально нанесенных шрамов на теле было предметом гордости. Очень изысканным, по словам Ланды, у майя считалось натирать красной краской лицо и тело. Конкистадор Эрнан Кортес сообщал, что краска также защищала их от жары, холода и москитов.

Хозяйке на заметку

«Для сладости дыхания рекомендуется натирать зубы пеплом мышей и медом; некоторые добавляют еще корень фенхеля».
Плиний Старший. Естественная история. Книга XXX, глава 9. I век н. э.

«Мазь для расчесывания волос. В кастрюлю с маслом положить живую ящерицу и недавно сброшенную кожу змеи… Поставить кастрюлю на огонь и кипятить, пока ящерица не сгорит. Когда же сгорит, вылить это масло в сосуд и расчесывать с ним волосы».
«Книга для женщин…». Испания. 1525 год

«Чтобы сделать волосы белее. Посади в новый горшок как можно больше пчел и поставь его на огонь, растолки с маслом и намажь этим голову».
Сборник «Тротула». Италия. XII век

«Промойте сало борова несколько раз в майской росе, очищенной на солнце, пока оно не станет в основном белым, затем возьмите корень алтея, отрезав кончики, нарежьте его тонкими ломтиками и перемешайте с салом; замочите смесь в кипящей воде и снимайте пену до тех пор, пока она не очистится и не станет вязкой…»
Рецепт белил из книги Хью Плата «Радости для дам». Англия. 1602 год

МОСКОВСКОЕ ЦАРСТВО: ПИСАНАЯ КРАСОТА

У дам Московской Руси было принято краситься ярко и довольно небрежно. Британский дипломат Джайлс Флетчер в XVI веке отмечал: «Женщины, стараясь скрыть дурной цвет лица, белятся и румянятся так много, что каждый может заметить». «В городах все почти румянятся, притом чрезвычайно грубо и неискусно; при взгляде на них можно подумать, что они обсыпали себе лицо мукой и потом кисточкой накрасили себе щеки», — писал в следующем столетии немецкий путешественник, ученый-энциклопедист Адам Олеарий. Белились и румянились также некоторые мужчины — в частности, фаворит царевны Софьи князь Василий Голицын, который еще и завивал усы. Дорогая декоративная косметика была вредной для здоровья: белила на основе свинца, румяна с киноварью, ядовитая сурьма для бровей. Врач царя Алексея Михайловича Сэмюэл Коллинз отмечал, что русские женщины чернили зубы. По предположению Коллинза, зубы чернили те, кто разрушил эмаль ртутным отбеливателем, чтобы не был заметен ущерб. Впрочем, возможно, дамы, наоборот, стремились продемонстрировать улыбку, подпорченную дорогим продуктом — сахаром, как знак достатка. В допетровской Руси перспективными невестами считались дородные девушки. «Худощавые женщины почитаются нездоровыми, — объяснял Сэмюэл Коллинз, — и потому те, которые от природы не склонны к полноте, предаются всякого рода эпикурейству с намерением растолстеть».

Mona_Lisa_by_Leonardo_da_V.jpg
1503–1519
Мона Лиза
Можно спорить, является ли она красавицей, но, несомненно, Джоконда — самый знаменитый женский образ в истории живописи.

RAFAEL_Madonna_Sixtina.jpg
1512–1513
Сикстинская мадонна
Один из самых знаменитых женских образов эпохи Ренессанса. Возможно, для картины позировала любовница Рафаэля, Маргерита Лути.

1665_Girl_with_a_Pearl_Earr.jpg
XVII век
«Девушка с жемчужной сережкой»
Имя красавицы с полотна Вермеера, которую называют северной Моной Лизой, неизвестно.

Продолжение следует....

Метки: картины, портреты, соо "Красота"
23:49 06.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Фредерик Лейтон

"... И все-таки красивая женщина – это больше, чем внешность.
Это и тепло, и ум изнутри. Это свечение. Это "проступание" сквозь одежду."

Михаил Жванецкий
Художник Фредерик Лейтон (1830-1896)
Pavonia, 1858
Барон Фредерик Лейтон (англ. Frederic Leighton, 3 декабря 1830 — 25 января 1896) — английский художник, яркий представитель викторианского академизма (салонного искусства), в некоторых отношениях близкий к прерафаэлитам.
Фредерик Лейтон родился 3 декабря 1830 года в Скарборо, графство Северный Йоркшир. Его отец, Эдвард Лейтон, преподавал медицину, а дед был придворным врачом российского императора Александра I.

Лейтон начал рисовать в девять лет, поправляясь после скарлатины. В 1842 году он (прибавив себе несколько лет) поступил в берлинскую Академию художеств. Уже через три года его приняли в Академию художеств во Флоренции. Серьёзно писать Фредерик Лейтон начал во Франкфурте в 1846 году. Здесь он поступил в местный институт культуры. Через два года Лейтон покидает Франкфурт, в связи с революционными волнениями и переезжает в Париж.

В 1850 году он вместе с семьёй вновь оказался во Франкфурте и смог закончить учёбу. В Германии Лейтон преступил к работе над первыми масштабными полотнами (сюжеты, взятые из жизненных сцен итальянского живописца Чимабуэ, жившего во второй половине XIII столетия). Подобный выбор был характерен для художника, воспитанного в традициях классической школы.

Чтобы лучше проникнуться творчеством великих итальянских живописцев, Лейтон в 1852 году принял первое в своей жизни самостоятельное (одиночное) путешествие. В ноябре того же года он был уже в Риме, где с головой окунулся в вихрь светских удовольствий. Руководительницей Лейтона в его похождениях стала Аделаида Сарторис, известная оперная певица.

Салон Аделаиды Сарторис открыл возможность молодому живописцу познакомиться со многими замечательными людьми своего времени, в том числе с Уильямом Теккереем. Особенно тесные дружеские отношения завязались у него с «поэтической» семьёй Браунингов, а также с ведущими французскими академическими живописцами того времени,
Ж. Л. Жеромом и А. В. Бугро. Впоследствии, Лейтон создал серию иллюстраций к поэме Элизабет Барретт Браунинг, а после её смерти спроектировал надгробие на её могиле.
В 1855 году он завершил работу над своей «Мадонной Чимабуэ» и отослал её в Лондон, на выставку Королевской Академии. Картина заполучила огромный успех и была приобретена королевой Викторией за 600 гиней. О художнике заговорили в аристократических кругах Англии.

В 1855 Лейтон так же посещает Всемирную выставку в Париже и остаётся в городе на последующие три года (с перерывами), где совершенствовал своё мастерство. В 1857 году он едет в Алжир. С этой поездки началось его увлечение восточной культурой, мотивы которой впоследствии художник часто использовал в своих живописных полотнах. В дальнейшем мастер побывал в Сирии, Египте и Турции.

В 1859 году Лейтон уже в Лондоне, принц Уэльский приобрёл в этом же году его картину, после чего наследник престола стал не только дальнейшим покровителем живописца, но и его верным другом. В 1859-м художник вступил в 20-й Добровольческий стрелковый корпус Миддлсекса, больше известный как «Стрелковый корпус художников» и принимал самое активное участие в жизни своего подразделения. В 1880-м году Лейтону присвоили звание полковника.

Уже в начале 1860-х годов его ежегодный доход составлял около 4000 фунтов стерлингов. В 1864 году положение Лейтона ещё более упрочилось — он стал членом Королевской Академии художеств. К этому году для художника был построен роскошный особняк с мастерской в Кенсингтоне, на Холленд-Парк-роуд столицы Британии. А в 1869-м году Лейтона назначили инспектором художественных школ при Королевской Академии. Крупнейшим произведением, созданным живописцем в этом году, стали две фрески «по индустриальным мотивам».

1878 год принёс Лейтону новые почести и обязанности. Его избрали президентом Королевской Академии и наградили французским орденом Почётного легиона. Тогда же ему был присвоен дворянский титул. В 1880-м году правительство Италии предложило мастеру прислать свой автопортрет для уникальной коллекции автопортретов знаменитых живописцев, которая хранится в галерее Уффици. А в 1896 году, перед самой смертью, Лейтон первым из британских художников удостоился титула барона.
25 января 1896-го года Лейтон скончался. Гроб с телом мастера выставили в Королевской Академии, а 3 февраля Лейтона со всеми почестями похоронили в лондонском соборе Св. Павла.
Фотография

Метки: творчество, жизнь, искусство, картины, АЯТ, о художнике
17:06 04.03.2017
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Искусство фотографа Саролта Бан

Саролта Бан (Sarolta Bán)27-летний фотограф-самоучка из Будапешта. Саролта обычно производит различные манипуляции со своими работами в течение нескольких часов до нескольких дней, при этом используя до 100 различных слоев для одного изображения.

Сама Бан говорит о своей работе следующее:

“Мне нравится использовать привычные детали в изображениях. Комбинируя их, я даю им различные истории и лица. Таким образом я счастлива, когда разные люди находят разные значения в моих фотографиях.”

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)

Фотографии Саролты Бан (Sarolta Bán) (12 фото)
Метки: фотографии, искусство, картины, АЯТ, необычность
12:26 21.12.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество ≋ МУЗЫКА СЛОВ ≋

Я жива

Нет, мне уже не страшно быть одной. Пусть ночь темна, дорога незнакома. Ты далеко и все-таки со мной. И мне спокойно, мне легко, я дома.
Какие чары в голосе родном! Я сокрушаюсь только об одном — О том, что жизнь прошла с тобою розно, О том, что ты позвал меня так поздно.
Но даже эта скорбь не тяжела. От унижений, ужасов, увечий Я не погибла, нет, я дожила, Дожаждалась, дошла до нашей встречи.
Твоя немыслимая чистота — Мое могущество, моя свобода, Мое дыханье: я с тобою та, Какой меня задумала природа.
Я не погибла, нет, я спасена. Гляди, гляди — жива и невридима. И даже больше — я тебе нужна. Нет, больше, больше — я необходима.
Художница Мария Зелдис

Автор слов Петровых М.

Метки: стихи, картины, портреты, МС
03:49 12.12.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Софи Андерсон

Художник Anderson, Sophie Gengembre(1823-1903)
Софи Жанжамбр Андерсон (фр. Sophie Gengembre Anderson; 1823, Париж — 10 марта 1903, Фолмаут, Корнуолл) — английская художница французского происхождения, специализировавшаяся в жанре портрета женщин и детей, преимущественно в окружении сельской местности. Её работы отмечены влиянием прерафаэлитизма.

Родителями художницы были парижский архитектор Шарль Жанжамбр и его жена-англичанка. Она получила хорошее домашнее образование, а в 1843 году обучалась у Шарля Штейбена. Вскоре семье пришлось переехать в США, спасаясь от революции 1848 года. В начале они жили в Цинциннати в Огайо, затем — в Манчестере в Пенсильвании, где Софи познакомилась с английским художником Уолтером Андерсоном и вышла за него замуж.

Сперва она писала портреты, включая сюда работу над цветными литографиями для компании Louis Prang & Co. В 1854 году Андерсоны переехали в Лондон, где Софи выставляла свои работы в Королевской академии художеств. В 1858 году они вернулись в Нью-Йорк, а около 1863 — окончательно осели в Лондоне.

На протяжении следующих трёх десятилетий её картины выставлялись в Королевской Академии художеств, Обществе Британских художников и многих региональных галереях. Ранние картины отмечены вниманием к ботаническим и другим деталям, что было характерно для прерафаэлитов.
Фотография

Метки: искусство, художник, картины, портреты, АЯТ
19:33 27.11.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Светлана Валуева

Светлана Валуева относится к той категории художников, которым удалось выработать, найти свой индивидуальный узнаваемый стиль живописи. Просмотрев ее сорок работ в жанре женского портрета, я несколько раз вспоминал Альфонса Муху. Не потому что художница пишет в его манере, а потому что выработала равный ему, по узнаваемости, индивидуальный стиль. Плохой он или хороший, удачный или нет – это дело каждого отдельного зрителя. Эта галерея будет прежде всего интересна тем художникам, кто ищет авторов отличающихся в своем творчестве от других.
Мне лично работы понравились. По тонким ощущениям не мое, но как стиль и манера – отлично. Особенно понравилось использование пространства. Оно словно переносит в некий виртуальный внутренний женский мир. И в картинах многое говорит об их именно женском начале: само содержание, линии, цвета. Кстати, использование цвета художницей тоже очень понравилось. Нет однообразия. Почти каждая картина звучит в каком-то определенном цветом ключе… Очень талантливая художница…

Родилась Светлана Валуева 24 октября 1966 года в Москве. Сколько себя помнит, она всегда рисовала. В 8 лет маленькой девочкой она со своей работой попала на международную художественную выставку на Кубе, где завоевала золотую медаль. Уже в 9 лет Светлана получила Гран-При ежегодной международной выставки детского рисунка в Дели. Первая ее персональная выставка прошла в престижной Московской галерее в 1993-ом. Картины Светланы Валуевой вызвали большой интерес, и в итоге были куплены одним издателем из Японии. В 1995 году Светлана, будучи уже довольно известной художницей, выполнила заказ Большого Театра — серию картин о балете.

Светлана Валуева говорит, что всегда любила изображать женщин. Порой в ее воображении рождались различные образы, порой ее привлекали настоящие женщины. Каждое новое женское лицо, единственное и неповторимое, сначало возникало в ее воображении, и лишь потом она изображала образ на холсте.»

Педагоги говорили Светлане, что она родились позже своей эпохи на целый век. Героини ее картин – женщины, которым более подходит эпоха Серебряного века, Арт Нуво. Одни из них – реальные, другие – плод фантазий. Все они окружены раззличными, порою странными, формами, предметами и знаками погружены в некое фантазийное нереальное пространство…

Фотография

Метки: творчество, искусство, картины, АЯТ
08:12 22.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

НАТЮРМОРТЫ, ПЕЙЗАЖИ ТАКАЯ РАЗНАЯ РИММА ВЬЮГОВА

Удивительный художник. Римма Вьюгова – она такая разная (как мастер живописи).

художник Римма Вьюгова - 01

Посмотрите на её работы. Я представляю только самую малую толику. И дело не в том, что она пишет натюрморты, пейзажи, портреты, миниатюры, реставрирует иконы и т.д.

Работы такие разные, что с первого взгляда сложно предположить, что всё это написал один художник.

Римма, в 1982 году, окончила Московское ХПУ имени Калинина и уже через восемь лет стала постоянным участником выставок «Город мастеров», выставляла свои работы не только в России, но и за рубежами страны. И с большим успехом.
В настоящее время реставрирует иконы в храме Преображения Господня в Ижевске.

ХУДОЖНИК РИММА ВЬЮГОВА. МАЛЕНЬКАЯ ГАЛЕРЕЯ

художник Римма Вьюгова - 02художник Римма Вьюгова - 03художник Римма Вьюгова - 04художник Римма Вьюгова - 05художник Римма Вьюгова - 06художник Римма Вьюгова - 07художник Римма Вьюгова - 08художник Римма Вьюгова - 09художник Римма Вьюгова - 10художник Римма Вьюгова - 11

Метки: живопись, картины, АЯТ, икусство, РИММА ВЬЮГОВА
09:09 16.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художественное фото

Фотохудожник из Турции Kemal Kamil Akca (Кемаль Камиль Ака) автор удивительных фотографий. Он создает свои фото используя самые разные фотофильтры, а в результате получаются фотографии, которые больше похожи на картины.Тут очень важно, что автор создает не просто красивую картинку. Он создает образ. Все возможности техники и талант Kemal Kamil Akca фокусируются на раскрытии внутреннего мира, поскольку настоящий художник знает, что самая-самая красота – она в человеке.

Метки: фото, искусство, картины, АЯТ
11:37 07.10.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Алан Джиана

Художник Alan Giana
Алан Джиана — один из современных художников с уникальным, красочным стилем. Алан Джиана всегда хотел быть художником. Одно из его первых произведений искусства было в возрасте четырех лет, когда он маркером разрисовал стены. Само собой разумеется его родители не были в большом восторге, но карьера была приведена в движение. Любовь Алана Джианы к природе и морю всегда была большой частью его жизни. Его оценка красоты, которая окружает нас, играла важную роль в его переходе к созданию вдохновляющих сценических художественных работ, которыми он известен на сегодняшний день.

Глядя на его работы, хочется убежать и окунуться в тишину и покой спокойного и красочного мира... Картины Алана были показаны в многочисленных галереях по всей стране, включая Делаверский Художественный Музей.
В 1991 он вошел в царство цифрового искусства, и с тех пор работал исключительно в той среде.

Более чем пятьдесят компаний Соединенных Штатов и Канады лицензируют его красивые картины для воспроизводства на продуктах, которые они делают: на календарях, книжных и журнальных обложках, зажигалках, декоративных флагах, подушках, Рождественских открытках, футболках, заставках компьютера, часах, коробках для компакт дисков, комплекты вышивки крестиками и многое другое.

Ху

Метки: живопись, искусство, картины, сказочный мир, АЯТ
07:43 19.09.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

ЖАНРЫ В КИТАЙСКОМ ИСКУССТВЕ

Традиционная китайская живопись Го-хуа считается близкой по духу и используемым инструментам к каллиграфии.
В Китае в качестве носителя цвета используются плитки туши, которую растирают с водой до нужной консистенции, а также водяные краски с минеральными и растительными пигментами.
В качестве основы картины используется шёлк, хлопчатобумажная ткань, иногда бумага. Для нанесения красок используют кисти из бамбука и шерсти домашних или диких животных.
Цветовая гамма традиционной китайской живописи немногословна и состоит из трех, четырех сдержанных цветов, богатых тональных переходов одного цвета, как правило, цвета черной туши. Белый цвет листа или ткани создает условное воздушное пространство и является действующим цветом, а не пустотой не закрашенного поля.
Художники создают гармоничный и поэтический мир природы, растений, животных и птиц, используя основные стилистические приемы, сложившиеся в течение многих столетий. Основные стили традиционной живописи это гунби (тщательная кисть) и сеи (грубая кисть). Технике гунби присуща тщательность и точность в написании деталей, четкая прорисовка элементов картины. В технике сеи художник больше заботится о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей.

Жень у хуа

Жень у хуа (в переводе с кит. человек и цветы) — жанр китайской живописи, изображающий портрет человека или людей на фоне природы.
Изображение человека можно считать первым жанром в живописи Китая. Фоном для него часто служила окружающая человека природа.

Постепенно из жанра жень у хуа выделился в самостоятельный жанр пейзаж, который занял ведущее значение в китайской живописи.

Шань шуй

Шань-шуй (в переводе с кит. горы и вода) — жанр китайской живописи, изображающий горы и водопады.
Горы и вода в сознании китайцев воплощали важнейшие силы Вселенной — энергию и покой, активность и пассивность. Раннее появление пейзажа в китайском искусстве связано с особым отношением человека к природе.
В традиционной китайской живописи природа это предмет изучения и созерцания. Художник обращается к натуре, но никогда ее не копирует. Он создает гармонию мира, которая складывается из единства воды, воздуха, камня.
С высоты птичьего полета, с разворачивающимся по вертикали, или по горизонтали условным пространством и высоким горизонтом видны могучие горы, по которым стекают реки, или которые утопают в полупрозрачной дымке тумана. Человек мал и ничтожен, но он неразрывно связан с природой и в произведениях можно увидеть маленькую фигурку или человеческие жилища.

Хуа-няо птицы и цветы

Хуа-няо (в переводе с кит. цветы и птицы) — жанр китайской живописи, изображающий птицы и цветы.
Для жанра цветы и птицы характерны темы из жизни растений, птиц, насекомых. Художники данного направления в своих картинах передавали свои ощущения и восприятие мира, не только с помощью специфических художественных решений, но и через символические значения различных представителей флоры и фауны.
Так, особенное место в этом жанре занимало изображение "четырех совершенных" (дикой сливы мэйхуа, бамбука, сосны и хризантемы), которое символизировало чистых благородных людей, чья дружба и взаимная поддержка прошли все испытания.
Воплощением простоты, чистоты и скрытого благородства являлась орхидея.
Хризантема — символ возвышенного одиночества. Сосна олицетворяет конфуцианскую сдержанность и стойкость, долголетие; лотос — символ внутренней чистоты; пион — символ человеческой красоты, богатства, изобилия, почести и пышности и т.д.
Таким образом, картины жанра цветы и птицы почти всегда были наполнены скрытым символическим смыслом.

Бамбук

Мо-чжу (в переводе с кит. живопись бамбука) — жанр китайской живописи, изображающий бамбук (от целого растения до нескольких ветвей или листьев).
Мо-чжу одно из самых значительных стилистико-тематических направлений жанра цветы и птицы.
Бамбук на китайских картинах — символ несгибаемости и стойкости, человека высоких моральных качеств.
Достоверная история живописи бамбука прослеживается с творчества Вэнь Туна (1018-1079).
Обращение к живописи бамбука являлось свидетельством достижения вершин живописного мастерства, т.к. в рисунке должны были использоваться все известные в китайской живописи и каллиграфии способы работы с кистью. Ствол бамбука надлежало исполнять в стиле чжуаньшу (печатный стиль), коленца ствола — штрихами, выполненными в лишу (официальный стиль, протоуствной почерк), ветви — в скорописи цаошу, листья — в кайшу.
В XV-XVII вв. для живописи бамбука была разработана еще более сложная графическая система, учитывающая сорта растения и варианты его изображения в зависимости от сезона, времени суток и освещенности. Так, рисунок ствола, помимо собственно каллиграфических линий, должен был складываться из штрихов, моделирующих узлы сочленений, и сложных, соединяющихся между собой, точек-узелков, предназначенных для передачи округлости ствола и динамики роста растения.

Мо-мэй. Цветущая слива

Мо-мэй (в переводе с кит. живопись цветущей сливы) — жанр китайской живописи, изображающий цветущую сливу.
Мо-мэй одно из самых значительных стилистико-тематических направлений жанра цветы и птицы.
Начальный этап формирования живописи сливы в качестве отдельного направления живописи соотносится с эпохой Пяти династий (907-960).
Ветка с нежно-розовыми, белыми или жёлтыми цветами дикой сливы мэйхуа символизирует гордого человека кристальной чистоты, несгибаемость и стойкость.

Хуа-хуй. Цветы и растения

Гуа-го (в переводе с кит. плоды и ягоды) — жанр китайской живописи, изображающий плоды и ягоды — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Гуа-го. Плоды и ягоды

Хуа-хуй (в переводе с кит. цветы и растения) — жанр китайской живописи, изображающий цветы и растения — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Линг-мао

Линг-мао (в переводе с кит. пернатые и пушистые) — жанр китайской живописи, изображающий птиц и животных — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Лев являлся символом мощи и благородства; тигр — защитник от злых духов; журавль, черепаха — символы долголетия; летучая мышь, сорока — символы счастливой вести; селезень с уткой, две рыбки, две бабочки, два цветка лотоса на одном стебле — символы супружеского счастья; карпы кои — символ пожелания счастья и успехов; петух олицетворяет красоту, широкую известность и добрую славу.
Дракон символизирует могущество, мудрость и доброту. Иногда дракона изображают держащим волшебную жемчужину мудрости, что олицетворяет величие, мудрость и бессмертие. В Китае дракон с жемчужиной считался символом императора, его божественным покровителем. Птица феникс — символ человеколюбия, мира и процветания, а также символ императрицы.

Таким образом, картины жанра пернатые и пушистые почти всегда были наполнены скрытым символическим смыслом.

Чун-юй. Насекомые и рыбы

Чун-юй (в переводе с кит. насекомые и рыбы) — жанр китайской живописи, изображающий насекомых и рыб — одно из направлений жанра цветы и птицы.

Метки: фото, китай, искусство, картины, АЯТ, жанры
01:39 05.09.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Пойнтер, Эдвард Джон

Художник Эдвард Джон Пойнтер (1836-1919)
Эдвард Джон Пойнтер (англ. Edward John Poynter; 20 марта 1836, Париж — 26 июля 1919) — английский художник.Cын архитектора и художника Амвросия Пойнтер.

Получил начальное художественное образование в Вестминстерской школе и в Ипсвиче, в 1856-1859 годах. Учился живописи у Шарля Глейра. Поселившись с 1860 года в Лондоне, пользовался руководством Лейтона. Приобрёл известность большими историко-мифологическими полотнами.

В 1869 году он сделался сопричисленным к Лондонской академии художеств, в 1871 году членом Бельгийского общества акварелистов, в 1876 году членом Лондонской академии художеств и в 1896 году (по смерти ее президента Дж. Милле) занял в ней его место.

В 1902 году ему был присвоен титул баронета. Отличаясь оригинальностью в композиции, точностью рисунка, блеском красок и деликатностью письма, он пользовался у своих соотечественников громкой известностью как превосходный исторический и жанровый живописец, преимущественно же как бесподобный акварелист.
Умер Эдвард Джон Пойнтер 26 июля 1919 года.

Метки: живопись, искусство, картины, АЯТ, биография художника
04:37 05.08.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Властелин морей. Почему картины Айвазовского нравятся всем

Третьяковская галерея открыла на Крымском валу выставку «Иван Айвазовский. К 200-летию со дня рождения».

Автопортрет И. Айвазовского (1874), галерея Уффици.
Автопортрет И. Айвазовского (1874), галерея Уффици. © / репродукция
  • 1

Хронологический казус в данном случае (художник родился в 1817 г.) не должен смущать. Во-первых, юбилеи фигур такого калибра могут и должны отмечаться долго. Во-вторых, согласно пословице, «Кто празднику рад, тот празднует заранее».

Айвазовский — именно такой праздник. Он повсеместно любим и стопроцентно узнаваем. Так было всегда. Современник художника писатель Фёдор Достоевскийсравнивал его с Дюма: «И тот, и другой поражают чрезвычайной эффектностью… Дюма читался с жадностью, с азартом, картины Айвазовского раскупаются нарасхват».

span-12" data-params="{"title":""Вид на взморье в окрестностях Петербурга", 1835 г.","author":"","source":{"url":"","title":"репродукция"}}" id="picture_662929" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; position: relative; ; background-image: initial; background-attachment: initial; background-size: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-position: initial; background-repeat: initial;">
««Чесменский бой», 1848 г.»,
«Чесменский бой», 1848 г. репродукция

Он действительно нравился всем. В его картинах всякий мог и может найти что-то своё, родное. Скажем, герой обороны Севастополя адмирал Корнилов специально прибыл в Феодосию на боевом корабле «12 апостолов» и салютовал Айвазовскому из всех орудий — так было оценено историческое полотно «Чесменский бой». Художник не останется в долгу — этот корабль будет написан на восьми его картинах. Две его ранние юношеские работы — «Этюд воздуха над морем» и «Вид на взморье», написанные в 1835 г., восхитили баснописца Крылова: «Прелесть как хорошо!», — а годом позже и самого Пушкина: «Эти морские волны запали мне в душу».

Он уживался даже с новаторами. Известно, что Айвазовский задолго до опыта передвижников устраивал свои выставки не только в столицах, но и в провинции. Передвижники не ревновали. Более того — ценили его мастерство, чему свидетельством совместная работа Айвазовского и Репина «Прощание Пушкина с морем».

span-12" data-params="{"title":""Прощание Пушкина с морем", 1877 г., совместно с И. Репиным.","author":"","source":{"url":"","title":"репродукция"}}" id="picture_662928" style="margin: 0px 0px 10px; padding: 0px; border: 0px; outline: 0px; vertical-align: top; position: relative; ; background-image: initial; background-attachment: initial; background-size: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-position: initial; background-repeat: initial;">
«Прощание Пушкина с морем», 1877 г., совместно с И.  Репиным.
«Прощание Пушкина с морем», 1877 г., совместно с И. Репиным. репродукция

Айвазовский был ещё и щедрым. Профинансировал строительство здания в Феодосии, в котором разместился археологический музей, оплачивал работы по благоустройству города.

Острослов Гоголь, будучи в Риме, в 1841 г. стал свидетелем триумфа полотна «Хаос. Сотворение мира»: «Пришёл ты, маленький человек с берегов Невы, и сразу поднял «Хаос» в Ватикане!». Картину купил римский папа Григорий XVI. Впрочем, бывали покупатели и познатнее. Вот слова императора Николая I: «Что бы ни написал Айвазовский, будет куплено мною». Слово своё он держал — на одной из выставок было представлено 9 картин художника. Император купил 6, в том числе знаменитый «Девятый вал». По словам самого живописца, Николай как-то на морской прогулке, перекрывая шум волн, крикнул ему: «Айвазовский! Я — царь земли, а ты — царь моря!» Пожалуй, это самая точная оценка.

Метки: живопись, искусство, картины, Айвазовский, АЯТ
02:02 31.07.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Гигантское собрание произведений мирового искусства в свободном доступе!

Какое счастье, что многие музеи, галереи и библиотеки мирового значения выкладывают часть своих коллекций в открытый доступ, где буквально каждый желающий может приобщиться к наследию искусства!

Британская библиотека (Лондон)

На сайте Британской библиотеки c пометкой Public Domain опубликованы графические иллюстрации художника Обри Бёрдслея. Представлено 16 знаменитых изображений, иллюстрировавших пьесу Оскара Уайльда «Саломея» 1907 года.

Дополнительно оцифрована иллюстрация Salomé on Settle, в оригинале отпечатанная на японском пергаменте. Графика выложена в высоком разрешении, и с помощью зума можно рассмотреть каждую деталь. Кроме того, разрешено использовать коллекцию библиотеки, опубликованную на сайте Flickr. В экспозициипредставлено около 100 тысяч изображений.

Гигантское собрание произведений мирового искусства в свободном доступе!

Гигантское собрание произведений мирового искусства в свободном доступе!
Bl.uk

Национальная галерея искусства (США)

На сайте Национальной галереи искусства можно скачать репродукции полотен Ван Гога, Рембранта, Моне и других крайне известных художников. Изображения представлены в высоком разрешении и в доступе Open Access.

Гигантское собрание произведений мирового искусства в свободном доступе!
Images.nga.gov

Лондонская национальная галерея

Галерея предлагает виртуальный тур, а также делится частью коллекции. Представлено свыше 2300 работ с лицензией Creative Commons, и отдельноотобраны полотна, которые стоит посмотреть обязательно.

Гигантское собрание произведений мирового искусства в свободном доступе!
Nationalgallery.org.uk

Метрополитен-музей (США)

На сайте Метрополитен-музея по лицензии OASC доступны для скачивания в высоком разрешении 400 тысяч изображений предметов искусства. Кроме того, открыты для просмотра 442 каталога, часть из которых можно загрузить к себе.

И никогда не забывайте о внушительной коллекции Google Culture Institute, в которой представлены оцифрованные экспонаты из галерей и музеев со всего мира.

Гигантское собрание произведений мирового искусства в свободном доступе!

Метки: интернет, выставка, картины, музеи, галереи, шедевры, АЯТ
01:36 10.07.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Художник Дмитрий Дмитриев


Дима Дмитриев родился в Москве. Переехал в Прагу, где окончил академию Искусств, Архитектуры и Дизайна.
Выставляющийся в разных уголках мира, и так мало известный в России москвич Дима Дмитриев создаёт сочные полотна с летним настроением. Особой страстью художника являются цветочные поля, на которых непременно гуляет таинственная незнакомка.
Живопись Димы словно воздушная, легкая, солнечная, наполненная всеми красками природы.

Метки: живопись, искусство, картины, АЯТ, современные художники
13:44 01.07.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Невообразимые слоны средневековых художников

В средние века европейские художники знали про существование слонов, но вживую их никогда не видели, поэтому рисовать их приходилось по описаниям путешественников. Мы встречаем изображения слонов в качестве иллюстраций к научным трудам, каталогам, в журналах о путешествиях и дальних странах.

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Невообразимые слоны средневековых художников

Метки: картины, художники, АЯТ, средневековье, изображение слонов
17:29 23.04.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество Эзотерика и мистика

Леонардо да Винчи

Витрувианский человек — рисунок, сделаный Леонардо Да Винчи примерно в 1490-1492 годах, как иллюстрация для книги, посвященной трудам Витрувия. Рисунок сопровождается пояснительными надписями, в одном из его журналов. На нем изображена фигура обнаженного мужчины в двух наложенных одна на другую позициях: с разведенными в стороны руками, описывающими круг и квадрат. Рисунок и текст иногда называют каноническими пропорциями.

1. Леонардо никогда не собирался выставлять своего "Витрувианского человека" напоказ

Леонардо да Винчи.

Леонардо да Винчи.



Эскиз был обнаружен в одной из личных записных книжек мастера эпохи Возрождения. На самом деле Леонардо нарисовал эскиз для собственных исследований и даже не подозревал о том, что им когда-то будут восхищаться. Тем не менее, сегодня "Витрувианский человек" является одной из самых известных работ художника, наряду с "Тайной вечерей" и "Моной Лизой".

2. Сочетание искусства и науки

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Будучи истинным представителем эпохи Возрождения, Леонардо был не только живописцем, скульптором и писателем, но также изобретателем, архитектором, инженером, математиком и знатоком анатомии. Этот рисунок, выполненный чернилами, стал результатом изучения Леонардо теорий о человеческих пропорциях, описанных древнеримским архитектором Витрувием.

3. Леонардо не первый пытался проиллюстрировать теории Витрувия

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Как полагают современные ученые, в 15-м веке и в последующие десятилетия существовало множество людей, которые пытались отразить эту идею в визуальной форме.

4. Возможно, рисунок был сделан не только самим Леонардо

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



В 2012 году итальянский историк архитектуры Клаудио Сгарби опубликовал выводы, что исследование Леонардо относительно пропорций тела человека было вызвано аналогичным исследованием, проделанным его другом и коллегой-архитектором Джакомо Андреа де Феррара. До сих пор неясно, работали ли они вместе. Даже если эта теория неверна, историки согласны в том, что Леонардо усовершенствовал недостатки работы Джакомо.

5. Круг и квадрат имеют свой скрытый смысл

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



В своих математических исследованиях Витрувий и Леонардо описывали не только пропорции человека, но и пропорции всего творения. В записной книжке 1492 года была найдена запись Леонардо: "Древний человек был миром в миниатюре. Поскольку человек состоит из земли, воды, воздуха и огня, его тело напоминает микрокосм Вселенной".

6. "Витрувианский человек" — только один из многих набросков

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Для того, чтобы усовершенствовать свое искусство и лучше понять, как устроен мир вокруг него, Леонардо нарисовал много людей, чтобы сложить представление об идеальных пропорциях.

7. Витрувианский человек — идеал мужчины

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Кто послужил в качестве модели, так и останется тайной, но искусствоведы считают, что Леонардо допустил некоторые вольности в своем чертеже. Эта работа была не столь портретом, сколько добросовестным изображением идеальных мужских форм с точки зрения математики.

8. Это может быть автопортрет

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Поскольку не сохранилось описаний модели, с которой был нарисован данный эскиз, некоторые искусствоведы полагают, что Леонардо рисовал "Витрувианского человека" с себя.

9. У Витрувианского человека была грыжа

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Хирург Имперского колледжа Лондона Хутан Ашрафян через 521 лет после создания знаменитого рисунка установил, что у человека, изображенного на эскизе, была паховая грыжа, которая могла привести к его смерти.

10. Чтобы понять полный смысл рисунка, нужно прочесть примечания к нему

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Когда эскиз был первоначально обнаружен в записной книжке Лернардо, рядом с ним находились заметки художника относительно пропорций человека, которые гласили: "Архитектор Витрувий утверждает в своей работе по архитектуре, что измерения человеческого тела распределяются согласно следующего принципа: ширина 4 пальцев равна 1 ладони, ступня составляет 4 ладони, локоть составляет 6 ладоней, полный рост человека — 4 локтя или 24 ладони... Эти же измерения Витрувий использовал при строительстве своих зданий".

11. Тело расчерчено мерными линиями

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Если внимательно присмотреться к груди, рукам и лицу человека на рисунке, то можно заметить прямые линии, отмечающие пропорции, о которых Леонардо писал в своих заметках. Например, часть лица от низа носа до бровей составляет треть лица, равно как и часть лица от низа носа до подбородка и от бровей до линии, где начинают расти волосы.

12. У эскиза есть и другие, менее эзотерические названия

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Эскиз также называют "Канон пропорций" или "Пропорции мужчины".

13. Витрувианский человек одновременно изображает 16 поз

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



На первый взгляд, можно увидеть только две позы: стоящий человек, который сдвинул ноги и раскинул руки, и стоящий человек с разведенными ногами и поднятыми руками. Но частью гениальности изображения Леонардо является то, что в одном рисунке изображено одновременно 16 поз.

14. Творение Леонардо да Винчи было использовано для отображения проблем современности

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Ирландский художник Джон Квигли использовал знаковый образ, чтобы проиллюстрировать проблему глобального потепления. Для этого он изобразил многократно увеличенную копию Витрувианского человека на льдах в Северном ледовитом океане.

15. Оригинал эскиза редко появляется на публике

Витрувианский человек.

Витрувианский человек.



Копии можно встретить буквально повсеместно, но оригинал слишком хрупкий, чтобы его можно было выставлять на публике. "Витрувианский человек", как правило, хранится под замком в "Галерее Академии" в Венеции.

Стоит отметить, что к творчеству великого да Винчи обращаются и современные художники. Так, недавно была создана Мона Лиза из 2156 катушек ниток
Источник

Метки: фото, работы, картины, Леонардо Да Винчи, ЭиМ, история создания
19:52 20.04.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

Необычные формы современного искусства (продолжение)

2. Фотореализм

© Richard Estes
© Richard Estes

Начиная с 60-х годов движение фотореалистов стремилось создать предельно реалистичные изображения, которые были почти неотличимы от реальных фотографий. Копируя мельчайшие детали, фиксируемые камерой, художники-фотореалисты стремились создать «картину картины жизни».

© Richard Estes
© Richard Estes

Ещё одно движение, известное как супер-реализм (или гипер-реализм), охватывает не только живопись, но и скульптуру. Также это движение находится под сильным влиянием современной поп-арт культуры. Но в то время как в поп-арте повседневные образы стараются из контекста убрать, фотореализм напротив, концентрируется на образах обычной, повседневной жизни, воссоздаваемых с максимально возможной точностью.

© Richard Estes
© Richard Estes

К наиболее знаменитым художникам-фотореалистам относятся Ричард Эстес, Одри Флэк, Чак Клоуз и скульптор Дуэй Хэнсон. Движение очень неоднозначно воспринимается критиками, которые считают, что в нём механическое мастерство явно превалирует над стелем и идеями.

© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Audrey Flack
© Chuck Close
© Chuck Close
© Chuck Close
© Chuck Close
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson
© Duane Hanson

3. Рисование на грязных машинах

Скотт Уэйд / © www.pixelsmithstudios.com
Скотт Уэйд / © www.pixelsmithstudios.com

Рисование на грязи, скопившейся на давно не мытой машине, тоже считается искусством, лучшие представители которого стремятся изобразить несколько больше банальных надписей вида «помой меня».

© CNW Group/CARSTAR Collision & Glass Centres
© CNW Group/CARSTAR Collision & Glass Centres

52-летний графический дизайнер по имени Скотт Уэйд стал очень известен из-за своих удивительных рисунков, которые он создавал, используя грязь на стёклах машин.

© www.n4gm.com
© www.n4gm.com

А начал художник с того, что использовал в качестве холста толстый слой пыли на дорогах Техаса, на дорогах он рисовал различные карикатуры, а создавал он их с помощью собственных пальцев, ногтей и небольших сучьев.

© www.dirtycarart.com
© www.dirtycarart.com

В настоящее время для рисования он использует специальные щётки, с помощью которых создаёт удивительно зрелищные и сложные картины. Постепенно Уэйда стали показывать на различных художественных выставках, также его стали нанимать рекламодатели для того, чтобы он продемонстрировал своё мастерство на их мероприятиях.

Метки: фотографии, искусство, картины, АЯТ, современность, новое в искусстве
11:38 15.03.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество Интересные события и факты

САМЫЕ ГРОМКИЕ ПРЕСТУПЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ

1911 год.
Кража картины Леонардо Да Винчи "Мона Лиза".

21 августа 1911 года картина была похищена работником Лувра, итальянским мастером по зеркалам Винченцо Перуджей.
Годом раньше директор Лувра Теофиль Омоль (вскоре после кражи ушедший в отставку) заявлял, что покушение на «Мону Лизу» так же вероятно, как попытка похитить колокола собора Парижской Богоматери.
Цель этого похищения не выяснена однозначно. Возможно, Перуджа хотел возвратить «Джоконду» на историческую родину, считая, что французы «похитили» её и забывая, что Леонардо сам привёз картину во Францию.
Поиски, предпринятые полицией, не принесли результата. Были закрыты границы страны, музейная администрация была уволена. Поэт Гийом Аполлинер был арестован по подозрению в совершении преступления и позже освобождён. Пабло Пикассо также находился под подозрением.
Картину нашли только спустя два года в Италии — причём виной тому был сам вор, отозвавшийся на объявление в газете и предложивший продать «Джоконду» директору галереи Уффици. Предполагается, что он собирался сделать копии и выдавать их за оригинал. Перуджу, с одной стороны, хвалили за итальянский патриотизм, с другой — дали ему небольшой срок в тюрьме

Метки: фото, искусство, картины, кража, ИСИФ
11:33 15.03.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

САМЫЕ ГРОМКИЕ ПРЕСТУПЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ

1911 год.
Кража картины Леонардо Да Винчи "Мона Лиза".

21 августа 1911 года картина была похищена работником Лувра, итальянским мастером по зеркалам Винченцо Перуджей.
Годом раньше директор Лувра Теофиль Омоль (вскоре после кражи ушедший в отставку) заявлял, что покушение на «Мону Лизу» так же вероятно, как попытка похитить колокола собора Парижской Богоматери.
Цель этого похищения не выяснена однозначно. Возможно, Перуджа хотел возвратить «Джоконду» на историческую родину, считая, что французы «похитили» её и забывая, что Леонардо сам привёз картину во Францию.
Поиски, предпринятые полицией, не принесли результата. Были закрыты границы страны, музейная администрация была уволена. Поэт Гийом Аполлинер был арестован по подозрению в совершении преступления и позже освобождён. Пабло Пикассо также находился под подозрением.

Картину нашли только спустя два года в Италии — причём виной тому был сам вор, отозвавшийся на объявление в газете и предложивший продать «Джоконду» директору галереи Уффици. Предполагается, что он собирался сделать копии и выдавать их за оригинал. Перуджу, с одной стороны, хвалили за итальянский патриотизм, с другой — дали ему небольшой срок в тюрьме.

Метки: фото, картины, преступления, АЯТ, кражи
00:50 19.02.2016
Ирина Кравец опубликовала запись в сообщество AЯT (Искусство)

"Апофеоз войны" Художник Верещагин

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».



Источник: http://www.adme.ru

Метки: живопись, картины, АЯТ, Верещагин
Мы — это то, что мы публикуем
Загружайте фото, видео, комментируйте.
Находите друзей и делитесь своими эмоциями.
Присоединяйтесь
RSS Ирина Кравец
Войти